\n\t\t\tAsia\n\t\t\t
\n',color:{a:1,r:130,g:130,b:130},type:"content"},{programs:[],seq:3,name:"合作計畫",content:'\n\n\n\n
「Rollo- 臺灣.以色列合作線上藝術創作交流展演計畫」為一疫情期間、國際旅行及文化交流限制下,突破地理和疫情的囿限,由文化部、駐台北以色列經濟文化辦事處、衛武營國家藝術中心、以及Rollo藝術計畫團隊共同支持進行的國際藝術交流合作計畫,多年來已與土耳其、英國、俄羅斯等國藝術機構及組織合作,創造出各式各樣豐富多樣的線上作品成果。今年計畫來到臺灣,並由衛武營國家藝術中心以及Rollo藝術計畫團隊共同主辦,希冀透過臺灣及以色列雙邊策展人協力,攜手串聯新生代藝術家,在限定的時間和主題下激盪出跨國交流的作品。
\n\n合作夥伴
\n\n以色列藝術家
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2021年9月19日為法國的國際諮詢日(International Day of Consultations),衛武營的國際合作夥伴—巴黎市立劇院—將在巴黎市中心尼爾森曼德拉花園進行大規模的藝術諮詢活動。衛武營相信「藝術療癒」的力量,也積極響應,成為本活動唯一的亞洲夥伴場館。當天同步舉辦《藝術諮詢日》,邀請表演者擔任「藝術諮詢師」,將衛武營三樓樹冠大廳及西側樹冠露臺轉化成花草系療癒空間,在表演者與觀眾的簡短問候對話後,由表演者來為觀眾挑選詩詞為之朗誦,或樂曲彈奏,甚至即興表演一段戲曲或舞蹈;又或進入樹冠露臺聆聽由臺灣詩人與巴黎市立劇院演員帶來的中文、臺語、法文詩詞朗誦。歡迎報名參與,讓藝術滋養心靈。
\n\n合作夥伴
\n\n法國|巴黎市立劇院
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2017年衛武營與歐陸青年編舞者網絡Aerowaves展開合作,與義大利巴薩諾戴格拉帕當代表演藝術中心、法國馬恩河谷省國家編舞發展中心,和日本捷森基金會等合作夥伴機構,因創意歐洲專案支持之「跳舞博物館」計畫,開展了2019年橫跨歐、亞兩大洲的「四國駐地交流計畫」。
\n\n合作夥伴
\n\n法國|馬恩河谷省國家編舞發展中心
\n\n香港|西九文化區自由空間
\n\n義大利|巴薩諾戴格拉帕當代表演藝術中心
\n\n日本|捷森基金會
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舞蹈影片結合了舞蹈和影像,讓舞蹈和電影工作者通過肢體和影像的對話,探索藝術表達的更多可能與火花。從2021年起,透過平臺《舞蹈風景》,由新加坡濱海藝術中心倡議,攜手香港大館-古蹟及藝術館、臺中國家歌劇院,以及衛武營國家藝術文化中心推出一系列舞蹈影片,邀請藝術家們在不同場域、從不同主題汲取靈感,讓舞蹈和影像相互交織,也讓觀眾欣賞各地華人藝術家的多元文化面貌。
\n\n合作夥伴
\n\n香港|香港大館 ─ 古蹟及藝術館
\n\n新加坡|濱海藝術中心
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衛武營國家藝術文化中心目標成為「亞洲劇場自造者的新創基地」,2017年與「PQ布拉格劇場設計四年展」(Prague Quadrennial of Performance Design and Space, PQ)簽署四年合作計劃,本計劃共有八個合作夥伴機構,分別來自捷克、英國、挪威、賽普勒斯、烏克蘭、波蘭、拉脫維亞及臺灣,作為臺灣代表的衛武營亦是此計畫唯一的亞洲夥伴。
\n\n透過此計畫,開啟亞洲與歐洲間持續的合作契機,包括新銳設計/創作者交流、實習生培訓與展演作品交流計畫等實驗與合作的機會,發展亞洲和歐洲青年劇場自造者(theater-makers)間的交流網絡。
\n\n2020年的整個5月,《EUREKA!2.0發現衛武營》以展覽、創意實驗自造所及演出三個子計畫,串起不同國家的夥伴藝術計畫,在衛武營的公共空間中,創造和藝術的不期而遇。
\n\n合作夥伴
\n\n捷克|PQ布拉格劇場設計四年展/ATI捷克藝術與劇場研究中心
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以音樂藝術為主軸,求索歷史、書寫當代、探索未來,期盼透過實驗與實踐,以展演、當代音樂學院、國際鏈結等三個面向,緊密連結創作者、演繹者與聽眾,發揮國家場館能量,推動與催生當代作品,為下一個世代承續臺灣音樂發展。
\n\n合作夥伴
\n\n韓國|全州國際音樂節
\n\n匈牙利|于特福許基金會
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建構當代舞蹈從業人員於在地、區域和國際產業發展上鏈結的永續型支持系統 - 展演(共製/委製)、中/英書寫(評論/賞析)、工作坊、講座、主題影像展及國際專業人士聚會等,給予青年創作世代不同階段的創作陪伴,以及實驗精神的發展空間。
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自2016年起,衛武營每年11月策劃推出馬戲平台,為目前全臺灣唯一聯結產、官、學界,深度推動馬戲藝術發展及育成的平台,同時連結了民眾生活、衛武營建築本體和室內外通透的空間及公園腹地,傳達了馬戲具有總體藝術的開放性及包容度,讓生活可以談論很嚴肅的議題,亦可以用詼諧、幽默和很動感的方式,讓觀眾進入馬戲的創意裡。
\n\n合作夥伴
\n\n亞洲馬戲網絡
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\n',color:{a:1,r:0,g:0,b:0},type:"content"},{programs:[],seq:4,name:"國際連結",content:'
2023
\n\n2023 FACP亞洲文化推展聯盟高雄年會-下一站,綠世代—續航表演藝術生活
\n\n\n\n2023年11月23日至26日,衛武營與FACP亞洲文化推展聯盟攜手以「下一站,綠世代—續航表演藝術生活」為年會主題,扣合衛武營五週年慶場館永續的核心,回應後疫情時代表演藝術面臨的重要經濟和環境挑戰。這是FACP在後疫情時代的首個聚會活動,也是藝術文化交流的絕佳機會。
\n\n時間
\n\n2023/11/23-11/26
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2022
\n\n2022德國杜塞道夫國際舞蹈博覽會
\n\n\n\n兩年一度全球最具規模的專業現代舞蹈交流平台-德國杜塞道夫國際舞蹈博覽會(Internationale Tanzmesse NRW),2020年因疫情於全球蔓延之影響下暫停實體交流活動,於2022年8月31日至9月3日重啟,在為期四天的展會期間中,籌辦包含劇場演出、交流工作坊、新作提案、主題講座、展覽等多元活動,今年舉辦預計將有來自歐洲、美洲、亞洲及非洲等超過45個國家以及約2000名的專業舞蹈相關人士齊聚,互相交流以及建立國際合作的網絡。
\n\n2022年,由文化部支持,衛武營國家藝術文化中心攜手駐地藝術家藝術家周書毅共同籌劃,參加2022德國杜塞道夫國際舞蹈博覽會,以「TAIWAN ONLINE」為主軸,並連結衛武營三大平台之一的臺灣舞蹈平台策展脈絡,一同回應及回顧表演藝術幾度停擺又重啟的虛實時代,臺灣是位處於亞洲的一座島國,疫情著實讓這一座島嶼重新去思索「連結」的意義及「邊境」所代表的含義,藉由藝術家們厚植議題深度,反觀生命處境之間的連結與呼應,探尋不同距離的創作方法,對照本土到國際的連結、在虛擬世界中的肢體移動等議題,「TAIWAN ONLINE」將以交叉呼應的策展概念呼應現況,並期待能帶出在疫情期間,這片土地上最真實的生活樣貌。
\n\n最新消息
\n\n►2022德國杜塞道夫國際舞蹈博覽會 衛武營攜手駐地藝術家周書毅共同策劃TAIWAN ONLINE
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2021
\n\n2021年,衛武營首次將WOW世界女性藝術節引進臺灣,串連藝文、學術、社群、教育、企業、非營利組織等領域,收集各年齡層、不同背景的在地民眾聲音,整合出以 #連結對話 、#換位同理 、#歡慶共創 為核心精神的「WOW高雄2021世界女性藝術節」,內容包括講座、參與式演出、對談、身體工作坊及放映櫥窗等超過數十場精彩活動與節目,希望在聆聽、分享與重新學習的過程中,共同探討實踐平權的方向。期許以藝術節來讓每一位女人、女孩更有力量,營造性別友善的世界。
\n\n時間
\n\n2021/11/5-11/14
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2020
\n\n2020年,全球各行業均受疫情重創,國際合作甚至在地工作都變得舉步維艱。藝術機構苦思調整方法,同時面臨社會經濟條件大幅轉變,藝術產業如何打破現況,建立創意的溝通載體?
\n\n衛武營自2015年起每年開辦國際論壇,持續創造「藝術、生活、公民社會」的對話機會。今年適逢衛武營承辦FACP亞洲文化推展聯盟(Federation for Asian Cultural Promotion)第38屆年會,因此結合兩項活動,以《疫情緊張!藝術怎麼辦?》作為主題,進一步反思藝術產業對疫情的影響與挑戰的回應,探討藝術與文化在當代社會數位時代下可能的變革,以及如何在風險社會中保持快速回應的彈性。
\n\n時間
\n\n2021/11/13-11/15
\n\n\n\n\n',color:{a:1,r:130,g:130,b:130},type:"content"},{programs:[],seq:5,name:"共製節目",content:'
2022
\n\n時間
\n\n2022/10/27(四) - 2022/10/30(日)
\n\n合作夥伴
\n\n比利時列日皇家歌劇院
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2021
\n\n時間
\n\n2021/9/17(五) - 2021/9/19(日)
\n\n合作夥伴
\n\n香港城市當代舞蹈團
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2020
\n\n時間
\n\n2020/12/4(五) - 2020/12/5(六)
\n\n合作夥伴
\n\n德國里米尼紀錄劇團
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時間
\n\n2020/2/28(五) - 2020/3/1(日)
\n\n合作夥伴
\n\n英國國家歌劇院
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2019-2020
\n\n時間
\n\n2019/4/4(四) - 2019/4/7(日)
\n2020/8/28(五)、2020/8/30(日)
合作夥伴
\n\n德國萊茵歌劇院
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2018
\n\n時間
\n\n2018/12/8(六) - 2018/12/9(日)
\n\n合作夥伴
\n\n林肯表演藝術中心
\n\n美國斯波萊多藝術節
\n\n新加坡藝術節
\n\n\n',color:{a:1,r:0,g:0,b:0},type:"content"},{programs:[{from:"articles",key:"625cd6487406e30007ca93e0",title:"身體會說話! 擁抱自己和他人的與眾不同,成為更自由而完整的人。",data:{_id:"625cd6487406e30007ca93e0",chinese:{title:"身體會說話! 擁抱自己和他人的與眾不同,成為更自由而完整的人。",introduction:"由臺灣與西班牙兩國、三城合作開展的舞蹈南方計畫,2020年在遇見國際疫情的當下,即改變策略轉為線上舞蹈影像創作交流,從新的經驗裡學習轉型、深化藝術家、機構間國際交流(新)的模式。",content:'
撰文|張欣怡
\n\n由臺灣與西班牙兩國、三城合作開展的舞蹈南方計畫,2020年在遇見國際疫情的當下,即改變策略轉為線上舞蹈影像創作交流,從新的經驗裡學習轉型、深化藝術家、機構間國際交流(新)的模式。
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後疫情時局,在各國積極為國(居)民施行不同階段的疫苗接種計畫,也因應當地疫情隨時調整的措施,除了有助防堵新的疫情擴散,也在預防和群體免疫的交互作用之下,努力讓生活日常重新回到正軌。在這個新日常的保護傘下,今年12月舞蹈南方計畫終能突破國境限制,由衛武營與嘉表共同推薦旅英長達20年的臺灣舞蹈藝術家林燕卿(Yen-Ching LIN),於11月28日自倫敦前往馬德里,進行長達16天的身體旅行。
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理解、相信、接納與肯定 身體文化的與眾不同
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燕卿抵達馬德里後的身體旅行,從為期五天的性別身體研習營作為起手式,並在平台閉幕節目中發表個人展演為這趟旅行劃下句點。每年12月的馬德里編舞平台皆以性別身體研習營和舞蹈書寫工作坊揭開平台序幕,由藝術總監蘿拉·庫敏(Laura Kumin)邀請,表演或創作多與性別議題相關的獨立藝術家參與此創作進修研習營。
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今年的研習營,以Dancing Queerness「跳出怪奇舞蹈(暫譯)」為題,由西班牙舞蹈藝術家哈維耶樂·瓦戈侯(Javiel Vaquero)-代名詞:她/她的(pronoun: she/her)擔任導師,每天早上10點至下午3點的密集課程,她與十位來自西班牙、智利和以色列的舞蹈藝術家(dance artist):Gal Levinson, Andrea El Ameri, Félix A. Arjona, Sara Coelho, Diego Rosental, Lucía Montes, Mado Dallery, Sergio R. Suárez, M.J. Minguez和燕卿,一同進行創作思辨與交流實作。
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每日密集五小時不間斷的群體生活,在導師哈維耶樂·瓦戈侯漸進式系統性的引導下,加上她樂於傾聽和無私的分享,自然而然營造出令人安心的學習環境;因此,創作者們也感受到彼此接納、理解,進而願意相互信任和給予支持的善意。參與者們在完成各種作業的同時,共同經歷原生、人工化和異質身體所帶來的改變和思考,也在來回的討論和辯證中,超越自身文化和語言的藩籬,理解不同社會結構下的酷兒文化。
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研習營期間,從個人提問、書寫乃至團體與分組討論,直到最後兩天個人及團體主題式即興實作,導師與參與者們在共同理解彼此的過程中,藉由同理、覺察需要和換位思考的練習,學習尊重生命的異質性。而創作者在個人與群體的對話裡,在每一個階段都將自己創作的維度更往前推進,不僅從傾聽和相互學習中獲得更多的勇氣,更確信作為身體表演的獨立創作者,自己的身體能作為與大眾溝通、表述藝術家思考與態度的最佳載體。
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以利他、共好,推動在地社群培力。
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這個以藝術創作者為主體的性別身體研習營,正式計畫名稱為Performing Gender - Dancing in Your Shoes「設身處地的性別展現(暫譯)」發起於2013年,每三年為一期階段性循環,為歐盟重點文化挹注項目-創意歐洲(Creative Europe)所支持。
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在歐洲的舞蹈推廣架構下,該計劃以性別議題為主軸,著重觀眾開發培育,鼓勵表演藝術及舞蹈類等文化從業人員與在地社群積極對話,並以下列四個核心價值維計畫核心:在地社群(local communities)、舞蹈創作者(Dance Makers)、研究(Research)及夥伴(Partners)。
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該計畫成員來自八個歐洲國家:匈牙利、斯洛維尼亞、義大利、西班牙、法國、荷蘭、瑞典及英國,共十一個機構包含舞蹈節、LGBTQI推動性別平權協會、大學、國際組織和劇場製作中心等。這些夥伴與在地社群深信,透過舞蹈身體作為創新的溝通工具,以開放、促進理解和同理心為方法,形成自主性社群進而凝聚共識,群策群力的規劃適合在地、跨文化社群的創作溝通及研發培力課程。
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讓表演和創作可以自由探索和成長的安心之所(safe space)
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作為上述計劃推手之一,為非官方主辦的西班牙馬德里編舞平台,由馬德里Paso a 2舞蹈文化教育機構於1987年創立,以培育、扶植西語系國家及地區之創作者為核心,並與馬德里康德杜克當代文化中心、卡納爾劇院之編舞中心(Teatros del CANAL - Centro Coreográfico)等展演場所夥伴合作。該平台創辦人暨總監蘿拉·庫敏為Aerowaves歐陸青年編舞網絡平台創辦成員,於美國成長受訓為舞者和舞蹈教師,定居馬德里後,曾任當地劇院舞蹈策展人並製作當代佛朗明哥系列舞蹈節目,以催生、推動新型態的當代舞蹈作品活躍於西班牙、西語及歐陸國家。
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該平台至今走過三十五個年頭,透過每年國際決審團的邀請、獎項頒發、創作陪伴研習營及駐村交流選薦等,發掘不少舞蹈新秀,其中大獎得主不乏與荷蘭舞蹈劇場(Nederlands Dans Theater)、臺灣舞蹈空間合作多年的西班牙編舞家瑪芮娜‧麥斯卡利(Marina Mascarell)。在蘿拉·庫敏個人跨文化的背景和善於傾聽的特質影響下,她所創立的馬德里編舞平台始終為發掘有潛力的創作者發聲,也持續的促成藝術家與在地社群(學校、社區中心)的交流,打開舞蹈直接與大眾溝通的各種可能性。
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不少參與平台的藝術家們提到蘿拉,不約而同表示:「在馬德里,只要有舞蹈發生的地方,你就會看到蘿拉的身影,哪怕只是在一個小排練室的閉門呈現,她都會排除萬難到現場看看他們的創作或研究發展。蘿拉的出現不只是了解他們的近況,更經常是詢問他們是否有需要幫忙的地方;如果有缺排練地點、需要駐村或者巡演的機會,她總是非常開放且樂於串連各種合作機會,盡可能的幫助他們的創作被大眾所理解和被更多的專業人士邀演。」
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我的身體,我的文化
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臺灣知名的工作人交流平台-Cheers快樂工作人在2018年1月號「人生課」系列文章裡,作者楊琮熙提到美國心理學家丹尼爾‧高曼(Daniel Goleman)在他的著作《EQ II:工作EQ》情緒智力(Emotional Intelligence)裡說明,處理人際關係的能力即是以同理心為基礎,可以試著從察覺他人需要、關心對方的看法與協助他人發展等原則為出發點,透過這些原則可有效的了解他人觀點,進而認知他人情緒與回應對方的感受,也同步提高個人的同理心。
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回應筆者在馬德里現場,觀察今年的性別身體研習營,經歷了最後兩天藝術家們最私密的閉門創作實驗過程:導師與十位藝術家從彼此素不相識,慢慢的從對話、思辨到共識凝聚,直到最後的團體即興呈現,相互傾聽、彼此交託和作為創作者最深處的信任,驗證了人與人之間彼此覺察需要、理解、相信,並且願意回應他人感受的同理心與尊重生命的與眾不同。
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於是,在這一處安心之所,我看見,一個自信又溫暖的群體展現出生命最純粹的美和撼動靈魂的力量。十個身體、十種文化、十個靈魂,在沒有語言只有呼吸的現場,自由、開放的探索無邊無際的界線,無所畏懼的打開自己的身體,謙卑的用心傾聽彼此的生命故事,相互學習、共同成長,珍視彼此的身體文化的不同。
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在人生道路上,Performing Gender 用生命辯證身體創作的可能。
\n\nAuthor|Gwen Hsin-Yi Chang
\n\nRecollections of the body movement series part II:
\n\nDuring the Covid-19 outbreak in 2020, the Dance South project initiated by three cities in Taiwan and Spain made a change of plans by turning to the Internet, where it conducted online exchanges on dance choreography creation and adopted a new model of learning to deepen the connection between artists and institutions from different countries.
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In the post-pandemic world, the efforts of countries around the globe in implementing vaccination plans and adjusting pandemic measures in real time effectively prevented the pandemic from spreading, and alongside the effects of pandemic prevention and vaccination, helped to get people's lives back on track. Under this new protective umbrella, Dance South was finally free from border restrictions, and in December 2021 Weiwuying and Chiayi Performing Arts Center together invited dance artist LIN Yen-Ching, a near 20-year resident of the UK, to fly out to Madrid from London to serve as the instructor of the 16-day "body tour" beginning on November 28th.
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Understanding, believing, accepting, and acknowledging the uniqueness of body culture
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Yen-Ching's body tour in Madrid started with a 5-day body seminar and ended with a solo exhibition/performance at the closing ceremony of Certamen Coreográfico de Madrid. Every December, Certamen Coreográfico de Madrid opens with the body seminar and the Writing About Dance Workshop, for which Artistic Director Laura Kumin invites indie artists whose performances/works touch on gender-related issues and topics to participate.
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The theme of the seminar this year was Dancing Queerness, which had Spanish dance artist Javier Vaquero (pronoun: she/her) as its mentor. Every day from 10 am to 3 pm, she would lead brainstorming and sharing sessions on artistic creation along with ten dance artists, including Gal Levinson, Andrea El Ameri, Félix A. Arjona, Sara Coelho, Diego Rosental, Lucía Montes, Mado Dallery, Sergio R. Suárez, M. J. Minguez, and Yen-Chin.
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Through a steady group life that ran uninhibited for 5 hours every day, combined with mentor Javier Vaquero's systematic mentoring, active listening, and self-less sharing of experiences, a comfortable learning environment was naturally created for the participants. The dance artists felt mutual acceptance and understanding and thus were willing to trust and support each other. As they went on to finish assignments, they experienced the changes and new ways of thinking engendered by original, artificial, and heterogeneous bodies, while during the back and forth discussions they were able to overcome the barriers of language and culture and gain a better understanding of the queer cultures that exist under different social structures.
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Throughout the duration of the seminar, from the individual questions and writings and group discussions to the individual and group thematic improvisation projects during the final two days, both mentor and participants learned how to respect the heterogeneity of life through engaging in practices on empathy, needs awareness, and perspective taking in the process of getting to know one another. These dance artists broadened the scope of their works through self and group conversations; they not only became more courageous, but made sure that, as indie artists that perform with their own bodies, their own bodies were the best vehicle for communicating with the public and expressing their ideas and attitudes.
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Empowering communities through altruism and the pursuit of common good
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With Performing Gender - Dancing in Your Shoes as its official name, this gender body seminar targeting creators was first held in 2013. The seminar is held once every three years and is sponsored by Creative Europe, a major cultural project of the EU.
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Under the framework of European dance promotion structures, the project focuses on gender issues, emphasizes audience cultivation and development, and encourages performing artists and dancers to actively converse with local communities. The project has the following four core values: local communities, dance makers, research, and partners.
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Members of the project are from eight different countries, including Hungary, Slovenia, Italy, Spain, France, the Netherlands, Sweden, and the UK, and eleven institutions, including dance festivals, LGBTQI gender equality associations, universities, international organizations, and theater production centers. These partners and local communities believe that through using dance as an innovative communication tool and the means of openness, empathy, and a willingness to understand, an autonomic community can be formed and a consensus can be reached in regards to the designing of courses on creation communication and research empowerment that are suitable for local communities and cross-cultural groups.
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A safe space for performers and creators to freely explore and grow
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One of the facilitators of the above project, the non-government organization Certamen Coreográfico de Madrid (Madrid Choreography Platform) was founded by private dance and cultural education institution Paso a 2 in 1987 for the purpose of cultivating and supporting artists in Spanish-speaking countries/regions and has collaborated with performance/exhibition venues such as Condeduquez Centre of Contemporary Culture and Teatros del CANAL - Centro Coreográfico over the years. The platform's founder and director Laura Kumin was a founding member of Aerowaves, a choreography network for young people in Europe, and was trained as a dancer and teacher in the United States, where she took on the role of curator for dance shows at a local theater and produced contemporary flamenco shows. Laura is actively facilitating and supporting new contemporary dance works in Spain, other Spanish-speaking countries, and other European countries.
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Throughout the past 35 years, through accepting invitations to participate in international panels, giving awards, and holding choreography accompanied workshops and residency programs, the platform has discovered many dance talents, with one of such award winners including Spanish choreographer Marina MASCARELL, a long-time collaborator of Nederlands Dans Theater and Dance Forum Taipei. Under the influence of Laura KUMIN's cross-cultural background and exceptional listening ability, Certamen Coreográfico de Madrid continues to develop the voices of up and coming choreographers, facilitate exchange between artists and local communities (school and community center), and explore the possibilities of directly communicating with the public through dance.
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When speaking of Laura, many participating artists had similar things to say, "In Madrid, wherever there's dance, there's Laura. She'd make every effort to attend even a private presentation in a small rehearsal room to see choreographers/dancers' works or research development. In addition to understanding how they are doing, Laura often offers to help; whenever someone needs a rehearsal space or residency/touring opportunity, she's always open about it and would try to arrange collaborations so that their works could be understood by the public and receive invitations from other dance professionals to give performances."
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My body, my culture
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On the famous Taiwanese working people's exchange platform Cheers, in the articles series Life Lessons, author Askats YANG spoke of American psychologist Daniel GOLEMAN's description in his book Working with Emotional Intelligence that in regard to emotional intelligence, the ability to handle relationships is based on empathy. By starting with being aware of the needs, paying attention to the viewpoints, and assisting in the personal development of others, one is able to more effectively understand the views, acknowledge the emotions, and respond to the feelings of others, all the while developing their own empathy.
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To apply the above to my time in Madrid, this is what I observed at the gender and body seminar this year: the mentor and ten artists that were originally unfamiliar with each other started off by having conversations and group thinkings/discussions. Then were then able to gradually gather a consensus, and in the end present group improvisations, listen to one another, and grant each other the deepest trust of a creator. This process taught them to respect the eccentricities of living beings and also demonstrated the existence of human empathy. Empathy—that which allows people to be aware of others' needs, understand and trust each other, and respond to each other's feelings.
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Therefore, I saw in this safe space how a confident and warm group demonstrated the purest beauty of life and soul-shaking power. In a space without language, where one could hear only the sound of breathing, ten bodies, ten cultures, and ten souls freely and open-mindedly explored the infinite, fearlessly opened their bodies, learned from each other, grew together, and valued the difference of each other's body.
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On the path of life, "performing gender" exemplifies the possibilities of artistic creation through life.
\n\n撰文|張欣怡
\n\n【身體移動系列筆記之一】
\n\n當飛機安全降落後,映入筆者眼簾的是西班牙首都馬德里最繁忙的國際交通樞紐 - 馬德里巴拉哈斯機場的第四航廈,即將跨入2022年的此刻,正是新的變種病毒(Omicron)於部分國家現蹤之際,雖引起各界升級警戒,但未減川流不息的航班起降,而航站內各地出入境的旅客仍是絡繹不絕。旅客們的面部特徵由各形各色的醫療口罩取而代之,現場隨處可見提供旅客免費使用的手部消毒液和乾洗手清潔站。
\n\n2021年12月初冬的馬德里,氣候乾冷,藍天暖陽伴著10度上下的溫度,思緒和五感在迎面而來的冬風吹拂之下變得更加敏銳。自機場航廈搭乘地鐵前往位於市中心的康德杜克當代文化中心(Condeduquez Centre of Contemporary Culture)約50分鐘的交通時間,該文化中心為西班牙馬德里編舞平台(Certamen Coreográfico de Madrid)舉辦多年來主要的展演活動場地。
\n\n康德杜克當代文化中心佔地近6萬平方公尺,為馬德里市政府轄下三個重要的文化機構其中之一,整體建築建於西元18世紀初國王菲利普五世時期,由當時知名的巴洛克風格建築師佩德羅·德·里貝拉(Pedro de Ribera)擔綱設計興建完成,為當時皇家護衛軍之軍營,爾後由馬德里市政府重新規劃成為複合式當代文化中心,包括馬德里當代藝術館、不同大小的多功能展演空間(鏡框式劇場、排練室)、馬德里城市檔案資料館以及5座圖書館等,該建物於1976年正式登錄為世界文化遺產。
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交流和移動的自由
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由衛武營國家藝術文化中心發起的臺灣與西班牙當代舞蹈創意國際交流計畫 -「舞蹈南方」(Dance South),與嘉義縣表演藝術中心、西班牙馬德里編舞平台自2017年開啟三方機構對話,歷經四年期間,每年自嘉義新舞風、臺灣舞蹈平台共同選送臺灣舞蹈創作者及藝評人:2017年為蘇品文、2018年簡晶瀅及林育世、2019年蘇品文《少女須知》及2020年田孝慈(因疫情延至2021/2022)前往西班牙參與性別身體研習營、女性舞蹈書寫工作坊及展演櫥窗系列。
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以推動兩國舞蹈人才共學共創為目標,三方機構於2020年11月第三屆臺灣舞蹈平台(Taiwan Dance Platform)期間,正式宣告「舞蹈南方」三方舞蹈編創人才之合作計畫;今年11月,於嘉義潮間帶舞蹈節期間,完成三方合作備忘錄簽署,積極推動未來兩國之間更密切的舞蹈創作人才交流。
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回顧2020年,當時各國封城且封鎖邊境,舞蹈南方交流計畫於抗疫期間,透過主題策劃線上講座及以「移動自由」(Freedom of Movement)- 超越亞洲與歐洲的舞蹈旅行為題,結合衛武營駐地藝術家周書毅與台灣數位藝術中心(Digital Art Center, Taiwan)於疫情爆發初期所創作的「一分鐘放映舞台」(Weiwuying ONE Minute VR Stage),邀請臺灣與西班牙共35位舞蹈影像創作者進行交流。同時,在臺灣駐西班牙代表處文化組的全力支持下,由西班牙馬德里編舞平台邀請、臺灣舞蹈
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\n平台選薦五支臺灣舞蹈影像,分別為林燕卿《斷》(Fragment)、蘇品文與看嘸舞蹈劇場《STOP》、周書毅與導演周延賢《等待》、導演林婉玉《天井的回憶》以及趙卓琳與田孝慈《灰的漂盪》創作,於馬德里康德杜克當代文化中心現場展出。
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在全球疫情蔓延的兩年後,人類出外旅行和身體的移動成為最奢侈的自由。而國際交流的目的也在此時出入不易、風險倍增又所費不貲的層層限制下,產生了新的提問而必須為其價值重新定錨,並在持續的嘗試中找到永續的方法。在不斷的變動中,場館與國內外合作夥伴透過持續對話,提出回應和具體的行動,如何突破限制和既定俗成的框架,成為當前跨文化合作及人類文明發展必須共同面對的挑戰。
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\n',picture:{key:"b697f071f5e66c3219dde7b8337df4ee",description:""},onShelf:!0,onShelfRange:{start:null,end:null}},english:{title:"Dance South: cross-country dance journey based in the south",introduction:"When landing at the airport, what appeared before my eyes was the busiest international transportation hub in Spain's capital Madrid – the fourth terminal of Madrid-Barajas Airport.",content:'
Author|Gwen Hsin-Yi CHANG
\n\nRecollections of the body movement series part I :
\n\nWhen landing at the airport, what appeared before my eyes was the busiest international transportation hub in Spain's capital Madrid – the fourth terminal of Madrid-Barajas Airport. Though this was at the end of 2021, when Omicron had just emerged in a number of countries, leading to a raising of the global epidemic alert level, flights continued to land and take off from the airport uninterrupted and the terminals were crowded with passengers checking in and out. The facial features of passengers everywhere were substituted with face masks of various shapes and colors, while free disinfectants and hand sanitizers could also be seen everywhere in the airport.
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The weather in Madrid in December 2021 featured a dry and cold climate, blue and sunny skies, and a temperature of around 10-degrees Celsius, while my thoughts and senses became keener as I made contact with the winter breeze. I left the air terminal and boarded the metro for Condeduquez Centre of Contemporary Culture downtown Madrid located 50 minutes away from the terminal. The venue had served as the main site for the events held by Certamen Coreográfico de Madrid throughout the course of many years.
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Occupying close to 60,000 square meters and one of the three important cultural institutions supervised by the City Council of Madrid, Condeduquez Centre of Contemporary Culture was built in the 18th century during Philip V's period and designed by renowned Baroque architect Pedro de Ribera. The Centre originally served as the military camp of the royal guard, but was later renovated into a multi-functional contemporary cultural center by the City Council of Madrid, and consists of Museo de Arte Contemporáneo, multi-functional performance/exhibition venues (proscenium stage and rehearsal rooms), Museum of History of Madrid, and five libraries. In 1976, the Centre was officially included in the World Heritage List.
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The freedom to communicate and move
\n\nDance South, a contemporary dance creative international exchange project of Taiwan and Spain held by National Kaohsiung Center for the Arts (Weiwuying), started a three-way communication with Chiayi Performing Arts Center and Certamen Coreográfico de Madrid in 2017. In the past four years, the project sent choreographers and art critics from Chiayi New Style Choreography and Taiwan Dance Platform every year to participate in gender and body seminars, Female Writing About Dance Workshop, and performance displays in Spain. Past participants include SU Pin-Wen in 2017, CHIEN Ching-Ying and LIN Yu-Shih in 2018, SU Pin-Wen's Girl's Notes in 2019, and TIEN Hsiao-Tzu in 2020 (postponed to 2021/2022 due to Covid-19).
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With a goal to facilitate the exchange and learning between dancers/choreographers between Taiwan and Spain, the three institutions announced Dane South, a project focusing on the collaboration between dancers/choreographers, at the third Taiwan Dance Platform in November 2020. In November 2021, the three institutions signed the collaboration memorandum at the Chiayi Intertidal Dance Festival to actively promote closer collaboration and exchange between choreographers in Taiwan and Spain.
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In 2020, while countries around the world implemented lockdown measures and closed borders, Dance South organized topical online speeches and the "Freedom of Movement – overcoming the boundary between Asia and Europe" event, which incorporated the Weiwuying ONE Minute VR Stage created by artist-in-residence at Weiwuying CHOU Shu-Yi and Digital Art Center during the initial outbreak of Covid-19 in Taiwan and invited 35 choreographers/film makers from Taiwan and Spain to exchange ideas. In the meantime, with full support from Taipei Economic and Cultural Office in Spain, five dance films of Taiwan were selected by Taiwan Dance Platform and invited by Certamen Coreográfico de Madrid to exhibit at Condeduquez Centre of Contemporary Culture: Fragment by LIN Yen-Chin, STOP by SU Pin-Win and Kua Bo Dance Theatre, Awaiting by CHOU Shu-Yi and director Bogi CHOU, Memories of the Tenjo by LIN Wan-Yu, and Drifting Dust by Adrianne CHIU and TIEN Hsiao-Tzu.
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It's been two years into the spread of Covid-19, and travelling and physically moving to other places have become a luxury too costly to afford. Faced with physical restrictions, high risks, and high expenses, we encountered new questions and must therefore redefine the value of international exchange and find a sustainable solution through continuous effort. In this ever-changing environment, how performance/exhibition venues should respond and take actions to break the limits and the norm through continuous communication with foreign and domestic partners is a collective challenge for cross-cultural collaboration and the development of human civilization.
\n\n文|劉純良
\n\n由WOW世界女性藝術節創辦人裘德.凱莉(Jude KELLY)主講的最後一場對談「平權路上缺你不可」,由凱莉於線上主講,由兩位即席口譯配合字幕與手語老師進行翻譯。因為家人疑似感染新冠肺炎,凱莉一開始是坐在車子上開講;這也是全球面臨新冠肺炎的真實,車子都能成為演講的地點。
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凱莉從二十歲開始劇場導演創作,其後成為南岸藝術中心總監,負責制定各種行政政策。事業成功的凱莉,不免也會面臨社會對職業女性的迷思與制約:事業與家庭兼顧。凱莉指出,無論一個國家進步程度為何,此時此刻並無真正性別平等的國家。就算在當代民主國家,社群網站的女性身體意象、 性侵害、家暴、性騷擾依舊無所不在。當然這並非專屬於女性的問題,但在此時此刻,女性在以上議題確實受到更多拘束與傷害。
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在藝術的領域與歷史中,女性若非隱形,便是需要奮力方能證明自己。女性的故事被認為專屬於女性,男性的故事卻往往被認為關乎全人類。凱莉說自己很幸運,她的父親非常愛女兒,也期待她的事業成功。當凱莉開始職業生涯,她曾以為性別平等會在二十年後發生,現在卻覺得或許到她身後也未必有真正的性別平等。正因如此,創辦女性藝術節變得至為重要,畢竟凱莉也仰賴著前人為性別平權鋪路,方能擁有成功的事業。
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由英國開始的女性藝術節,除了藝術節目,也邀請不同領域的女性工作者(例如舉重選手)進行分享。藝術節作為平台,相較於戲劇,可以讓精彩的節目同時發生,從而吸引更多人依據個別興趣前來。縱使是以女性為名的藝術節,凱莉期許不同性別共同參與。女性無需單打獨鬥或者困在二分法中,男性也很重要。在藝術節,多元的活動讓人不僅願意造訪,還能持續「再訪」;藝術節就像是個多元的商店,每個人都能買到喜歡的東西。為此,藝術節需要大量的資金與人力資源。
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女性藝術節最重要的特質是「誠實」與「勇氣」;女性藝術節要能創造讓彼此談論困難議題的空間,那其中或許包含了許多令人感到羞恥的內容,牽涉性別暴力、流產…等。藉由談論這些議題,我們能審視、批評社會,將不同的議題由點連成線、連成面。「想像力」是鬆動性別規範的核心,無論男女,凱莉邀請大家共同想像一個性別平權的世界;在那個世界,男人無需擔憂不能流淚、不必作做家庭經濟的核心,女性無需困於家庭事業兼顧的潛規則。而女性藝術節如何能邀請更多男性參與,以深入了解彼此的故事?凱莉表示,多多開口邀請他們,是開啟溝通的方式。
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在成長階段,有人喜歡凱莉的勇氣,也有人希望她停滯不前,無論是什麼態度,都只會更堅定她的決心。儘管前路依舊崎嶇,遇到平權議題倒退也會深感失望,凱莉並不曾想過放棄。原本只是作為服務當地社區,激發討論與分享故事的女性藝術節,至今已經有十七個國家(巴基斯坦、澳洲、巴西⋯等)創生參與。每個國家、城市都有特殊性,如何確保當地特質與文化得以彰顯?凱莉表示她們總是跟很棒的人一起工作,在合約中也確保要有長期的田野調查與工作坊。
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不同的國家有不同的議題,讓社會各角落的動人故事可以被分享,是凱莉創辦女性藝術節的初衷。對女性藝術節的未來,凱莉期許能夠前往小鎮,去到更多不容易討論困難議題的所在。共同創造得以多元想像、親密分享的平台,這正是藝術節的美好之處。
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閱讀更多:
\n\n【WOW高雄2021世界女性藝術節】對談時光 — 平權路上缺你不可
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1.觀眾問答時,凱莉透露她也舉辦了以男性為名的藝術節。
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\n',picture:{key:"60280cb77af0f64c7bfb3eaa82e9a7c5",description:""},onShelf:!0,onShelfRange:{start:null,end:null}},tags:["5af04bf0beda2e0005bbb3f6"],programs:[],top:!1,createdAt:1640573644,updatedAt:1640575466,updatedBy:"林蔚行"}},{from:"articles",key:"61c07374bf4bbf000b5942ba",title:"I see you: 以眼睛交流的手語藝術諮詢",data:{_id:"61c07374bf4bbf000b5942ba",chinese:{title:"I see you: 以眼睛交流的手語藝術諮詢",introduction:"我曾經到法國巴黎旅行兩次,而在這座城市步行總帶有第一次的新鮮感。",content:'
照片:©林峻永
\n\n文|林瑋萱(聽障藝術家、作家)
\n\n我曾經到法國巴黎旅行兩次,而在這座城市步行總帶有第一次的新鮮感。巴黎對我來說是具有魔法的城市,在任何公共的空間或者走路拐一個彎,街角的一段旋律、歌聲、塗鴉和舞蹈都會讓你駐足停留,並會心一笑。2021年九月有巨大的布包裹著凱旋門,實現著已逝Christo&Jeanne-Claude創作雙人組的作品,引領著我們對空間改造的想像。同時,「衛武營國家藝術文化中心」與「巴黎市立劇院」正同步接力展開藝術諮詢日。
\n\n9月19日是巴黎市立劇院主辦的國際諮詢日,有23種不同的語言包括手語,於巴黎市中心尼爾森曼德拉花園進行大規模的藝術諮詢活動,主辦方也邀請多國藝文相關場館進行同步串聯活動,而衛武營是唯一受邀參加的亞洲夥伴。在活動開始之前,衛武營安排並邀請居住在巴黎的演員/導演楊宜霖學姊,與我們個別一對一線上諮詢的課程,讓我對藝術諮詢日的流程與意義有了更具體的想法。
\n\n在衛武營充滿流動及有機線條的建築空間裡,不規則塊面及大片自然光灑落的玻璃空間裡,有九位藝術家穿上醫生白袍化身為「藝術諮詢師」,分佈在樹冠大廳的露臺、走道邊和櫥窗的空間裡。依著觀眾當下心情或想說的話,由藝術諮詢師為一對一參與的民眾挑選詩、詞,進行現場朗誦、樂曲彈奏及繪畫,甚至即興表演一段戲曲或舞蹈,讓開放式的現場轉化成專屬於個人的小宇宙,更是滋養心靈的一場交流饗宴。
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「你手語的名字是什麼?」
\n\n我有幸受邀參加《衛武營藝術諮詢日》當手語藝術諮詢師,在第一場時有點緊張,想起這活動的重點是要把對方當你的朋友,告訴自己要放輕鬆聊天。手勢尚未在凝結的空氣中揮動時,彼此的眼神就已經先交會了,接著,雙手便很自然地比著手語問候「你手語的名字」,僵硬的身體在比出來的當下時瞬間被帶有人情味的肢體語言融化,就沒有這麼緊張了。就如同國外擁抱的文化,以及親吻臉頰的問候一樣。雖在疫情期間,口罩遮住了我們細微的臉部表情和微笑,但眼神和手語仍溫暖地釋出善意的光芒,創造出讓對方「可以安心地表達的場域」。
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為你,畫一張屬於你的畫
\n\n我所諮商的四位聾人/聽障民眾們,年紀約落在60歲左右,最大的有69歲。其中,有一對夫妻一起參與諮詢,兩人皆有繪畫的背景,他們知道我是繪畫創作者也是作家,一開始就先問我是靠什麼樣的信念去繼續繪畫呢?簡單分享我的創作經驗後,接著,我把繪畫主題的球拋給對方,並邀請對方當我的主角,換我來傾聽他們的聲音。
\n\n參與的民眾分享著在疫情生活下的點滴,有苦有樂,因科技的發達帶來網路的普遍,以及手機視訊的便利,適時地排遣民眾苦悶的心情,所以一切都安好。十分鐘的對話的時間不長,但放鬆的氛圍像是好久不見的老朋友相聚般愉快,之後便邀請對方觀看我為他們「量身訂製」的繪畫。雖說是量身訂製的繪畫,但內容其實是由我和這位民眾的對話/手語共同創作出來的,只是藉由我的手將這幅圖畫展現出來。繪畫裡的點、線、面在對話過程中就已經展開,並連接著對方的談吐、氣息和感受,所傳遞出的力量有強弱、柔軟、剛硬等,皆成繪畫的靈感之處。為著相遇的這刻,開啟一段深刻的談話;也為你,畫一張屬於你的畫。
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祝福的處方簽
\n\n整個諮詢在最後離開時,有一個處方簽要給參與的民眾,如同去醫院或診所看完病要去領藥般,不同的是,這個處方簽是一個「祝福的處方簽」。我會邀請對方,依照我在處方簽寫的內容去做一件事。好比說,有位年紀稍長的民眾給我印象非常深刻,在與她對話中直覺她是個享受睡眠的人,因此我在處方簽上寫:「請在連續三天的任何時刻,把冰塊放在嘴裡含著,靜靜地感受它傳來冰涼的溫度。」對方看完馬上回應說,我有說到他心裡的感受,像是在睡覺時有清涼的微風吹過臉龐,會覺得很舒服。他對我說,雖然我們只是說著簡單的對話,但讓他內心有股湧上來想哭的感覺。這是溫暖的交流嗎?
\n\n在這次的藝術諮詢日中,我作為一名手語藝術諮詢師,在當天活動完之後回到我居住的城市,很神奇地,我也感受到滿滿的能量注入至我的生命裡。我想對當天所有參與的民眾說:當你們正在進行處方簽的時候,希望能夠想起我們的對話,成為彼此生命中最難忘的藝術連接旅程。
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\n\n\n',picture:{key:"5af51678dfc089d5888a14af5e9520f7",description:""},onShelf:!0,onShelfRange:{start:null,end:null}},english:{title:"I see you: Sign Language Art Consultation that Communicates with the Eyes",introduction:"I have visited Paris twice in the past. Walking in the city always brings new experiences, as if seeing it with fresh eyes. ",content:'Photo ©林峻永
\n\nWritten by LIN Wei-hsuan, hearing-impaired artist and writer
\n\nI have visited Paris twice in the past. Walking in the city always brings new experiences, as if seeing it with fresh eyes. For me, Paris is a magical city; enter any public space or take a turn during your walk, and you will be stopped in your tracks by music, singing, street art, or dance, bringing a smile to your face. In September 2021, our imaginations towards space were inspired by the large L'Arc de Triomphe, Wrapped, created by the late art duo Christo&Jeanne-Claude; also arranged in the same month, Weiwuying (National Kaohsiung Center for the Arts) collaborated with Théâtre de la Ville de Paris to present Art Consultation Day.
\n\nThe International Day of Consultations of France is on September 19, which was presented in 23 languages, including sign language. The large-scale event was organized at Jardin Nelson Mandela at the center of Paris. The organizer invited many art venues around the world to participate in the event, with Weiwuying being the only participating venue based in Asia. Before the event, Weiwuying asked Paris-based actress and director YANG Yi-lin to hold a one-on-one online consultation course with us, which gave me a more concrete grasp on the procedure and objective of art consultation day.
\n\nWithin Weiwuying's dynamic architectural setting and space illuminated by natural light falling through the irregular-shaped glass, nine artists wearing white robes and stationed in the terrace, corridor, and cased spaces of The Crown Hall were transformed into "art consultants."The art consultants selected works of poetry for each individual; the works were customized to the audience's mood or messages they wanted to convey, and were performed through reciting, musical instrument, painting, or even impromptu opera or dance, transforming the event into a bespoke universe for each individual and a nourishing feast for the mind.
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"What's Your Name in Sign Language?"
\n\nI am honored to have been invited to participate as a sign language consultant at Weiwuying Art Consultation Day. I was a bit nervous during the first session, but I remembered that the aim of this event was to view the other person as my friend, and I told myself to relax and engage in casual conversation. Before the hands started moving in the air, our eyes already met, and then the hands organically signaled greetings that enquired the other's name in sign language. The originally stiff, uneasy body is suddenly relaxed by warm body languages, and I was no longer nervous; it's like hugging in foreign cultures, and greeting others by kissing on the cheeks. Although the nuances of our facial expressions and our smiles are hidden behind face masks because of the pandemic, our eyes and sign language still convey friendliness and warmth, creating "a safe space to talk freely."
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A Painting Just for You
\n\nThe four consultees with hearing impairments that I conversed with were around 60 years old; the most senior one was 69. Among these four individuals were a couple who could both paint. They knew that I am a painter and writer and first asked what kind of mentality sustained my painting career? After briefly sharing my creative experience, I handed the theme of painting back to them and asked them to be my subjects: it was my turn to listen to them.
\n\nThe participants shared what their lives were like during the pandemic. There were moments of pain and moments of happiness. The advancement of technology, connectivity of the internet, as well as the convenience of video calls more or less alleviated the misery during the pandemic. A ten-minute conversation might not be a long time, but the lighthearted atmosphere allowed the experience to resemble a reunion between old friends. Afterward, I invited them to enjoy the paintings that I customized for them. Although I say the paintings are "customized,"the work is actually a collaboration based on the conversation/sign language between the person and myself; I merely translated it into painting. The painting's points, lines, and planes are inspired by the intensity or softness of the person's expressions, ambiance, and feelings. Extend our encounter into a deep conversation, and let me create a painting just for you.
\n\nThe Prescription Slip of Blessings
\n\nAt the end of art consultation day, I prepared a prescription slip for participants. The prescription slip is like the note that people receive after a doctor's appointment, but this is "a prescription slip of blessings."I invited the participants to engage in an activity that I wrote in the slip. For instance, an elderly participant left a deep impression. After our conversation, I had the feeling that she is someone who enjoys slumber. And so, in the prescription slip, I wrote: "Put an ice cube in your mouth and feel its coolness. Do this at any time of day for three consecutive days."After reading this, she immediately said that I articulated how she felt, just like a cool, comforting breeze stroking the cheeks during sleep. She said to me, although we only engaged in ordinary conversation, she felt like she was about to cry. Perhaps this counts as heart-warming interaction?
\n\nAfter the event ended, I returned to the city that I lived in. As a sign language art consultant for the event, I, too, felt a miraculous sense of refreshment and encouragement. I would like to say to everyone who participated that day: I hope you will remember our conversation when you are following the prescriptions, and allow the experience of connectivity through art to become an unforgettable experience in your life and mine.
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Learn More:
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Théâtre de la Ville de Paris x Weiwuying Les Consultations poétiques et dansées
\n\n\n',picture:{key:"adebed81026379e3937e78185a54de9b",description:""},onShelf:!0,onShelfRange:{start:null,end:null}},tags:["5b10e3c9f295ec000672a6d4"],programs:[],top:!1,createdAt:1640002420,updatedAt:1653044950,updatedBy:"通泰系統管理員"}},{from:"articles",key:"60d2b186de66e700072de180",title:"為什麼我們需要女性藝術節",data:{_id:"60d2b186de66e700072de180",chinese:{title:"為什麼我們需要女性藝術節",introduction:"雖然世界上有50%的女性和50%的男性,但是,我們的社會,卻以男性作為人類的範本。一提到「人類」,往往自動預設是男性,唯有指明「女人」,腦中才會想到「喔,她在講女性」,明明女人和男人都是人類,不是嗎。",content:'
文|魏琬容 OISTAT國際劇場組織執行長
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有一隻年老的金魚,遇上了一隻年輕的金魚。
\n\n老金魚開口問「你好啊,今天的水游起來如何?」
\n\n年輕金魚說:「水?水是什麼?」
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我很愛這個故事,它精準捕捉了女性所面對的困境,雖然這故事的本意跟女性主義不見得有關聯。
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對於人類而言,我們的「水」是什麼呢?
\n\n水是我們每一天睜開眼睛,所碰到的一切:書、電影、文學、戲劇、法律、制度、飯桌上的談話、手機的尺寸....... 所有圍繞在我們身邊的一切。
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雖然世界上有50%的女性和50%的男性,但是,我們的社會,卻以男性作為人類的範本。一提到「人類」,往往自動預設是男性,唯有指明「女人」,腦中才會想到「喔,她在講女性」,明明女人和男人都是人類,不是嗎。
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男性是社會預設值,就像電腦預設字型是新細明體。
\n\n把男性當作人類的預設值,是一個歷史久遠的思考偏誤,這樣的思考偏誤,滲透到每一個面向,從車子到手機,眾多設計只考量男性的尺寸,就連看似中立的醫學也逃不過,某支新冠肺炎疫苗,受試者竟然八成是男性。(女性也會感染新冠肺炎啊)
\n\n人們所讀的所聽的內容,只有極少數是女性創作的。電影中,男性露臉的機會高於女性,男性角色的對白也遠遠超過女性。如果有女性角色,他們多半被描繪成被動、順從、環繞男性的存在。女性是服務者,男性是掌權者,男性的視角掌握了大多數的內容,然後這些內容再回過頭來,強化人們心中對於性別的錯誤期待。
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換言之,雖然女性人口占了總人口的一半,但我們所建構的社會,並非忠實反映「自然性別比」,而是一個嚴重失衡的曲解版世界。女性被認為是「小眾」、「少數」,儘管統計上並不如此。
\n\n任何一個制度設計如果排除了地表一半的人口,我們都不可能讓它通過,但是,如果被排除的是女性,人們就覺得沒關係。
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這就是我們的「水」,並不中立,也不透明。如果沒有覺察到我們的社會是建構在某種偏誤之上,那我們就會是那隻年輕金魚:一輩子都活在水裡,卻從來沒有見過水。
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身為女性,活在一個以男性為預設值的社會,像是穿了一件太小的衣服,並不是從小到大都穿同一件衣服,而是隨著身體成長,每一次換到的衣服鞋子總是小一號,然後,被迫穿著這小一號的鞋子去賽跑、去競爭。
\n\n穿著小一號的鞋子賽跑,並不是最難的。最難的是「穿著衣服改衣服,試圖把衣服改成合適尺寸」,從出生起,每個人的思考行為都受到社會影響,我們無法像做實驗一樣,按個鈕先清除所有的偏見,再來重新塑造一個新可能。我們無法離群索居去打造一個中立社會,也不需如此,而我們可以透過思辨,去梳理社會的缺口、我們可以透過討論,去想像社會可能的樣貌。
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這就是我們為何需要女性藝術節。
\n\n女性藝術節提供一個自在空間,讓我們去剖析女性所面對的障礙,深入看看究竟是何種阻礙,讓女性無法百分百的發揮潛能。
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是職場把男性設為主體,制定了對女性不利的規則?
\n\n是家庭丟了太多無薪照顧責任在女性身上?
\n\n是學校灌輸了不合時宜性別的期待?
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女性藝術節是不是排擠男性呢?不是的,長頸鹿藝術節(如果真的有這個藝術節的話)是給關心長頸鹿處境的生物,而不是只有長頸鹿才能參加。
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所以,故事開頭那兩隻金魚,在你腦中雌性、還是雄性呢?
\n\n如果你腦海中的金魚是雄性,沒關係,你不孤單,百分九十的人都是如此,連我也不例外。我讀到這個金魚故事時,腦中浮現的聲音是男性聲音,老金魚是摩根費里曼,年輕金魚是賽斯羅根,明明我知道那麼多優秀的演員,但直覺仍然跳出男性聲音,你看,社會灌輸的思考偏誤威力有多大。
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也許有些人會質疑「憑什麼沒有男性藝術節」,我的回答是,我也非常希望那一天來到,那表示女性聲音不再被視為少數、小眾。於是,男性與女性的的困境需要花同等篇幅來討論。如果真有那一天,應該是孩子讀到「人類」二字,也會想到女性,而不是只有理所當然的只想到男性。
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但我們還沒走到那裡。
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我們應該要停止假裝這社會已經很平等,好好認識我們所處的「水」,而女性藝術節,是一個很好的開始。
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\n\n\n\n\n',picture:{key:"8bd3e29e306e45a0a4f6d43905a7d81f",description:""},onShelf:!0,onShelfRange:{start:null,end:null}},english:{title:"Why We Need the Women of the World Festival",introduction:" ",content:'
PHOTO: ©WOW Bradford in the UK (Karol Wyszynski/The WOW Foundation)
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Written by WEI Wan-jung Executive Director of OISTAT
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An old goldfish came across a young one and said,
\n\n“Hello! How's the water today?”
\n\nThe young one replied, "Water? What's that?
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Even though the story was not really meant to be a comment on feminism, I love it because it hits the nail on the head in portraying the difficulties faced by women. What is the "water" for humans? It's everything we see each day, everything in our lives: the size of your smartphone, conversation at the dinner table, books, films, literature, theater, law, systems, etc. Though the global population is 50% female and 50% male, society holds the male as the representative of what a human is. Whenever someone mentions the word "human," the listener usually automatically thinks of men. The brain only realizes, "Oh, this person is talking about women," if such words as "women" are explicitly stated. But that's weird, because women and men are both human, right?
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Men are the "default" of society, just like your computer's default font might be Times New Roman. Holding men as the default of society is a cognitive bias that has endured for ages and has penetrated every aspect of our lives. From cars to phones, the grand majority of product designs only take the size of the male body into consideration. Even medicine, which one would think to be neutral, is no exception: 80% of trial subjects for one of the Covid vaccines were male! (Didn't the developers know that women get Covid too?)
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Of everything that people hear and read, only a small number come from women. In film, the amount of screen time and number of lines a male actor gets are far greater than those of his female counterpart. Moreover, female characters are usually portrayed as passive and obedient, and their lives usually revolve around those of the male characters. Women serve and men hold authority. Most of the content is delivered from the male perspective, reinforcing people's erroneous gender-based expectations. In other words, even though women account for half of the population, the society we have established does not faithfully reflect the natural sex ratio. Instead, the world has been twisted into a serious imbalance. Women are viewed as a minority even though statistics prove otherwise. If you disregarded half the people on the earth in the design of any system, it would by no means be approved—that is, unless those being disregarded were women, in which case people wouldn't really care. This is our "water," neither neutral nor transparent. If we can't see that our society is founded on a certain bias, then we are just like that young goldfish: Despite living in water our whole lives, we will have never seen it.
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Being a woman in a society with men as the default is like wearing clothes that are too small. You can't wear the same size your whole life; you have to get bigger clothes as you grow. But every time I get a new outfit and shoes, they're always a size too small, yet I'm forced to wear them. I'm forced to run races while wearing shoes that are too small. But racing in shoes that are too small is not the hardest thing. The hardest thing is trying to alter my clothes so they'll be the right size while wearing them. From birth, everyone's thoughts and behaviors are influenced by society. You can't just press a button and make all the bias go away to start over and create new possibilities. We can't leave this society to create a new, equal one. Nor do we need to. Through critically thinking, we can figure out where the breaches are in society, and through discussion, we can imagine what society can be like.
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This is why we need the Women of the World Festival.
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It provides a space where we can analyze the obstacles faced by women and look deep inside to find out just what is keeping women from reaching their full potential. Is it that the workplace default is men and thus sets rules that are unfavorable to women? Is it that too much of the responsibility of unpaid care work at home is placed on women's shoulders? Is it that schools are instilling inappropriate expectations for gender roles? Does the Women of the World Festival exclude men? No. The Giraffes of the World Festival (if such an event existed) would not only be for Giraffes to participate in—it would be open to any animal that cared about the plight of giraffes.
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How about those goldfish I mentioned, did you think of them as female or male? If you thought of them as male, that's fine, you're not the only one. You're with 90% of people who hear the story—even me. When I first read it, I imagined their voices were male voices, the old one sounding like Morgan Freeman and the young one like Seth Rogen. I know of so many great performers, but I unconsciously chose male voices. This shows just how strongly society has instilled a cognitive bias in me.
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Some people might think, "So why isn't there a Men of the World Festival?” My answer is that I really look forward to that day, because it would mean that women's voices would no longer be viewed as the minority. The plight of men would have to be discussed just as much as that of women. If such a day really comes, it means that when kids read the word "human," they will think of women just as readily as men instead of only thinking of the latter. But we’re not there yet. We should really stop pretending there's equality in society and need to truly get to know our "water." The Women of the World Festival is a good springboard for that.
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受疫情影響,今年許多跨國活動都宣告暫延或改採線上方式進行;在臺灣的FACP亞洲文化推展聯盟年會,雖也配合調整,但幸運的是,完善的防疫措施下,在臺灣的會員及關心表演藝術的朋友,仍可親臨會場與世界各地的與談人一同探討『疫情緊張!藝術怎麼辦?』
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觀眾&科技 多變的藝術參與
\n\n今年由「公民論壇」揭開論壇的序幕,四位和衛武營有某些連結的公民,分享踏上衛武營舞台的經驗及與衛武營息息相關的日常。公民包括:身分是學校音樂老師而來參與《武營歐普拉》的素人歌手、參加讀劇活動的高中生、喜愛表演的聾人朋友、以及每天接觸最多觀眾的警衛大哥。這四位『半素人』,代表著衛武營與眾人的連結,不再只是「表演者」與「觀眾」的二分法,透過新的表演內容,衛武營提供了更多的參與方式,並創造了與舞台的各種距離。
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數位典藏 有趣的藝術教育
\n\n科技與藝術的結合,不僅僅提供了表演方式與內容的新可能,同時也為正規教育內的藝術學分注入養分。素人歌手鍾梓瑄老師分享,除了實際踏入表演廳,讓學生感受到課本上的音符跳動的魅力外,教學中導入各表演藝術中心的線上教材,等同用『趣味性』敲門,讓藝術的種子有了發芽的機會。
\n\n衛武營國家藝術文化中心藝術總監簡文彬的對談中也補充,今年與學校的合作專案很豐富,不管是讀劇課程、劇場禮儀講座,都受到各級學校的歡迎,甚至激發出超乎預期的學生回饋,也承諾這樣的互動將持續在衛武營發生。
\n\n數位典藏早在疫情爆發前就早早展開的故宮博物院,文創行銷處林國平處長提出,雖然今年博物館的到訪人數減少了八成,但他們同時也發現線上平台的點閱數呈現6到8倍的驚人成長,是文物與潛在觀光客持續接觸的方式。
\n\n創意激發 卻不可取代的藝術體驗
\n\n在觀眾無法進場的情況下,表演藝術紛紛走向線上,但這樣的趨勢是否會造成觀眾不再回歸現場?從幾位與談者的解答中,可以發現「疫情緊張!但藝術沒那麼緊張。」
\n\nFACP主席祖・席德克在專題演講中,回顧人類歷史上碰到的疾病大流行,每一次浩劫中,表演藝術都能找到新的方式,展現聚集的能量。如同今年的疫情影響下,反而激發了表演者無限的創意。此外,數位藝術基金會董事長黃文浩提出,「表演藝術在虛擬世界的可能性,是從思考方式開始改變的。」臺北藝術大學王連晟講師也強調,加入直播等數位科技,絕對不是表演的再現,而是創作能量相同的另一種詮釋,提供觀眾新的想像。
\n\n第二天的對談主持人耿一偉顧問則認為,數位化讓觀眾的選擇變多了,但這些選擇並非相互排斥的,且現場的演出仍是獨一無二的體驗。就像網路發明後,並沒有讓人們選擇待在家裡,而因為對世界多了想像,更樂於出國親身體驗。既然現場演出與數位作品是各自獨立的表演經驗,數位科技的加入當然不會影響觀眾進場的意願。
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沈澱、起步 藝術的在地省思
\n\n除了數位化,表演藝術在疫情期間的另一大趨勢,就是在地化。因為有了線上接觸國外觀眾的機會,作為表演者要端出什麼內容,成了另一項課題。菲律賓文化中心副主席克里斯・米拉朵表示,這次的疫情雖然嚴重影響當地文化產業發展,但他相信這也是一個重新商榷、思考的機會。
\n\n文化內容策進院丁曉菁董事長叩問,因為疫情,臺灣品牌受到全世界前所未有的關注時,我們最基本的挑戰,就是能做什麼樣的轉型與發展?臺灣在地故事的製作,讓臺灣人說臺灣人的故事;參考韓國大邱模式,以高雄作為音樂劇的發展基地,都會是我們加深文化厚度,躍上國際的有力支撐。
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結語
\n\n在2020年線上線下同時進行的國際論壇中,可以發現科技不僅能克服距離的障礙,更為表演藝術注入創新的力量。數位化不僅提供了跨越時空傳播的可能,更激發了全新的表演內容。『越在地,越國際』談的不只是內容的在地元素,也強調表演型態的改變,拉近了與眾人的距離。
\n\n《疫情緊張!藝術怎麼辦?》觀察兩天的專題演講與對談分享,在現階段表演藝術形態的轉變中,是越來越往『眾人的藝術』這個方向邁進。
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照片:2020 EUREKA!2.0 創意實驗自造所
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本文撰稿|黃鼎云 2018-2020 EUREKA!計畫參與者、明日和合製作所共同創作
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新的空間中未知探索
\n\n第一次走進衛武營場館是在2018年的5月,第一屆「Eureka!發現計畫」,當時的衛武營尚未開館,空蕩蕩的場館中許多玻璃帷幕的保護膜未撕,耐心地等待驗收啟用。當時許多空間尚未被定義確切用途,靜默地等待進一步開發。還記得基於公安考量,當時許多地方仍需要配戴安全帽進出。一戴上安全帽,我們彷彿是打拼已久,見證著自己滿心期待的預售屋慢慢建起,總忍不住天馬行空地羅織著自己未來的家一般興奮。所有的空間都充滿了潛力,無論是既有的劇場空間、畸零的、開闊的、空間與空間之間的空間們都等待著被指認、被活化。這一切是如此陌生又令人興喜。在接近一週的時間內,我們密集地嘗試著對於「未來的衛武營」的可能性。那時的它還沒「出生」,我們急切地命名並對它充滿了期待。
\n\n照片:2018 EUREKA!工作坊,參與者在空曠的樹冠大廳探索空間與可能性。
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在第一屆的「Eureka!發現計畫」中絕大部分的組成是臺灣的表演藝術創作者,相當一部分來自臺北,而也有一部分來自高雄在地的創作者,少部分由PQ 布拉格劇場設計四年展的夥伴單位引薦來的藝術家。然而和諧的時光總是短暫,事實上在場館導覽後沒多久,藝術家們仍是管不住自己的嘴,話題倏地來到批判性思考上,例如:「這場館實在太大了!不符合真實需求」、「這場館對高雄來說是龐然巨物的異質存在吧」、「高雄哪裡有這麼多觀眾?」等等。
\n\n照片:2018 EUREKA!工作坊,參與者戴著安全帽在未開館的衛武營各處探索。
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這孩子還沒真的降生,不僅有期待也有著更多批評與責難,我們此起彼落地應和,對這20年前的文化決策,對這20年前的文化想像充滿困惑。世界表演藝術環境與臺灣的表演藝術體質皆有所改變,對都市規劃、文化設施、劇場建築的想像也有所改變,創作者與觀眾對表演藝術想像也有所轉變。這樣巨大的場館究竟能夠乘載、運作多少我們對表演藝術的未來期待,我們都不可知。事實上,那也不可能是當下能解決的事情,無論我們如何激辯,這花費百億的經費興建而成的場館已經接近落成,一棟建築物穿越數代人的生活,從20年前的藍圖到今日的實體,它不偏不倚地座落於此,我們如何使用它、想像它並賦予它可能的意義,不正是接下來藝術家們的任務?
\n\n帶著這一連串的疑問、困惑卻同時深悉得面對的心情,在第一屆的「EUREKA!發現計畫」中成了最核心的討論焦點,也是普遍參與者有的心情。事實上,藝術家們有機會在場館尚未開放時,透過交流平台與場館深刻地討論,不僅僅只是討論作品的發展也討論場館的未來,是一個很特殊的經驗。我們既不是單純來學習參與工作坊,也不是單純被委託創作來討論實際規劃。這樣身份的混合與切換,讓藝術家能在硬體完全整備好前便投射自己的需求與想像,無論是批評是祝福,也變向地參與了衛武營的誕生。藝術家能夠參與場館運作機制多少,而場館又能聽見藝術家創作需求多少,過程中我們不斷地練習著。
\n\n當年秋天,諾大的場館終於開門見客了,縱使偶有機會能特地南下看演出,次數也是屈指可數。一年半後,2020年「EUREKA! 2.0發現衛武營」在艱困疫情下仍設法舉辦,遺憾國際夥伴們無法參與。今年的組成成員有一半第一屆的參與者,另一半為新邀請的參與者,雖仍有相當數量的臺北表演藝術工作者加入,但也增加了高雄在地與花東創作者的人次。從參與組成成員也能嗅聞到政策與資源調度下的歷史結果,表演藝術長期以來以臺北發展為中心,因為資源與機會,使許多人傾向待在臺北發展,政策發展上長期的不均衡的發展並無立竿見影之策,只能多管齊下慢慢培養,但明確感覺到這台巨大的機器已經悄悄開始動作,試著花更多的比例與精力去厚實南臺灣的表演藝術網絡。
\n\n照片:2020 EUREKA! 2.0創意實驗自造所在展覽廳交流。
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記憶從產生關係開始
\n由於這次我們不僅參加工作坊,也帶來去年(2019年)由衛武營製作在PQ的作品《抬轎 Lift Me Up》,兩週時間同時處理作品展演又參與工作坊,可說是相當疲累且充實。每每在經過衛武營的「時光迴廊」時,總忍不住想多看一眼。然而,我卻未曾真正駐足看看這些過去的歷史,我們總忙著當下的工作,匆匆而過。有限的時間並不允許我們停留,我們只能看著當下,而那些記憶似乎與我有關,卻仍未進駐身體裡。
這次工作坊的設計中,安排了四位各有所長的實踐者作為嚮導,主題也聚焦在「公共空間」上。由嚮導凌天所帶領的工作坊裡,帶領我們透過集體影像創作與回應去思考衛武營。練習甫進行沒多久,王菲的《開到荼蘼》就不斷迴盪在腦海,工作坊裡的多數學員應不曾見過,也未忘卻影像,只是不小心錯置了而已。然而記憶從來不曾真切無誤,它總是在每一次被回憶起時,無意識地被竄改了一些,對那音樂與當時的記憶多數屬於4:3映像管色溫(這想當然爾也是被虛構的)而我與衛武營的記憶仍脆弱,需悉心培養。
\n\n這回,我們有機會到鄰近的鳳山區走走繞繞,行經黃埔新村與鳳山無線電信所,透過實地走訪,慢慢地將這相鄰地理整合起來。衛武營看似從天而降,過去縱使有機會造訪也常常是點對點的移動。參觀過程中,它與鄰近周遭漸漸相連,逐漸變形成具有時空向度的有機體。這層體驗在嚮導周伶芝與貢幼穎的工作坊中延伸出了另一視野,她們帶領我們重新思考記憶與歷史所構成多樣時間與複合地理,立基在鳳山走訪與衛武營探索的實際觀察,進而創造出不同觀點的「想像地圖」,也觸發進一步思考在地與藝術生產間連結的契機。
\n\n嚮導陳彥斌則透過自身的部落經驗,帶領我們將衛武營空間重新透過原住民的領地概念重新想像。我們如何與一空間產生關聯,正是透過一次次的交往互動而生,我們如何與一地方創造情感,也正是透過一次次的想像的挪移與認同的再造。當然,它不是一週的工作坊就能完成的任務,四位嚮導展現了不同取逕,遂這些點點滴滴地在記憶中慢慢歸檔、停泊,在生活中的某些片刻再次憶起。兩年後再次參加「EUREKA! 2.0發現衛武營」,衛武營開始有了人味,它不再是那個等待被指認的繁複幾何形構。大大小小的空間(被規劃的、過渡的、閒置的、中介的)都漸漸地被指認出它的功能與意義並摩擦出使用的軌跡與慣習,使用衛武營公共空間民眾,並不一定是為了藝術而來,可能是來休憩、K書也可能是來運動,然而他們也正創造著與此的特殊記憶。
\n\n照片:2020 EUREKA! 2.0創意實驗自造所在樹冠大廳進行空間實驗。
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再思考公共性
\n\n這廣大的空間要如何涵括大部分人對藝術的想像呢?藝術的公共性格在衛武營又能創造出怎樣的風景呢?所謂民眾的劇場又是什麼意思呢?成了那兩週我不斷在思考的問題。在榕樹廣場賣命抬轎的我擦身而過沿著完美建物弧線席地躺下的民眾們,他們忽略我們賣力演出的汗水與假鬼假怪的藝術體驗邀請,正在享受著他們創造出來符合人體工學的暫時躺椅與假日的閒適。他們慵懶地望著神蹟發生時,我突然感覺到這正是他們對公共空間所生產的創造性奇蹟,或許根本無需說文解字,他們即使不到劇院裡看表演,他們也正在用自己的方法,與這空間交往、共享著經驗,而一切正因為這一來一往的慢慢累積而顯得豐富、難忘。當我再次想起時,那些曾經經歷的,在「我們」的衛武營。
\n\n照片:2018年至2020年衛武營持續與EUREKA創作者合作。2020年5月演出榕樹廣場和樹冠大廳連線同步演出的作品《抬轎》。
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文|劉純良
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2019年12月15日,衛武營國家藝文中心以「平權」為題,進行了東西方的精彩交會,不只討論平權,更進一步賦權。
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在舞蹈中倡議的「舞動人生」
\n\n義大利巴薩諾德爾格拉帕當代藝術中心舞蹈總監羅貝爾托・卡薩洛多(Roberto CASAROTTO)分享「舞動人生」 (Dance Well)計畫,他定義自己為倡議者。他對現場環境、人員的組成與歧異相當敏感;一開場便為自己不說中文道歉,並感謝現場的手語翻譯員。
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他介紹自己的舞蹈節Operaestate Festival Veneto,十三年前才開始介紹當代舞蹈,從觀察在地舞蹈網絡開始,當舞團因相互競爭而難以成為社群,舞蹈教師和學生更能形成網絡。藝術節識別沒有資源的地點,向歐盟找資源,他強調歐盟幫助加速當代舞蹈的擴展、發展創意,透過國際合作創造知識。
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非法難民、移民衝擊、反移民的民粹主義,是當今歐洲核心,當國界瓦解、高牆倒下,規劃節目時更要找到藝術的動力。藝術節與藝術中心的職員知道他們身在公共機構,有公民行動的意識與責任。他們努力推動公務體系的人也有責任心,結合市民,舞蹈能改變社會與人的意識。
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沒有截止日期的「舞動人生」舞蹈計畫
\n\n2013年開始的「舞動人生」是以帕金森患者為核心的免費公民計畫,也開放給難民。透過委託當代舞蹈家,連結市民、舞蹈、藝術節,提供不同背景的人對話機會。帕金森患者、有特殊需求的市民在博物館內跳舞,造就藝術翻轉,挑戰我們對當代舞蹈的思維。
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他強調「舞動人生」沒有保存期限,「我們不能介紹這麼有力量的東西時有期限」,創造策略使計劃得以繼續至關重要。計畫幫助科學社群,尤其腦神經科學,他們甚至遇到參與者帶著處方籤來跳舞。過去幾年醫界很有動力跟藝術合作,也有經濟學家研究當代舞蹈家的軟技術,理解藝術家如何管理時間與發揮創造力。
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限制就是機會
\n\n卡薩洛多強調「限制就是機會」,這改變了舞蹈的原有哲學。就像他們所在的小鎮多為古蹟,無法有新建築,就佔領市政府不用的地方;學習使用有限制的場所,在城市產生流動。在平常不能跳舞的博物館跳舞,市民會覺得自己也是這個空間的主人。
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長時間與市民、藝術家培養關係並非易事,尤其許多補助著重短期框架。「舞動人生」創造了社群感;青少年與老年人交流,從未撫觸或被撫觸的人,計畫中彼此碰觸;將難民視為敵人的人,或許可以成為朋友;非法難民有更多機會在公共場合表演,慢慢卸下難民標籤,被視為藝術家。
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公民層次的舞蹈倡議
\n\n卡薩洛多更著重於公民而非觀眾層次,他強調舞蹈能帶來包容;他們在藝術節或表演中力求多元,確保邀請有色人種*、亞洲藝術家。這種努力在當地不一定受歡迎,藝術中心所在小鎮的市長現在是極右派,不管什麼事,只要有不同種族背景,倡議就會自動政治化。
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卡薩洛多邀請現場與會者雙人一組討論何謂社群,一時間討論欲罷不能。卡薩洛多強調舞蹈社群是資源,能發出新的提問,探索新的經驗與實踐、創造脈絡。當開始創新,人群聚探索新的公共性,就能為「美」帶來新的定義,改變藝術節的節目策劃。社群值得細心呵護,機構有責任連結眾人,這是共同的文化資本;藝術家分享他們的藝術,而不只是娛樂;市民有舞蹈的熱情、談論舞蹈的工具,與藝術家對談,會提出獨特的回饋。
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圖2 卡薩洛多邀請現場與會者雙人一組討論「何謂社群?」
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藝術中心/節的同儕認為「舞動人生」與相關公民活動,是倡議與行動的關鍵。「創作實踐與人連結的方式,影響了藝術形式本身」,組織創造民主化的藝術參與,過程中難免遇到波動、操縱與威脅,如何讓各方(包括政客)對話是關鍵。創造新的語言,讓這些實踐靈動可分享,是重要的練習。
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用身體表達愛
\n\n現場醫療工作者分享藝術介入如何幫助病患打開心房。卡薩洛多回應,與自己的身體重新連結,在任何文化都有幫助。例如在日本開課時,工作人員提醒不要介紹觸摸,但卻有一位男性參與者,握著卡薩洛多的手許久。
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圖3 中村胡桃老師在論壇中演示了一堂「舞動人生」工作坊
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人與人如何在舞蹈中連結?與會者透過舞者中村胡桃的帶領親身體驗。工作坊中運用身體部位打招呼、對話,扮演美術館雕像、用身體觀賞,用身體說愛。中村胡桃強調動作「沒有(價值)判斷」。在愛的表達裡,互動的陌生人流下眼淚,人與人的連結與開放感展露無遺。現場唯一的視覺障礙者與卡薩洛多共舞,觸覺豐富了以視覺訊息為主的引導。
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圖4 工作坊邀請參與者運用肢體表達。一位視覺障礙的參與者與卡薩洛多共舞
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放下評判的舞動人生:日本脈絡
\n\n中村胡桃在日本石川縣金澤市推動「舞動人生」,2019年四月正式開課,每月一次、無正式場所;2019年夏天受邀至東京都美術館,參與者包括帕金森症患者、高齡長者、藝術家、小學生、幼稚園生、與身心障礙者。
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中村在2013年參與許多帕金森氏症相關活動,想連結病症跟舞蹈,就不能滿足於現在的舞蹈觀念,她認為「舞動人生」能開發新的舞蹈方法論,患者與家人能藉此與社會連結;開放計劃給非病友參與,對彼此都是學習。「舞動人生」並非復健而是身體表達,是平台而非舞蹈方法。當人在醫院,會意識自己是患者,當在美術館被作品包圍時,能找到存在的自尊。
\n\n中村強調「舞動人生」不批判好壞、不區分對錯。在日本人大多用自己的價值觀批判,如果不做評斷,就能自然對日常的人事物產生興趣。
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不用手機的親子時光
\n\n衛武營學習推廣專員蘇炫綱分享藝術中心的藝文推廣;親子日強制父母拋開手機,由小孩教導父母如何運用感官,加強親子連結。「藝企學-美感教育」邀請當地學生來葡萄園式音樂廳,學習劇場禮儀、廳院特色、節目欣賞。他們開辦劇場藝術體驗教育,本次結合了十六個高中班級,此後也會有十二個小時的深度課程。年齡層上跨足樂齡族群,由藝術家杜思慧帶領,與長青中心、高雄大學合作,創造跨世代的交流。活動眾多,包含了與燦爛時光書店合作「閱讀窩聊聊」,以同志族群為主,現場意外溫馨的「彩虹大舞池」…等。
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以聾人為主體的「大耳朵計劃」
\n\n多項計劃中,「大耳朵計劃」別具意義。聾人翻譯員洪文廣以手語分享,並由聽人翻譯員現場口說翻譯。洪文廣區分「聾翻譯」與「聾導覽」的差異;前者是被動的,有人申請時才協助聾朋友;「聾導覽」為主動的行動,由聾人上台導覽。聾人是使用手語最多的人,手語是聾翻譯的母語,相對於聽人翻譯,聾翻譯的表情更豐富,不會比手語的聾人尤其需要聾翻譯。聾翻譯與聽人翻譯合作,溝通更順暢。
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圖5 聾人翻譯員洪文廣以手語分享參與衛武營「大耳朵計劃」的經驗
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2018年起,衛武營與手語翻譯協會合作為期六個月的導覽訓練,從2019年4月開始每月兩次導覽,有兩位聾導覽,一人拿圖卡,一人翻譯。過程相當辛苦,文字轉化視覺圖案跟艱深字彙需要創造力、資料搜集。導覽人數無法太多,否則會看不到手語。洪文廣最後特別對聾朋友說要努力、相信自己,也對在場的聽人說:「我們都一樣,只是擁有不同的語言」。
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東南亞移民工的藝術實踐與表達
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燦爛時光書店專案企劃人吳庭寬聚焦移民工的藝術表達。臺灣的移工超過70萬,新住民超過20萬,如何與不同文化語言對話?文學是面鏡子,能夠反映世界;移民工文學獎雖非第一個以移民為主的文學獎,卻是規模最大;近年亦開放香港、澳門、馬來西亞移工投稿。移民工文學獎很難進入臺灣文學的敘事,但其實很多人有能力寫出好的、有影響力的作品,例如Etik Purwani的作品Elegi Ambarwati。
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燦爛時光於2015年開始在臺北車站擺行動圖書館,思考移民工議題如何進入公共空間。開始研究了才知道,移工正在創造自己的藝文場景,租借里民中心辦演唱會…等,而我們很容易對這一切一無所知。
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新南向政策後,有許多東南亞的文化節跟文化活動,但活動未必能更了解東南亞移工或新住民。移民工文學獎的特性相對於此,是弱勢自己發聲,用自己的方式展演、書寫。移工的身體不只用來勞動,也用來抵抗與經歷創傷。文學獎是重新定位自己的機會,而燦爛時光也持續尋找著這樣的夥伴關係。
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圖6 燦爛時光書店專案企劃人吳庭寬在對談中分享移工的藝術表達
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賦權是雙向的過程
\n\n觀眾好奇於「舞動人生」是否是種治療,卡薩洛多強調他不視其為治療,而是透過身體連結到集合的/共同的身體*2,歐洲當下需要對其他聲音更有覺察,創造多元賦權。現場觀眾回應「舞動人生」,認為藝術家在這過程中也被賦權了。誠如這位觀眾所言,賦權是雙向的過程,如何突破經費框架,是重要的挑戰。一個下午的分享,是賦權的過程,也是起點。
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圖7 參與國際論壇12月15日場次的講者與參與者一同合照
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※原文說People of colour,這個形容稱不上理想,但是對於白人居多的義大利,這可能也是卡薩洛多暫時能找到的較好區隔。
\n\n※2他舉例工作坊中成員學習畢娜·鮑許(Pina Bausch)《康乃馨》中的〈四季舞〉,義大利的年輕人不相信患者跳得來,但事實上患者學得很開心,覺得高不可攀的當代舞蹈原來可以很接近。
\n',picture:{key:"86d48b46961d9429b203be4f03f08fdd",description:""},onShelf:!0,onShelfRange:{start:null,end:null}},tags:[],programs:[],top:!1,createdAt:1591203052,updatedAt:1591255722,updatedBy:"朱晏徵"}},{from:"articles",key:"5ed7d10958ad39000609486d",title:"我們與劇院的距離——2019衛武營國際論壇12月14日側記",data:{_id:"5ed7d10958ad39000609486d",chinese:{title:"我們與劇院的距離——2019衛武營國際論壇12月14日側記",introduction:"「左鄰右舍一起來!新時代的觀眾關係」是2019衛武營國際論壇的大標題,而網路文案「邀請厝邊朋友一起張開感官,想像走進劇院的百種理由」,則對這個大標題做了進一步的闡釋。",content:'圖1 衛武營國際論壇以「公民論壇」開場
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文|貢幼穎
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「左鄰右舍一起來!新時代的觀眾關係」是2019衛武營國際論壇的大標題,而網路文案「邀請厝邊朋友一起張開感官,想像走進劇院的百種理由」,則對這個大標題做了進一步的闡釋。 不過12月14日的論壇參與下來,我得到的心得卻正好與論壇標題相反,不是「邀請一起來」、「走進劇院」,而是「走出去」、「交朋友」。以下就講者們分享的數個方向,側記當日論壇內容。
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交朋友——場館成為「眾人的」
\n\n早上由「公民論壇」展開。根據節目部國際事務組組長張欣怡表示,衛武營國家藝術文化中心(以下簡稱「衛武營」)已持續舉辦四屆國際論壇,每一次皆由「公民論壇」開始,邀請的市民代表先發言,引導其他觀眾分享自己的想法。
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一個半小時的公民論壇中,四位市民代表:志工曹汝民先生、台灣大車隊柳殿英組長、前台工讀生吳昀舫小姐、週邊居民李三梅女士,以及之後舉手發言的三四位觀眾,紛紛提到近身觀察或親身參與衛武營活動的美好感受,尤其榕樹廣場已成為最佳親善空間,無論在其中運動嬉戲,或是欣賞露天表演。
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德國柏林喜歌劇院(以下簡稱「喜歌劇院」)的戲劇顧問烏爾利希・廉茲(Ulrich LENZ),則從場館經營方的角度,具體說明喜歌劇院如何執行「眾人的劇院」概念。
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面臨觀眾流失的壓力,喜歌劇院怎麼讓市民覺得「歌劇可親」呢?顧問介紹幾種培養觀眾的方案,包括讓兒童青少年和專業歌劇演員一起製作一齣戲,邀請家人進場觀賞;或是舉行中學學生的輕歌劇比賽等等。
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顧問強調劇院積極地走出以白人為主的中產階級同溫層。以硬體設施來說,每一個觀眾座椅椅背上,安裝了細長的字幕機,所有歌詞都有德文、英文、土耳其文三種字幕可以選擇。如果觀眾不想看字幕,也可以不打開前方的字幕機。廉茲顧問表示,多語的選項向員工及觀眾宣示劇院尊重每個人母語背景的態度。
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圖2 德國柏林喜歌劇院椅背上的字幕機,多語的選項宣示劇院尊重每個人母語背景的態度
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在多元文化的前提下, 喜歌劇院每年製作的親子劇碼,也會取材自中東的著名故事例如《阿里巴巴與四十大盜》,歌劇唱詞有土耳其文和德文兩種,並由土耳其作曲家編曲,加入例如曼達拉的傳統樂器。凡此種種,都反應了土耳其裔移民佔德國總人口百分之二十以上的事實。
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廉茲顧問強調,移民家庭往往沒有進劇院看表演的習慣,因此「別等他們走進來,我們主動出擊」。喜歌劇院花了很多時間,從各種管道進入柏林的土耳其社區,例如運用土耳其社群常聽的廣播節目。或是靈活的「歌劇小巴」(Opera Dolmus)計畫。
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圖3 德國柏林喜歌劇院戲劇顧問烏爾利希・廉茲(Ulrich LENZ)
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Dolmus是土耳其文,意思是「滿載」。在土耳其,這其實是一種招手就可以搭的民間小巴士。喜歌劇院利用土耳其社區熟悉的小巴形式,每次輕裝簡從,載三個樂手和兩個歌手去社區做小型演出。距離親近,所以觀眾易於和表演者互動。
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喜歌劇院以往招收兒童合唱團團員的條件是至少要會一樣樂器,但土耳其裔的家庭往往不像傳統德國家庭會讓小孩學樂器,所以為了不讓移民家庭無形中被拒於門外,喜歌劇院也放棄以往作法。只要孩子愛唱歌、會唱歌,都可以參與合唱團的徵選。
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在規劃這些舉動的過程中,歌劇院的工作人員其實花了更多時間和社區耆老只是喝杯茶聊聊天,讓彼此更認識。廉茲顧問驕傲的說,他們在土耳其社區中形象很好,大家對柏林喜歌劇院這個機構都不陌生。他強調,就算花了很多時間去接觸的族群最終還是對歌劇沒興趣,也沒關係,但是「他們會把我們看成和切身有關係的團體」。
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而以當代馬戲為經營核心的英國倫敦傑克遜巷藝術中心(以下簡稱「傑克遜巷」),藝術總監阿德里安・貝瑞(Adrian BERRY)也提到類似的做法。貝瑞總監表示,他們是全倫敦唯一聖誕節不休息的劇場,每年為兩百名長者和身心障礙者舉辦耶誕夜活動,把獨居老人接到劇場歡聚。總監投影展示的照片,令人想起臺灣的創世或華山基金會每年歲末年終舉辦的寒士尾牙。
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除了一般藝術中心的業務之外,傑克遜巷以「社會馬戲」(social circus)的概念,七年來推展支持邊緣青少年的計畫「JL Circus Haringey」。「社會馬戲」的實踐是讓邊緣青少年在學習馬戲技巧的過程中,掌握身體和情緒,發展自我和人際關係,進一步成為積極的公民。亞洲行之有年的國家是柬埔寨。
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2011年倫敦北部的托特罕(Tottenham)發生震驚全英國的暴亂事件,托特罕就在傑克遜巷附近,當地的住民極大比例是社經地位較低的移民社群。事件落幕後,英國政府意識到長期對這些社區的忽視,各種公私資源紛紛挹注,除興建更多公共建設外,也鼓勵藝文界提出針對該區的對話性、社會性計畫。
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圖4 英國倫敦傑克遜巷藝術中心藝術總監阿德里安・貝瑞(Adrian BERRY)
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傑克遜巷的社會馬戲計畫在這個前提下開始。專業的馬戲工作者深入社區,主動邀請青少年體驗馬戲活動,之後在各社區圖書館成立馬戲小組,持續提供免費的馬戲課程。論壇現場有觀眾詢問:怎麼吸引青少年來參與?貝瑞總監說:「我們前往他們喜歡去的地方,而不是期待他們來。」主動伸出觸角,向對方介紹自己。總監提醒,活動帶領者不要都是白人,讓其他族裔的青少年覺得看到一些可效法的榜樣,而帶領方式也不能把「培養你們的自信」這種有優越感的說法掛在嘴邊。傑克遜巷人員使用的方法無他,就是交朋友,慢慢培養信任、搏感情。長期下來,青少年開始固定參加馬戲課程,家長反映孩子嘗試新事物的信心增加了。而這群年輕人,也成為馬戲藝術的鐵粉。
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場館向眾人行銷節目
\n\n傑克遜巷每年都會進行一個兼具公益和行銷功能的特殊「促銷」活動:挑選兩到三週演出,讓觀眾在網路購票時就決定這張票付零英鎊或十五英鎊。演出時,劇院會在觀眾座椅上放信封,觀眾看完演出後決定是否放多少現金進去,把信封交給工作人員或留座位上。總監表示,的確很多觀眾購票時點選零英鎊,曾有觀眾留下超乎預期的一百五十英鎊,當然也有人甚麼不留。總監表示這個類似「打賞」的活動「是風險,但這是我們該做的。」因為就算票價只有十五英鎊(約臺幣六百元),依然有人負擔不起,或是因為不知道會看到什麼表演而不願意花錢。
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圖5 公民論壇主持人林喚玲
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一早的公民論壇裡,也有觀眾表示他不知道衛武營有什麼表演,因此論壇主持人林喚玲帶大家討論如何向不擅網路的族群做宣傳,也詢問大家認為免費演出會不會養成民眾「看免錢」的心理。現場討論甚為熱烈;台灣大車隊柳殿英組長建議可以做車體廣告,也有觀眾提醒不要忘了團購的力量,家長們很願意投資孩子高品質的藝術教育。不少人提到和學校合作的重要,藉由藝術傳達教科書難以教授的多元文化議題,前台點工昀舫覺得在這樣的前提下,免費的戶外演出仍有其不可或缺性。
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衛武營的戲劇顧問耿一偉接續熱烈的行銷討論,拋出七零年代臺灣電影院的「撿戲尾」作法,作為花式行銷的腦力激盪:在電影快要結束前,開門讓外面的人進來看最後十分鐘。就好像超市的「試吃」活動一樣。喜歌劇院廉茲顧問則說,他們也會邀請特定族群免費觀賞,如果想避免民眾養成「看免錢」的期待,可以考慮每次邀請不同對象。
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場館與眾人一起塑造形象
\n\n從節目的票房行銷,眾人聊到場館的品牌形象。衛武營的簡文彬總監提到衛武營不像德國劇院有專屬的全職劇團和設計,因此無法自己製作節目。另外,北中南三個國家級場館每年也需提供百分之六十至八十不等的時段,釋出給民間外租。因此衛武營的品牌形象,是靠所有外租和自製節目,一起塑造的。簡總監特別提及去年演出的歌劇《憨第德》中的一句話:「讓我們一起來灌溉這個花園」,代表了衛武營在品牌經營上的現況和策略。
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也因此,耿一偉顧問以「高雄」為主題策劃的一系列「高雄雄厲害」節目,對剛開館的衛武營來說,就顯得格外重要。耿顧問透露,策劃初期的概念是讓藝術家在高雄十個行政區駐村,一段時間後,再做創作。雖然之後執行的做法調整,但精神沒變。因此六組節目皆不是邀請既有的作品,而是讓創作團隊與在地對話後,做新的創作,以新鮮的角度展示高雄在地文化。
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簡總監表示,衛武營目前每年十一月舉辦馬戲平台活動,二O一九年四月開辦了當代音樂平台,他期許三至五年後,可以走出一條清楚的路,建立「衛武營出品」的形象。
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圖6 衛武營戲劇顧問耿一偉主持衛武營藝術總監簡文彬、柏林喜歌劇院戲劇顧問烏爾利希・廉茲及倫敦傑克遜巷藝術中心藝術總監阿德里安・貝瑞對談
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場館與藝術創作者——互為主體
\n\n藝術家的創意,形塑了場館機構的對外形象;藝術家和場館兩者相輔相成。嘉義縣表演藝術中心(以下簡稱「嘉表」)主任張世杰認為,創意發展和在地養分,也是「互為主體、不斷辯證」的關係。
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嘉表推行的諸多計畫中,對創作者來說,最有趣的或許是「任我行」專案:只要對嘉表園區任一空間、任一角落有興趣,都可提案利用該處做創作,規模大小、時間長短不拘。雖然補助七萬元不多,但得以把創意付諸一試,對團隊來說,是難得的機會,對場館來說,也是在累積現地(site-specific)的製作。
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張主任表示,藉由補助機制、和外縣市場館合作,嘉表希望將創意發想和人才培育兩件事系統化。例如跟臺北華山的烏梅劇院簽合作備忘錄,讓節目去演出,協助行銷嘉義的團隊。
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而場館如何協助創作者和觀眾交流?耿顧問提到,一個演出後可讓所有人留下來聊聊的小酒吧,讓觀眾覺得藝術家、節目規劃者沒有那麼遙遠,或是讓觀眾對不喜歡的演出「舒壓釋放」,都是劇場體驗中非常重要的儀式。簡總監表示時間許可時,他都盡量親自做導聆,並已規畫未來利用榕樹廣場,開闢藝術家和觀眾面對面的有機空間。
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藝術創作者與社區居民——互相牽引
\n\n論壇當日唯二的獨立藝文工作者代表,則分享珍貴的第一線社區經驗。他們不曾訂下「以藝術解決問題」的弘大志向,但因為自己的藝術理念,或為了讓生活環境更符合想像,從個人開始做起。而一旦齒輪開始轉動,大環境也慢慢被帶動轉變了。
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屏東的蒂摩爾古薪舞團團長暨藝術總監路之・瑪迪霖表示,他們的創作基礎是排灣族的傳統文化,在向部落長老學習古謠及樂舞的過程中,發生許多與傳統間的磨合和衝突。例如只限該部落男性可以唱跳的「勇士舞」,現在部落裡只剩兩位老人家會唱,路之・瑪迪霖總監先是因為身為女性率先學唱,被長老大罵,後又因為讓非部落的年輕人學唱,遭部落更多人指責。但她點出勇士舞的失傳危機後,反而很多人開始學習了。她說:「我不知道我們做了什麼,但現在每個鄉鎮每個部落都在比賽自己的勇士舞。」
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圖7 蒂摩爾古薪舞團團長暨藝術總監路之・瑪迪霖帶領舞團成員示範排灣族歌舞
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而這幾年臺南的正興街成為非典型社造的火紅範例,當初在街上開服飾店、揪集左鄰右舍的社造工作者高耀威說:「我想把我自己看見的東西,用一人之力分享出去。」但社區環境變好後,卻也無可避免地發生房租上漲、無力負擔者只好搬走的仕紳化(gentrification)問題。
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傑克遜巷的貝瑞總監提到倫敦的仕紳化程度令人髮指,而公民論壇中,住在衛武營附近的李三梅大姐也直率聊到,衛武營「建築有國際水準...。房價也飆了好幾倍。」雖然,仕紳化牽涉到國家土地政策以及都市規劃的複雜問題,不是場館經營者單方面可以解決的,但是,文化設施、藝術活動是否反而讓城市裡的弱勢變得更弱勢?是否無意間排除了某些人的參與?(無論這個弱勢是居民、動植物,或是藝術家自己。)相信這是所有機構藝文工作者都想避免的事,是需要持續自覺放在心上的事。
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而高耀威自己找到的對抗仕紳化對策,是利用無利可圖的「縫隙」空間。例如房東的一樓租給別人賣蘿蔔糕,他則跟房東談使用三樓閒置的天臺空間。盪鞦韆、乒乓球桌等交誼設施,非常素人開發、素人導向的趣味社區設計,在天臺於焉出現,重要的情感交流依舊可以發生。
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結論
\n\n公民論壇中,幾位市民觀眾類似的發言,例如「衛武營讓高雄不再是文化沙漠」、「這邊的文化水準好像提升了,我們與有榮焉」;我感到正好作為給藝術工作者的提醒:為什麼「缺乏藝術的薰陶」好像令人焦慮?喜歌劇院廉茲顧問提到,進行所有帶教育意味的活動時,重點不是教導觀眾「對」或「錯」,而是提供每個人自己詮釋的空間。兩位外國講者異口同聲認為,藝術性高的節目仍然可以被非重度藝文愛好者接受,「降低的是親近作品的門檻而不是作品的水準」。
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如果我們對所處的社會有所想像,我們擅長且能做的,或許也就是帶著專業當工具,去交朋友,往想像靠近。當看演出不再潛伏著「接受藝術薰陶、提升文化水平」的壓力時,場館的節目行銷和品牌營造,一定也會連帶進入一個輕鬆的新天地。
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跨領域的創意實驗室 │ 創意實驗自造所側記 │ 公開呈現名單
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2018年五月,衛武營第一次舉辦以「公共空間展演」為主題的「EUREKA——創意實驗自造所」工作坊,當時參加者有二十餘位臺灣劇場工作者,以及七位國外和臺灣的業師。2020年五月,衛武營開館一年半,第二屆自造所的籌辦因新冠肺炎一度喊停,但隨著臺灣疫情逐漸穩定且控制得宜,此活動得以照常舉行。(註1)
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(註1. 本屆「EUREKA!2.0——創意實驗自造所」與PQ布拉格設計四年展合作,原本規劃歐洲藝術家來臺與本地創作者共同參與工作坊,然因新冠肺炎的防疫措施及各國旅遊警示,外籍藝術家們無法成行,活動一度暫停。衛武營遵照中央疫情指揮中心的各項防疫指示,並完成所需之風險評估後,決定可為臺灣本地的創作者們,重啟辦理今年的EUREKA相關活動。)
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今年共有三十二位創作者參加,來自臺灣北中南東,涵括音樂、戲劇、舞蹈、馬戲、設計、影像、聲音、繪畫等背景,絕大多數擁有劇場實務經驗,約一半參加過2018年的工作坊。衛武營團隊策劃整體活動架構,全程提供令人有幸福感的行政及技術支援,邀請包括我在內共四位外師擔任「嚮導」,以各自的角度帶領實作活動。
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工作坊第一天上午,副總監郭遠仙替所有人導覽場館內外,時不忘以簡單手法展現廳內細緻的聲學工程設計。下午,兩位高雄長大的藝文工作者:日青創藝負責人洪榆橙,以及本次學員之一南熠樂集團長林喚玲,帶領所有人走進衛武營所在地鳳山區,探訪原日本海軍無線電信所、黃埔新村、大東文化藝術中心,以及城隍廟和公有零售市場一帶,讓學員初步認識鳳山的文史脈絡、常民生活,希望接下來幾天閉門工作時,依然記得比鄰而居的城市真實脈動。
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第一天的上萬步行程後,接下來兩日工作坊內容由四位嚮導安排。我在第二天早上先發,分享了我在「原型樂園」策展製作或發想概念的幾個公共空間展演計畫。由於這幾個計畫的前提是「與非藝術背景人合作」,無論其為觀眾或協作者,因此我在工作坊的實作練習中,請大家先和身旁的陌生成員分享和其他陌生人互動的經驗,再以涵構三種以上「人」的鳳山或旅館至衛武營沿線空間,作為分組依據,討論哪些事物連結了不同的人,嘗試繪製出可供他人再訪該空間時使用的地圖。
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短短十數分鐘的討論,有的組別選定鳳山城隍廟和市場一帶,以「願望清單」連結彼此;有的組別設定以覓食小狗作為地圖的使用者。大家牛刀小試,已展現了創意交織的有趣成果。
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另一位嚮導交通大學建築所的助理教授凌天,邀請東海大學建築系的講師李舲,共同擔任下午「空間自造」時段的規劃帶領人。凌天先藉之前策展的展覽作品,以及去年在臺中國家歌劇院公共空間的影像裝置,展示都市量繪的解構和重新建構。接下來他請學員們用手機,即興拍出十秒鐘與一分鐘的影像接龍。兩位帶領人選定衛武營內外四個地點,在牆面或物件上投影事前拍好的一分鐘高雄市景,各組學員觀看投影後,一起拍攝新的一分鐘作為回應,拍完在原地點投影出來後,前進至下一地點,相同流程再來一次。凌天設定的規則是:每次新拍攝的一分鐘畫面中,必須包括引發回應的上一分鐘投影。
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這個一層層後設的影像傳遞作業,讓靜態的風景產生有趣的融合和變形。而各組成員接招拍攝出來的影片小品,幾乎都從毫無情緒的原始影像,發展出有情節感的畫面敘事,甚至人的身體成為新的媒介。凌天表示這也是他在建築系學生身上很少看到的演繹方式。
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第三天上午的嚮導是戲劇構作暨策展人周伶芝。她以「時間驛站的敘事」為切入主題,帶大家探討不同文化脈絡裡,人們感知時間和空間的方式、創造相遇的方式。伶芝以班雅明的「漫遊者」概念,介紹了幾個曾在臺灣日常空間發生過的遊走式表演。《路上觀察學》書裡日本七〇年代藝術家以半戲謔意味取名為「湯馬森」的無用之物,也讓許多學員興味十足,成為未來兩天呈現的想法起點。
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分組練習時,伶芝請大家想像一個虛擬或真實事件重新剪接了衛武營的樣貌和意義,再將身體感置入詮釋這個空間,設計一張新的衛武營圖。幾組不約而同畫出帶「穿越」色彩的未來地圖;也有組別從時間尺度想像一個小孩從衛武營拍板興建到完工,已長大成人,因此設計了抽象的小行旅之圖,像時鐘般轉動海報紙,象徵從任一刻度都可進入的路徑。
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下午時段的嚮導是「軟硬倍事」共同藝術總監陳彥斌Fangas Nayaw。彥斌將自己從小在阿美族部落長大的各種日常經驗,轉化成一套方法,引導學員經歷分家、領域劃分、階級晉升,回到藝術框架下體驗「活著都會被看」的「生活展演」;是非常獨特的個人化方法論。分組的學員們依實際年齡分為malitengay/ isfiay長者和pakarongay青年,青年傳承耆老的口述,在衛武營畫出家的疆界,並向耆老獻上娛樂活動。大家在這個名為「共同繼承」的時段,共創生活祭儀。
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學員們腦力激盪中快速挪用從各閱聽媒體接收過的文化意象和符碼,認真起來,倒也言之鑿鑿、渾然天成;例如歌劇院一樓前廳的九根大柱子是九株神木,三樓的施工區成了傳統領地居民抗爭的財團工程,而彩色筆一根根接起「如彩虹般的夢幻之橋」,組員還得綁上小辮子以示同一家族等等。大家迅速將自己代入因地制宜的遊戲裡,熱烈的程度或許是因為這些祭儀與自己的經驗只有一線之隔,或是已經疊合。
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前三天就在各種好玩的活動裡充實度過。接下來的一天半,工作坊成員們配對找組,發想展演企劃,準備十分鐘的呈現;十分鐘的形式可以是口述簡報,也可實際試作。
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週五下午兩點,工作坊成員加上館方人員、聞訊而至的觀眾,一行大約五、六十人在音樂廳地面層入口集結,開始本次工作坊的呈現。
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第一組以口頭講解,呈現他們的「任你行一卡通」企劃:創作者選定一民眾,提供他一張前後台門禁卡;限定的30分鐘內,卡的持有者可以自由在衛武營空間裡遊蕩,唯一的義務是結束後撰寫日誌。這個概念來自該組成員跟偌大場館的接觸經驗,包括工作坊期間我們因身上的識別證得以暢行無阻,也包括藝術家身份在公共空間享有特權,對創作到底是助力還是阻力的種種討論。
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創作者建議這個計畫持續至少三個月,偕同場館在滾動式協商討論過程中,共同探索權力、界限等議題。組員們花了很多時間討論和核心概念息息相關的執行機制,包括誰可以拿到卡,遊走的經驗如何在離開後持續發酵,個人的參與如何形成集體的話語等,這些是與遊走當下同樣重要的作品內容。
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第二組的呈現名為《衛武山海經》。觀眾分為兩組,一組蒙上眼睛,被帶領從歌劇院一樓走上三樓前廳平台,沿途有表演者在耳邊低語開館以來的名不見經傳傳說。到了三樓平台後,又聽到另一名表演者的聲音,說似曾相識的另一版本故事。此時另一組觀眾被隔開在平台的玻璃門外,觀看蒙眼觀眾聆聽故事的模樣。
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《衛武山海經》利用玻璃門的隔音效果,讓外面的觀眾只能等開門後,上前詢問另一方觀眾聽到了什麼。而後,在離開的途中,觀眾發現場館角落多了些和傳說若有似無關的小物;這十個有植物身體的眾神小妖,經由口耳相傳,在本次觀眾的記憶中找到了立足之地。第二組成員想藉由聽覺與心智的交互活動,辯證「存在」和「證明」之間曖昧的關係。
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第三組《set武營free》,選擇了一個人人都有權進入,也都需要進入的地方——公廁。這個發想來自成員對衛武營民眾行為的觀察。大多數在公共桌椅區K書的高中生,或是來公園散步的民眾,對衛武營的公廁或去公廁的動線,已非常熟悉。這一組創作者在討論時發想了許多可設置在廁所裡的互動遊戲,例如關上隔間門後,眼前出現旗津落日的影像,或是按下沖水鈕後,空間釋放出海港的油漬氣味,或是響起沖水交響曲;好像啟動了五感的任意門。
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該組簡單製作道具,拍了一段模擬影片。呈現時在廁所外播放影片,並向觀眾解說他們想在這個兼具私密與公開雙重性格的空間裡,利用30至40秒(該組實測女生上廁所時間),為自己或彼時同處一廁的陌生人們,創造幽默的互動機會。
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第四組《Walking Talking》的發想也來自一個30秒鐘的介入——這次是電梯。觀眾從戲劇院地面層通往三樓的入口出發,在此分流選擇坐升降梯或手扶梯上三樓。升降梯的角落和手扶梯的中段,各黏了一支walkie-talkie對講機。觀眾坐電梯時,突然聽到對講機傳出一個年輕的聲音請教「宇文哥」關於人生或做劇場的各種疑問,而後一個成熟年長的聲音,則以「年輕人」為開頭,簡單回覆發問的劇場同袍。
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觀眾到了三樓後,看見兩個黑衣人身處兩地拿著walkie機說話。聽到他們一問一答的句型,我們發現這兩位就是剛剛聲音的主人。最後他們逐漸靠近,坐在沙發兩端持續用walkie機對談人生。至此觀眾的經驗從聽覺上的尋覓過渡到視覺的聚焦。「宇文哥」和「年輕人」正好是本次工作坊年齡光譜兩端的成員,他們在表演中揭露真實的自己,讓同為EUREKA一員的我看來特別有意思。
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第五組《空間規劃中》使用音樂廳三樓的藝術迴廊。場勘時,成員發現單純講話的聲音在迴廊的前中後段聽起來都不一樣,因此決定使用這個有趣的聲學空間,拉一道新的表演向度。呈現時觀眾約十人一組,閉上眼在光線微弱的彎曲長廊裡小步往前走。一位表演者在長廊中段重複製造金屬碰撞聲,另一位表演者在長廊尾端,撥弄簡單的吉他旋律。長廊的盡頭是自然光豐沛的三樓交誼廳,閉著眼的觀眾進入後放鬆躺在地上,感受被衛武營人員形容會引發耳鳴感的「真空」狀態。
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之後表演者喚醒觀眾,請大家安靜地沿著來時長廊走回出發地;回程中,我們看見下一組觀眾正閉著眼重複自己剛剛的歷程,也看見貼在長廊兩側牆上的大量小紙人——原來一直就不只我們「一個人」。
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第五組的呈現正好替大約兩個小時的呈現,做了一個完美的收尾,讓人安靜下來,用最純粹的方式重新感知。
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在工作坊結束之後,我和一些成員聊到這趟經驗不必顧慮KPI,短時間內可與不同創作者大量有機討論,令人非常珍惜。參加過上一屆的成員有人覺得自己這次更清楚時間的運用及選擇,也有首次參加的成員期待日後延伸到場館外例如公車站牌的生活空間。還有成員好奇衛武營作為南部最大的藝術機構,看到了什麼大家沒看到的?
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衛武營節目部國際組長張欣怡表示,這兩屆EUREKA活動帶給內部很多靈感和新想法,例如可發展針對親子民眾的「小小Eureka」或是給館員的「教育訓練自造所」;畢竟公共空間裡的默會制度和行為,是所有部門人員和民眾一起形塑出來的。衛武營也計畫藉由臺灣舞蹈平台和馬戲平台,讓一些作品在公共空間萌芽生長,持續提供創作者、民眾、場館經營團隊,三者相遇的場域,然後一起期待第三屆的「EUREKA創意實驗自造所」,去挑動尚未被挑逗的,或是抵抗已經固著的,無論是人心還是建築的空間界線。
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\n\t\t\t 嚮導名單 \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t 貢幼穎 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 表演團體「原型樂園」負責人 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 凌天 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 交通大學建築研究所助理教授 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 李舲 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 建築師、東海大學建築系、交通大學建築所講師 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 周伶芝 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 策展、藝評、構作顧問 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 陳彥斌 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 軟硬倍事共同藝術總監 \n\t\t\t | \n\t\t
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\n\t\t\t 公開呈現藝術家名單 \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t 第一組 \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t 溫思妮 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 洄遊式創作集 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 葉百心(貓肆) \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 獨立創作者 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 蘇品文 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 看嘸舞蹈劇場 獨立藝術家 ∕ 藝術總監 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 林正宗 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 圓劇團導演 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 第二組 \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t 謝杰樺 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 安娜琪舞蹈劇場 藝術總監 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 林喚玲 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 南熠樂集 團長 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 駱若瑀 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 融聲創意 ∕ 創意工程師 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 王瀅絜 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 二胡藝術家 ∕ 雲樹雅集創辦人暨團長 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 楊元慶 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 臺灣街頭藝術文化發展協會 副理事長 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 楊世豪 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 馬戲之門團長 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 紀柏豪 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 融聲創意 負責人 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 第三組 \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t 左涵潔 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 両両製造聚團 藝術總監 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 林昭安 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 二律悖反協作體 空間舞台設計 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 范立穎 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 表演藝術創作者 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 徐開炫 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 獨立街頭藝術家 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 廖昱傑 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 助理指揮 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 第四組 \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t 楊悅 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 二律悖反協作體 ∕ 編舞 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 邱娉勻 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 服裝設計師 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 黎宇文 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 影像導演 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 賴唯翔 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 舞臺及戲服美術設計 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 第五組 \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t 陳信達 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 紅鼻子馬戲團 團長 ∕ 臺灣街頭藝術文化發展協會 理事長 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 李勻 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 「二律悖反協作體」負責人 ∕ 導演 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 許瀚中 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 導演 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 蔡沐橙 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 自由藝術工作者 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 陳煜典 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 進港浪製作駐團導演 \n\t\t\t | \n\t\t
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以下藝術家皆為創意實驗自造所參與者,因參與《抬轎》演出,故無法參與公開呈現之項目。
\n\n\n\t\t\t 演出《抬轎》藝術家名單 \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t EUREKA創作群 \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t 余彥芳 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 舞蹈工作者 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 林凱裕 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 舞台設計 (深夜放電所) \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 洪千涵 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 明日和合製作所核心創作者 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 張剛華 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 明日和合製作所 共同創作者 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 黃鼎云 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 明日和合製作所 共同創作者 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 廖海廷 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 輔仁大學專案助理教授、Ableton Live認證講師、音樂 ∕ 聲音工作者 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 蔡佳礽 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 梅林鬍子實驗室 | 副技術總監 \n\t\t\t | \n\t\t
Written by the Director of Prototype Paradise KUNG Yu-ying (Yoyo)
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An Interdisciplinary Experimental Lab for Artists │ Side Note on “EUREKA—Creative and Experimental Lab” │ Artists of Experimental Lab
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An Interdisciplinary Experimental Lab for Artists
\n\nIn May 2018, the National Kaohsiung Center for the Arts (Weiwuying) first hosted the workshop “EUREKA—Creative and Experimental Lab” that took “Public Space Performance” as a theme, with more than twenty Taiwanese theater-makers and seven international and local industry instructors participating in the event. In May 2020, one and a half years after Weiwuying was opened to the public, the second Lab event was thought to be cancelled due to the outbreak of COVID-19. However, since the outbreak in Taiwan has been well under control and the situation has stabilized, this event was able to be held as planned.
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(Remark 1: The “EUREKA—Creative and Experimental Lab” was part of a four-year collaborative project agreement signed with the Prague Quadrennial of Performance Design and Space (PQ). The project planned to have European artists participating along with local artists, however, due to the outbreak of Covid-19 and the travel restrictions of each country, foreign artists had to cancel their flights and the event was suspended. Weiwuying followed the guidelines of the Taiwan Centers for Disease Control and complied with various epidemic prevention instructions including all necessary risk assessments and decided to restart the EUREKA event for local Taiwanese art creators.)
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Side Note on “EUREKA—Creative and Experimental Lab”
\n\nA total of 32 creators from all corners of Taiwan participated in the event this year, with their professional backgrounds ranging from music, theatre, dance, circus, design, graphic, sound, to painting and others. Most of them have theater experiences and about half of them have participated in the 2018 workshop. The Weiwuying staff team laid out the structure of the overall event and offered reliable administrative and technical support during the whole process. Four teachers, including me, were invited to be the “Guide”, each leading the experimental practices in our own way.
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In the morning when the workshop began, Executive Office Production Director of Weiwuying, Jack KUO (郭遠仙), gave us a tour of the venue in and out, using simple techniques from time to time to show us the delicate acoustical engineering design of the theater halls. In the afternoon, two local artists from Kaohsiung : founder of Kelio Art Studio, Clio HUNG(洪榆橙), and one of the participants, Leader of Nan-Yi Musical Theater, LIN Huan-ling (林喚玲), gave us a tour of Fengshan District, where Weiwuying is located. We visited the Imperial Japanese Navy Fengshan Wireless Communications Station, Huangpu New Village, Dadong Arts Center, Cheng Huang Taoist (City God) Temple and the Public Retail Market. All participants got to familiarize themselves with the historical and cultural lines of Fengshan and the daily lives of the citizens, so that in the following days, although we worked indoors, we can still remember the real vibe of the surrounding city.
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After walking up to ten thousand steps for the first day, the following two days’ workshops were arranged by four guides. I was the first guide for the morning of the second day. I shared my experience in curating, producing or envisioning public space performance projects for “Prototype Paradise”. Since the basic premise of all the projects was “to work with people with no background in art”, including audiences or cooperators, therefore, I asked the participants to first share with each other their experience of interacting with total strangers. They were then teamed up based on chosen spaces composed of three or more types of “people” in Fengshan or areas along the way from the Hotel to Weiwuying. Each team talked about the things within that area that connects different types of people, and each drew a map of that certain area for others to use when revisiting the place.
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During the approximately ten-minute brief discussion, there were teams that chose Cheng Huang Taoist (City God) Temple and the Public Retail Market area and used a “wish list” to connect with each other; others picked foraging dogs as main map users. Just in this try-out practice, everyone demonstrated the fun results of interweaving creativity
\n\nAnother guide is the Assistant Professor of NCTU Graduate Institute of Architecture, LING Tien (凌天), he who invited the instructor of THU Department of Architecture, LEE Ling (李舲), to co-lead the afternoon session “Self-Made Space”. Tien Ling started with his prior curated exhibition works and the visual devices installed in National Taichung Theater last year to demonstrate the deconstruction and reconstruction of city portrays. Followed by the demonstration, he asked the participants to use their cellphones and make some impromptu chained video stories of ten seconds and one minutes long. It went like this: two guides have chosen four locations in and out of Weiwuying to project a one-minute video of Kaohsiung’s cityscape on the wall or an object. After watching the projected videos, each team needs to make a new one-minute video as a response, and after showing the responding video, the team will go to the next location and repeat the same process. Tien Ling also made it a rule that each new responding video must include the original projected image which triggered the response.
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This relay of layers and layers of meta-images made an interesting fusion and transformation of the static view. Almost all videos made by the participants developed storylines out of the originally bland images; some even used human bodies as a new medium. Tien Ling said that this is also a rendition he rarely sees among architecture students.
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The guide for the morning of the third day was CHOW Ling-chih, a curator and dramaturg. She used “the narratives of time hubs” as an opening theme to lead us to dig deeper and discuss how people perceive time and space and come up with ways to create encounters under different cultural threads. Ling-chih uses the concept of “flâneur” by Walter Benjamin to illustrate several immersive performances that took places in Taiwan’s daily living spaces. The sharing of the book “Introduction to Observations on the Road” which points out the artists of the 70s jokingly naming useless objects as “Thomasson” also inspired the participants and became the starting point of their ideas for the following two days.
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When experimenting in teams, Ling-chih invited all teams to first imagine a fictional or true story that re-edits the appearance and meaning of Weiwuying, then by involving the bodily sensations to interpret the space, a new map of Weiwuying is designed. Few teams by coincidence designed a map of the future with the touch of “transcending”, some used the time ruler to demonstrate a child growing up gradually while Weiwuying started constructing. When the construction finished, the child became a fully grown adult. So they designed an abstract travelling map, turning the poster like turning the hour hands of a clock, symbolizing each hour mark as a route for entrance.
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The guide in the afternoon was Co-Artistic Director of Fist and Cake Production, Fangas Nayaw. Fangas Nayaw turned his childhood experience living in the indigenous Amis tribe into a set of techniques to guide participants through the process of household separation, territory division, social class promotion, and back to the artistic structure of “life performance” and the experience that “even if you’re simply living your life, you are publicly observed”. It was a very unique and personalized theory. Participants teamed up according to their actual age and were assigned as malitengay/ isfiay (elders) or pakarongay (young adults). The young adults inherited the oral dictations from the elders, drew the home boundaries in Weiwuying, and presented recreational activities as offerings to the elders. In this session named “Co-inherits”, everyone co-created a life ritual.
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All participants quickly appropriated the cultural images and symbols previously perceived by media during the brainstorming session, and when getting serious, everyone turned up to be eloquent and a natural; for example, the nine pillars in front of the opera house became the nine sacred trees, and the construction area on the third floor became where the residents on their traditional territory protested against the consortium construction project. Colored pens being assembled one by one symbolized “rainbow – the dream bridge”, and team members braided their hair to show that they are from the same family.
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Everyone immersed themselves in the role plays immediately. The scale of the enthusiasm was so high, probably because these rituals were only a step away from or even overlapping their own experiences.
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The first three days had been packed with all sorts of fun activities, while in the rest of the one and a half days, participants teamed up to come up with performance projects to be presented in a ten minute show-and-tell. The form of the presentation can be oral or by actual performance.
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At 2 pm on Friday, participants, Weiwuying staff, and audiences attracted by the event, totaling 50 to 60 people gathered at the entrance of the concert hall and started the final presentation of the workshop.
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The first team gave an oral presentation and displayed their “All You Can Access Pass” project: the creators picked an audience and offered him the access card to the front and back stages. Within the limited 30 minutes, the cardholder can freely access all spaces in Weiwuying while the only condition is that he/she has to write a log afterwards. The concept came from the experiences of team members as they interacted with this massive venue space. Various discussions arose including that during workshops we are allowed to access all areas because of the badges we hold; discussions also included that since artists are privileged in public areas, are there any pros or cons to our own creativity?
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The creators suggested that the project would last for at least three months. During the rolling negotiation and discussions with venue staff, all parties can mutually explore the issues of authority and boundaries. Team members spent a lot of time coming up with the execution mechanisms that are practical and correlated to the core concept, including who is qualified for the Pass? How may the experience of accessing all areas continue to grow afterwards? How to transform an individual participating experience into the voice of the mass? These are contents that are as important as the fact of “receiving access” itself.
\n\nThe second team demonstrated their project named “Classics of Weiwuying Mountains and Seas”. The audiences were separated into two groups, one being blind-folded and guided from the ground floor to the opera house platform at the third floor while performers whispered the legends of Weiwuying along the way. When reaching the platform on the third floor, they will hear other similar versions of the stories being told by another performer. The other group of the audience will be observing from outside of the glass doors to see the reaction of the blind-folded audience listening to the stories.
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“Classics of Weiwuying Mountains and Seas” took good use of the sound insulation effect of the glass doors, so that the audience outside of the opera house can only wait until the doors are opened and ask the other group of audience what they heard. However, on the way out, the audience discovered some seemingly related objects: these ten deities or fairies within bodies of plants, through the spread of words, have found their ways inside the memories of the audience. The members of the second team wanted to discuss the ambiguous relationship between “existence” and “proof” through the interaction between listening and the activity of the mind.
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The third team chose a place that everyone has the right to access, and has the necessity to access – the public restrooms. This idea originated when the team members observed the public in Weiwuying. Most of the senior high school students studying in the public seating area and the people that came for a walk are all familiar with the restrooms and the way to them. The creators of this team came up with several interactive games that can be installed inside the restrooms, such as when the door is closed, an image of the sunset in Qijin, Kaohsiung will appear, or when the flush button is pressed, there will be the smell of petrol simulating air in the harbor, or symphonic music will be played along the flushing sound. All these seem to open up the door to our five senses.
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This team made some simple props and a stimulating video for the presentation outside of the restrooms, showing audiences that within this space of both private and public features, they wanted to create for themselves and the strangers who are at the same time and space a humorous interacting opportunity for 30 to 40 seconds (the team members actually tested the time females needed for using the restrooms).
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The fourth team “Walking Talking” also developed their idea from a 30 second intervention – this time it took place in the elevators. The audience started out from the entrance to the third floor, which is on the ground floor of the playhouse. Here they chose from taking the elevator or the escalator to the third floor. The corner of the elevator and the midsection of the escalator were each equipped with a walkie-talkie. During the ride, a youthful voice suddenly appears from the walkie-talkie and asks “Yu-man brother” questions about life or theater making, then a mature elderly voice uses “young man” as an opening, briefly answering the previously asked questions.
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When the audience reached the third floor, they saw two men in black at different locations, using walkie-talkies. Judging by the questions and answers between them, we realized that they were producing the voices we just heard. At the end, the two drew closer and closer, eventually sitting at the two ends of the couch and continuing their life conversation with the walkie-talkies. At this moment, the audience’s experience shifted from searching for the sound to focusing on the sight. “Yu-man brother” and “young man” are actually two participants at the two ends of the age spectrum of this workshop. They have revealed their true selves during this performance and as a member of Eureka, I found it to be extra fascinating.
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The fifth team “Space Under Planning” used the art gallery corridor on the third floor of the concert hall. During the site survey, the members found that even the speaking voice sounded different when heard from the entrance, the mid-way, or at the end of the gallery; therefore they decided to use this interesting acoustic space and explore a new dimension in performance. The audience teamed up roughly in groups of ten, closed their eyes and strolled along the dimmed, curved corridor while one of the performers at the mid-way kept making a repeating sound of metal clashing. At the end of the corridor was another performer gracefully playing a guitar with a simple rhythm. The corridor leads to a lounge area with lots of natural light. The audience relaxingly lay down on the floor with their eyes still closed, experiencing what the staff described as “a state of void” which may cause a humming sound in the ears.
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Afterwards, the performers woke the audience up, and everyone quietly tracked back along the corridor to where they started. On the way back, we saw the next group of audience with their eyes closed, experiencing the same process we have been through. We also saw that there were numerous origami paper dolls glued to the walls along the corridor – turned out we were never “alone”.
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The presentation of the fifth team created the perfect ending for this approximately two hour long final presentation. It calmed us down and enabled us to use our senses in the purest way.
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After the workshop, I’ve expressed to some participants that to have this experience without having KPI concerns, and to be able to generate numerous organic discussions with various creators/designers in such a short period of time, was of great value. Participants who joined the Lab in 2018 felt that they have now a better grasp of their options and the use of time. For the participants who joined for the first time, they were excited to see if in the near future, the space might be extended beyond the venue, such as to the bus stops. Some are curious about Weiwuying being the biggest art institution in southern Taiwan, what is it that is hidden from the public but noticed by them?
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Gwen H.Y. CHANG, Head of International Partnerships of Weiwuying, has stated that these two EUREKA events have brought lots of inspirations and new ideas to them, such as creating “little Eureka” events that are especially for parents and children, or “educational training lab” for staff members. After all, the self-developed system and activities within the public space is formed by all staff members and the public. Weiwuying is also planning to utilize Taiwanese dance platforms and circus platforms to enable artworks to flourish and grow in the public space, and to continuously offer the space for the interaction between three parties: creators, the public and venue operators. Let’s look forward to the third “EUREKA—Creative and Experimental Lab” to lure the not yet tempted, or confront the already stagnated, whether it’s crossing the boundaries of the human heart or of the architecture.
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\n\t\t\t Guide \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t KUNG Yu-ying (Yoyo) \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Director of Prototype Paradise \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t LING Tien \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Associate Professor, Graduate Institute of \n\n\t\t\tArchitecture, National Chiao Tung University \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t LEE Ling \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Architect, Lecturer at the Department of Architecture, Tunghai University and the Graduate Institute of Architecture, National Chiao Tung University \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t CHOW Ling-chih \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Writer, curator, art critic, dramaturg \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t Fangas Nayaw \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Co-Artistic Director of Fist & Cake Production \n\t\t\t | \n\t\t
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\n\t\t\t Presentation Artists \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t First Group \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t WEN Szu-ni \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t C-turtle tactic \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t YEH Pai-shin (Civmirus) \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Independent Artist \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t SU Pin-wen \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Artistic Director of KuaBo Dance Theatre \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t LIN Cheng-tsung \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Director of Thunar Circus \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t Second Group \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t HSIEH Chieh-hua \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Artistic Director of Anarchy Dance Theatre \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t LIN Huan-ling \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Director of Nan-Yi Musical Theater \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t Joyu LO \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Creative Technologist \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t WANG Ying-chieh \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Erhu Virtuoso / Artistic Director of the \n\n\t\t\tYunshuyachi Ensemble \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t YANG Yuan-ching \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Vice President of Taiwan Street Arts and Culture Development Association \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t YANG Shih-hao \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Director of Taiwan Circus Gate \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t CHI Po-hao \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t ZONE SOUND CREATIVE Founder \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t Third Group \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t TSO Han-chieh \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Artistic Director of Double & Cross Theater Group \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t LIN Jhao-an \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Scenographer of Antinomy Company \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t Fan Li-ying \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Performing Artist \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t HSU Kai-hsuan \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Street Artist \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t LIAO Yu-chieh \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Assistant Conductor \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t Fourth Group \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t YANG Yue \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Choreographer of Antinomy Company \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t Juby CHIU \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Costume Designer \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t LAI Yu-man \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Filmmaker \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t LAI Wei-hsiang \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Set & Costume Designer \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t Fifth Group \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t CHEN Sin-da \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t On.P.Young - Director / Str.ACD - President \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t LI Yun \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Director of Antinomy Company \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t Hank HSU \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Director \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t TSAI Mu-Cheng \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Freelance Artist \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t CHEN Yu-dien \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Director of KING KONE WAVE Production \n\t\t\t | \n\t\t
\n\n
\n\n
The following artists also participated in Creative and Experimental Lab, but without the presentation.
\n\n\n\t\t\t Performance Lift Me Up Artists \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t EUREKA Artists \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t YU Yen-fang \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Choreographer \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t LIN Kai-yu \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Scenographer / Set Designer \n\n\t\t\t(A Tempting Night) \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t HUNG Chien-han \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Co-founder of Co-Coism \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t CHANG Kang-hua \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Co-founder of Co-Coism \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t HUANG Ding-yun \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Co-founder of Co-Coism \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t LIAO Hai-ting \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Associate Professor / Ableton Live certified trainer \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t Reng TSAI \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Merlin's Mustache Lab Associate Technical Director \n\t\t\t | \n\t\t
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衛武營國際論壇,為衛武營年度不容錯過的藝術論壇。2017年於11/18.19 舉行,以「眾人參與的藝術基地創生」為主軸,邀請臺、法、德、英、澳藝術基地及藝術節的重量級推手,共同分享藝術創生的過程,激發想像的可能。衛武營期待透過討論。群聚每一個可能的力量,共同建築成眾人嚮往的藝術之地!以下為觀察員的活動紀錄。
\n\n\n\n
「藝術是透過社會過程創造與協調出來的,有充分的溝通,就不用再替藝術辯護了。」
\n-柏林國際舞蹈藝術節藝術總監 Virve Sutinen 談藝術節策展
\n\n
Virve Sutinen於2014年開始擔任柏林國際舞蹈節的藝術總監,舞蹈節的節目主要是當代舞蹈為主。當地藝術家與當地居民常常是藝術節的成功的重要因素,這些人不只是守門員、更是最大的支持者。因此柏林國際舞蹈節特別支持在地藝術家,每年都邀請一位來自柏林的「焦點藝術家」,在舞蹈節中呈現他過去的作品以及全球首演的新創作,並且為他辦理回顧展,用靜態展示與動態的作品的方為其舞蹈作紀錄。
\n\n做舞蹈家的回顧展是寫歷史,也是重寫經典的做法。從藝術家過去的作品,看出他舞蹈演進的過程,探討其與當代、現代、芭蕾舞等形式的相關性,以及與其他美術的連結是什麼,透過展覽去創造當代舞蹈的歷史感,藉此讓大家了解這樣的表演(舞蹈)與其他歷史文化社會的相關性和淵源。相對於只看到舞蹈本身,這是更有趣的。
\n\n逐漸累積策劃的經驗後,Virve Sutinen建議節目的安排在美學與展現形式上應多元化發展,並且用自己的角度和自信,建立一套自己的做法。Virve Sutinen提到,基於九零年代的某種教條,過去二十年的當代舞蹈中幾乎都是男性被尊為大師舞蹈家,在此當中,女性好像消失了。因此Virve Sutinen反思性別的不平衡的議題,在舞蹈節中呈現。性別之外,地域性的多元,也是舞蹈節希望突破的地方,因此除了重要的文化中心城市的舞蹈以外,柏林國際舞蹈節也會透過邀請,提供其他的城市舞蹈家表演的機會。
\n\n小結策劃節目的指南,Virve Sutinen歸納以下幾個重點:
\n一、讓節目多元化。
\n二、平衡地理位置、性別、年齡。
\n三、為在地藝術家做典範的轉移。
\n四、讓家庭觀眾可以一起來。
藝術家與觀眾是藝術節的兩隻腳。在藝術家的部分,藝術節要盡力用各種方式支持藝術家,他們是夥伴,也會為藝術節團隊帶來挑戰。而藝術總監就像是一座橋樑或中介者,Virve Sutinen認為她自己的角色,是協助藝術家與觀眾的相遇,也是為服務觀眾的藝術家服務。
\n\n在觀眾那一端,策劃藝術節時,首先要認識你的觀眾,第二個原則則是要讓觀眾參與、成為親善大使、願意回來與期待活動。最重要的是,策劃什麼樣的節目就是吸引什麼樣的觀眾,在策展的過程就要跟觀眾連結,透過各種方式取得觀眾的回饋,即使需要花費部分預算去瞭解觀眾,也是一種值得的投資。
\n\n因為舞蹈是一種以身體為主、有點難以理解的藝術形式,因此柏林國際舞蹈節嘗試利用多元的方式讓觀眾能更理解這項藝術,包括舉辦肢體工作坊,藉由身體上的親身嘗試,更理解編舞家怎麼思考;在表演結束之後辦理「舞蹈圈」活動,像讀書會一樣,觀眾可討論彼此的觀舞感受;由藝術家提供書單成立的圖書館,既是知識的集合體,也是一種使觀眾認識藝術家的方式;藝術節也辦理論壇、出版雜誌,讓藝術家、策展人可以與觀眾見面、對話。
\n\n把藝術節做好,必須善用機構組織能提供與運用的權力資源,同時不斷的回到核心的精神面反思、給自己更大的期許,自己的價值與願景是什麼(例如推廣舞蹈文化)?是否已把藝術家的作品做最好的呈現?即使在過程中,會有很多不同的聲音出現,但藝術是透過社會過程創造與協調出來的,因此其中一個方式就是溝通,有充分的溝通,就不用再替藝術辯護了。
\n\n【2017國際論壇】
\n專題演講三:全球藝術進行式與在地群眾溝通
\nVirve Sutinen(柏林國際舞蹈藝術節藝術總監)
\n從2014年起擔任藝術總監,從事藝術與文化領域的工作,身兼管理總監、藝術總監、統籌者、製作人、記者和總編輯,於Tanz im August藝術節之前,曾擔任過丹麥斯德哥爾摩Dansens博物館表演藝術策展人兼劇院主席。在赫爾辛基期間也曾擔任11月舞蹈藝術總監,並與Mika Taanila一起創立了旋轉舞蹈、音樂電影及視頻節,於斯德哥爾摩期間她創辦了斯德哥爾摩節、城市串連節與舞蹈邊界。
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衛武營國際論壇,為衛武營年度不容錯過的藝術論壇。2017年於11/18.19 舉行,以「眾人參與的藝術基地創生」為主軸,邀請臺、法、德、英、澳藝術基地及藝術節的重量級推手,共同分享藝術創生的過程,激發想像的可能。衛武營期待透過討論。群聚每一個可能的力量,共同建築成眾人嚮往的藝術之地!以下為觀察員的活動紀錄。
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「人的流動與流體力學理論一樣,平常並非從事藝術創造的人,在這個空間裡也會被感染,像熱的傳導一樣。」
\n- 巴黎104藝術中心總監José-Manuel Gonçalvès
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創造空間的前提是,先知道自己要航向的方向、要創造的是什麼。在演講的一開場,José-Manuel Gonçalvès就提綱挈領的點出空間創造的核心。
\n\n位於巴黎18區與19區交界的104藝術中心(the CENTQUATRE-PARIS),佔地約一千平方米,在18世紀原本是座公共殯儀館,後來隨著此服務的民營化而廢棄。在九零年代,這附近是巴黎貧窮、治安不良、各國移民與失業者聚集的弱勢地區。
\n\n法國於二戰後,開始增加地區性的文化設施館舍,加上八零到九零年代,許多工業設施被廢棄,空間被居民或藝術家佔據使用,也迫使都市規劃開始思考如何利用閒置空間作為公共使用。在此趨勢之下,104曾在2008-2010被建置為一個非傳統的博物館,意圖讓弱勢族群接觸文化,但是結果卻遭遇挫敗,當地民眾並不樂意使用,與在地連結也不深,一年僅吸引四萬人到訪。
\n\nJosé-Manuel Gonçalvès團隊在接手經營之後,重新思考怎麼改變這個空間,將空間目的設定為「希望讓大家知道藝術不是高高在上,而是有療癒效果、變得更有活力」。核心價值是「因為參與,讓藝術與每個人有所改變」。地點的營造要有一個清楚的目標、企劃、想望,運用藝術與地方居民產生連結,共同創造場域的想法才有可能。第一步從界定自己的品牌特色開始,藉由節目內容的安排,讓大家知道其風格。
\n\nJosé-Manuel Gonçalvès進一步說明,與居民連結有兩個工具來實踐。首先,策劃展覽或劇場時,觀察、想像觀眾會怎麼反應,再調整供給的東西。此外活動彼此之間要是連結的,並且簡化讓所有人可以解讀。第二個,放下專家的理所當然,要向民眾解說,讓民眾直接體驗感受並被說服。先努力了解附近居民,讓民眾感受到這個公共空間、接待所邀請他們來,並且彼此一起決定怎麼使用。很重要的態度就是「館舍並不是高高在上的」。例如閉館時間到時,104並不是用廣播,而是工作人員一一走向民眾通知他們,與其接觸、這就是連結產生的方式。
\n\n104空間設計在入口處有一個「開放式的牆壁」作品,意即邀請民眾走進來這個場域。在這裡,民眾可以租借空間,有育成中心、書店、餐廳、親子空間,也有多功能的空間,滿足所有民眾的、藝術家各種需求。
\n\n空間要讓人覺得舒服,營造自由的氛圍並鼓勵創新,不需指定他人要做什麼。讓他們在這裡想要創作,做平常不會做的事情,就能讓他們來善用與界定這個空間的意向、激發更多創新,傳達不是只有買票進場才是藝術家的訊息。舉例來說,不同於法國一般公共空間的椅子都是固定的,104可被移動式的椅子,讓民眾可以自行決定怎麼使用、設定、擺置,並改變使用的方式。再如舞者可以自由使用開放廣場的大面鏡子排練、更衣,但民眾也可以自由穿梭、圍觀參觀。這裡幾乎所有的事情都是被允許的,使藝術跟生活融合在一起。
\n\n在經費上,104的補助與營業收入(付費表演等)各佔50%。表演收費部分,104採取的策略是,以便宜票價薄利多銷。並且根據節目風格邀請藝術家,有高價的國際藝術家,也有低票價的節目。進駐團體必須能創造文化內容與意涵,並符合空間經營的企圖心,不是單純的商業運作。104每年也會回饋二十到一百萬歐元的收入給弱勢民眾。
\n\nJosé-Manuel Gonçalvès總結將104場域的特點歸納出以下幾點:
\n1.場域可靈活使用,由內容界定場域,而不是場域界定內容。可以改變、隨時調整。
\n2.104是美學的接待所,而不是單純的藝術中心,任何想要參與藝術的民眾或藝術家,就到這個舒服的窩。
\n3.玩「公眾與私人空間」的概念,例如舞蹈、走秀,民眾可以穿梭看到幕後準備或排練過程。
\n4.民眾自己自主性活化、而不是由上而下的設定這個空間。
最後,José-Manuel Gonçalvès也分享他的理念,他說,人的流動與流體力學理論一樣,平常並非從事藝術創造的人,在這個空間裡也會被感染,像熱的傳導一樣。對他來說,這就是實踐所相信藝術最重要的事:重新改造與美化每一個人的人生。
\n\n\n\n
【2017國際論壇】
\n專題演講二:百變的空間
\n演講者:José-Manuel Gonçalvès(巴黎104藝術中心總監)
\n現為巴黎104中心總監,長期關注並提出多項大型社會實踐計畫,是引領並形塑巴黎當代文化的先鋒人物之一。José-Manuel Gonçalvès在藝術活動領域極其活耀,曾主導多項國際矚目的大型藝術活動,並擔任藝術統籌或總監一職,包括連續兩年受邀策畫巴黎白晝之夜(2014-2015)、大巴黎藝文快遞(Grand Paris Express),與2017年波爾多地景藝術祭(Paysages Bordeaux)等活動;他認為「創新」是種匯聚累積的結果,而非一個時間上的斷面,所以他對當代藝術的各個領域都保有強烈的好奇心,此外,他也觀察到:「讓不同專業學科的人員彼此互動,更容易發現創新的可能性。例如,我們可以媒合音樂家與研究人員、或是生物學家與造型藝術家進行合作,讓不同元素相互碰撞產生關係,創意通常由此而生」。
Ever since its opening, National Kaohsiung Center for the Arts (Weiwuying) has been working with its international partners to expand its international connections and facilitate artist exchange, which includes cross-country flagship programs, artist-in-residence exchange programs, international exhibition/performance projects, cross-discipline artist creation, Weiwyuing International Symposium, FACP Annual Online Conference, and WOW Kaohsiung Festival. These events have deepened Weiwuying's connection with its international partners and helped Taiwanese artists to stand on the international stage.
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News:
\n\n►2023 FACP Kaohsiung Conference
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\n',tabs:[{programs:[],seq:2,name:"Partners",content:'
Country / Region | \n\t\t\tPartners | \n\t\t
Asia | \n\t\t\tCAN, Circus Asia Network | \n\t\t
Belgium | \n\t\t\tOpéra Royal de Wallonie-Liège | \n\t\t
Canada | \n\t\t\tEx Machina | \n\t\t
TOHU | \n\t\t|
France | \n\t\t\tCentre de Développement Chorégraphique National du Val-de-Marne | \n\t\t
Théâtre de la Ville de | \n\t\t|
Germany | \n\t\t\tDeutsche Oper am Rhein | \n\t\t
Rimini Protokoll | \n\t\t|
Hungary | \n\t\t\tPeter EÖTVÖS Contemporary Music Foundation | \n\t\t
Hong Kong | \n\t\t\tCity Contemporary Dance Company | \n\t\t
Tai Kwun – Centre for Heritage and Arts | \n\t\t|
West Kowloon Freespace | \n\t\t|
Italy | \n\t\t\tCentro per la Scena Contemporanea Bassano del Grappa | \n\t\t
Singapore | \n\t\t\tEsplanade – Theatres on the Bay | \n\t\t
Singapore International Festival of Arts | \n\t\t|
Spain | \n\t\t\tCertamen Coreográfico de Madrid | \n\t\t
South Korea | \n\t\t\tJeonju International Sori Festival | \n\t\t
United Kingdom | \n\t\t\tEnglish National Opera | \n\t\t
USA | \n\t\t\tSpoleto Festival USA in Charleston, South Carolina | \n\t\t
\n',color:{a:1,r:130,g:130,b:130},type:"content"},{programs:[],seq:3,name:"Collaboration",content:'\n\n
Rollo – The Rolling Art Project: Taiwan. Israel Creative Exchange Online Exhibition
\n\n"Rollo – Taiwan. Israel Creative Exchange Online Exhibition" is an international creative exchange and collaboration project jointly supported and carried out by the Rollo art project team and Israel Economic and Cultural Office in Taipei. The global pandemic has restricted international travel and cultural exchanges, and this collaboration is an attempt to break past the limitations of geography and the pandemic. Past collaborations over the years with art institutions and groups in Turkey, the UK, Russia, and other countries produced a rich and diverse collection of online works. This year, the project has come to Taiwan and will be jointly organized by National Kaohsiung Center for the Arts (Weiwuying) and the Rollo team. We hope that this joint undertaking between curators from Taiwan and Israel will serve to bridge new generations of artists as they engage in international exchange by creating works under an allotted time and theme.
\n\nPartner
\n\nISRAEL ARTISTS
\n\n\n\n
Théâtre de la Ville de Paris x Weiwuying Les Consultations poétiques et dansées
\n\nCommemorating the 2021 International Day of Consultations on September 19, Weiwuying's international partner Théâtre de la Ville de Paris will be providing large-scale art consulting events on the Jardin Nelson-Mandela. As the only collaborating venue in Asia, Weiwuying is arranging "Art Consultation Day" on the same day, welcoming audiences to experience the "therapeutic power of art" at Weiwuying.
\n\nAfter a brief opening session, our art consultants will select and read poetry, play musical instruments, make drawings, or stage impromptu opera or dance performances for the audiences. The Crown Hall on the 3rd floor and the Crown Terrace (West) will also be transformed into a relaxing space filled with flowers and plants, welcoming audiences to join in the event and enjoy poems read in Mandarin, Taiwanese and French.
\n\n\n\n
Partner
\n\nFrance|Théâtre de la Ville de Paris
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The project originates from the cooperation between Weiwuying and the young European choreographer network, Aerowaves in 2017, and launched the "Museum of Human E-motions" project across Europe and Asia supported by Creative Europe and Dancing Museums. Museum of Human E-motions is an experimental creative development of public space project presented by four international institutions supporting contemporary creations: the National Kaohsiung Center for the Arts (Weiwuying), Centro per la Scena Contemporanea Bassano del Grappa, Italy, Centre de développement chorégraphique national du Val-de-Marne, France, and The Saison Foundation, Japan.
\n\nPartners
\n\nFrance|Centre de développement chorégraphique national du Val-de-Marne(CDCN) - La Briqueterie)
\n\nHong Kong|Freespace, West Kowloon Cultural District
\n\nItaly|CSC Bassano del Grappa, B.MOTION
\n\nJapan|The Saison Foundation
\n\n\n\n\n\n
Dance en Scene - An Initiative of Commissioning New Dance Films in Asia
\n\n\n\nDance films, a coming together of two art forms that empowers dance artists and filmmakers alike to rethink movements and transform storytelling. For the second year in running, Esplanade – Theatres on the Bay joins hands with Tai Kwun – Centre for Heritage and Arts (Hong kong ), National Taichung Theater , and National Kaohsiung Center for Arts (Weiwuying) in the region through Dance en Scene, an initiative to partner art centres who are dedicated to commissioning dance films that invite artists to find inspiration from sites or themes of meanings and significance, celebrating the diversity of culture and art making of Chinese artists living in different cities.
\n\nPartners
\n\nHong Kong|Tai Kwun – Centre for Heritage and Arts
\n\nSingapore|Esplanade – Theatres on the Bay
\n\n\n\n\n\n\n\n
EUREKA! 2.0 Rediscovering Weiwuying
\n\n\n\n\n\nA central goal of the National Kaohsiung Center for the Arts (Weiwuying) is to become the innovation hub for theater-makers in Asia. In 2017, a four-year collaborative project agreement was signed with the Prague Quadrennial of Performance Design and Space (PQ). The project is a collaboration between eight partners in Czech Republic, the United Kingdom, Norway, Cyprus, Ukraine, Poland, Latvia, and Taiwan. Weiwuying, as the representative of Taiwan, was also the only Asian partner in this collaborative project.
\n\nOver the course of the project, Weiwuying has opened up new opportunities for long-term collaboration between Asia and Europe—including exchanges among emerging designers/creators, internship, and exhibition exchanges—and fostered the development of a network of young theater-makers from Asia and Europe.
\n\nPartner
\n\nPrague Quadrennial of Performance Design and Space (PQ)
\n\n\n\n
Weiwuying Contemporary Music Platform
\n\nThe Weiwuying Contemporary Music Platform utilizes music to explore history, write contemporary history, and search for future possibilities. The goal is to experiment using the aspects of performance, contemporary music academies, and international platforms to bring art creators, art performers, and audiences together, exercising the power of national stadiums to promote and create contemporary work to develop Taiwanese music and pass it down to future generations.
\n\n\n\n\n\n
The Taiwan Dance Platform is a sustainable support system connecting contemporary dance practitioners to local, regional, and international industries, enabling young artists to become involved in shows (i.e., producing or coproducing shows), Chinese/English writing (i.e., commentating and appreciating Chinese/English writing), workshops, seminars, themed image exhibitions, international professional gatherings, and experimental development space.
\n\n\n\n\n\n
Starting 2016, Weiwuying has hosted the Weiwuying Circus Platform every November, presenting Taiwan’s only circus platform bringing the professional, government, and academic sectors together to promote circus art training and development and introducing circus art into people’s lives. Weiwuying's main buildings, fully connected indoor and outdoor space, and parks allow circuses to showcase their openness and tolerance as an art and illustrate how life can be serious as well as funny, humorous, and dynamic.
\n\n\n',color:{a:1,r:0,g:0,b:0},type:"content"},{programs:[],seq:4,name:"Connection",content:'
2023
\n\n2023 FACP Kaohsiung Conference
\n\nNext Stage, Green Generation—Sustainability in Culture and Performing Arts
\n\nThe theme of the 2023 Conference will be set as sustainability with the title of Next Stage, Green Generation—Sustainability in Culture and Performing Arts in response to the critical economic and environmental conditions in the post-pandemic era faced by the sector. It will be the first gathering event of FACP in the post-Pandemic era, it will be a great opportunity for all of us to gather and exchange ideas on arts and cultures.
\n\nTime
\n\n2023/11/23-11/26
\n\n\n\n
2022
\n\nThe 2022 Internationale Tanzmesse NRW reopens in Düsseldorf
\n\n\n\nThe world's grandest platform for professional modern dance exchanges - the biennale Internationale Tanzmesse NRW -is set to reopen from August 31 to September 3, 2022, after in-person events were put on hold in 2020 due to the global Covid-19 outbreak. The four-day event will include performances, communication workshops, new project proposals, themed talks, exhibitions and a plethora of activities; This year, the exhibition looks forward to welcome more than 2,000 professionals in the dance industry from over 45 countries in Europe, the Americas, Asia and Africa etc., to connect and build a network of international collaboration.
\n\nIn 2022, the Ministry of Culture commissioned Weiwuying the task of planning an exhibition project with artist Shu-Yi Chou, titled "TAIWAN ONLINE"; to respond and look back on the abstract and concrete times in which performance arts have halted and resumed by connecting Weiwuying's Taiwan dance platform and its thread of thought in curating exhibitions. Taiwan is an island nation in Asia, and Covid-19 has led the island to rethink the meaning of "connections" and the definition of "borders." The artists' in-depth topic cultivation reflects the connection and echoes within the plight of life and explores creative methods in different distances, creating a contrast with the connection between local and international, as well as issues like bodily movement in a virtual world. "TAIWAN ONLINE" will be echoing the current situation by a cross-referencing curation concept, in hopes of presenting the truest side of life on this stretch of land during the pandemic.
\n\nNews
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2021
\n\nWOW - Women of the World Festival
\n\n\n\nWOW - Women of the World Festival will make its Taiwan debut at Weiwuying this year as WOW Kaohsiung 2021, linking art, culture, academics, communities, education, businesses, and non-profit organizations. The voices of people of all ages and backgrounds will be heard, bringing together the core spirit of #ConnectedDialogue, #EmpathyThroughTransposition, and #CelebratoryCocreation. Content includes dozens of brilliant activities and programs, including forums, participatory performances, dialogue, body and movement workshops, and a showcase screening. While listening, sharing, and re-learning, we will cooperatively explore how to achieve equality so that every woman and girl who comes will be more empowered to create a world that is equally friendly to all genders.
\n\nTime
\n\n2021/11/5-11/14
\n\n\n\n
2020
\n\n2020 FACP Kaohsiung Online Conference –The Arts Industry in the Post-Pandemic Era
\n\nAs a result of the pandemic, 2020 saw the devastation of countless industries worldwide. During these challenging times, arts institutions have been brainstorming possible solutions – how should the arts industry cope with the drastic changes to global socio-economic conditions creatively?
\n\nSince 2015 Weiwuying has been running international symposiums, making dialogues between Arts, Life and Civic Society. This year, in conjunction with the Federation for Asian Cultural Promotion (FACP) Annual Conference, Weiwuying's International Symposium on “the Arts Industry in the Post-Pandemic Era” reflects the responses from the arts industry towards the challenges and impact of the pandemic, discusses the potential transformation of arts and culture under the digital era, and the flexibility to swiftly act on a risk society.
\n\nTime
\n\n2021/11/13-11/15
\n\n\n\n\n',color:{a:1,r:130,g:130,b:130},type:"content"},{programs:[],seq:5,name:"Co-production",content:'
2022
\n\nTime
\n\n2022/10/27(Thu) - 2022/10/30(Sun)
\n\nPartner
\n\nOpéra Royal de Wallonie-Liège
\n\n\n\n
2021
\n\nA. PIAZZOLLA - María de Buenos Aires
\n\n\n\nTime
\n\n2021/9/17(Fri) - 2021/9/19(Sun)
\n\nPartner
\n\nCity Contemporary Dance Company
\n\n\n\n
2020
\n\nTime
\n\n2020/12/4(Fri) - 2020/12/5(Sat)
\n\nPartner
\n\nRimini Protokoll
\n\n\n\n
Benjamin BRITTEN : War Requiem
\n\n\n\nTime
\n\n2020/2/28(Fri) - 2020/3/1(Sun)
\n\nPartner
\n\nEnglish National Opera
\n\n\n\n
2019-2020
\n\nTime
\n\n2019/4/4(Thu) - 2019/4/7(Sun)
\n2020/8/28(Fri)、2020/8/30(Sun)
Partner
\n\nDeutsche Oper am Rhein
\n\n\n\n
2018
\n\nParadise Interrupted-An Installation Opera in One Act
\n\nTime
\n\n2018/12/8(Sat) - 2018/12/9(Sun)
\n\nPartners
\n\nLincoln Center for the Performing Arts
\n\nSpoleto Festival USA
\n\nSingapore International Festival of Arts
\n\n\n',color:{a:1,r:0,g:0,b:0},type:"content"},{programs:[{from:"articles",key:"625cd6487406e30007ca93e0",title:"身體會說話! 擁抱自己和他人的與眾不同,成為更自由而完整的人。",data:{_id:"625cd6487406e30007ca93e0",chinese:{title:"身體會說話! 擁抱自己和他人的與眾不同,成為更自由而完整的人。",introduction:"由臺灣與西班牙兩國、三城合作開展的舞蹈南方計畫,2020年在遇見國際疫情的當下,即改變策略轉為線上舞蹈影像創作交流,從新的經驗裡學習轉型、深化藝術家、機構間國際交流(新)的模式。",content:'
撰文|張欣怡
\n\n由臺灣與西班牙兩國、三城合作開展的舞蹈南方計畫,2020年在遇見國際疫情的當下,即改變策略轉為線上舞蹈影像創作交流,從新的經驗裡學習轉型、深化藝術家、機構間國際交流(新)的模式。
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後疫情時局,在各國積極為國(居)民施行不同階段的疫苗接種計畫,也因應當地疫情隨時調整的措施,除了有助防堵新的疫情擴散,也在預防和群體免疫的交互作用之下,努力讓生活日常重新回到正軌。在這個新日常的保護傘下,今年12月舞蹈南方計畫終能突破國境限制,由衛武營與嘉表共同推薦旅英長達20年的臺灣舞蹈藝術家林燕卿(Yen-Ching LIN),於11月28日自倫敦前往馬德里,進行長達16天的身體旅行。
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理解、相信、接納與肯定 身體文化的與眾不同
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燕卿抵達馬德里後的身體旅行,從為期五天的性別身體研習營作為起手式,並在平台閉幕節目中發表個人展演為這趟旅行劃下句點。每年12月的馬德里編舞平台皆以性別身體研習營和舞蹈書寫工作坊揭開平台序幕,由藝術總監蘿拉·庫敏(Laura Kumin)邀請,表演或創作多與性別議題相關的獨立藝術家參與此創作進修研習營。
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今年的研習營,以Dancing Queerness「跳出怪奇舞蹈(暫譯)」為題,由西班牙舞蹈藝術家哈維耶樂·瓦戈侯(Javiel Vaquero)-代名詞:她/她的(pronoun: she/her)擔任導師,每天早上10點至下午3點的密集課程,她與十位來自西班牙、智利和以色列的舞蹈藝術家(dance artist):Gal Levinson, Andrea El Ameri, Félix A. Arjona, Sara Coelho, Diego Rosental, Lucía Montes, Mado Dallery, Sergio R. Suárez, M.J. Minguez和燕卿,一同進行創作思辨與交流實作。
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每日密集五小時不間斷的群體生活,在導師哈維耶樂·瓦戈侯漸進式系統性的引導下,加上她樂於傾聽和無私的分享,自然而然營造出令人安心的學習環境;因此,創作者們也感受到彼此接納、理解,進而願意相互信任和給予支持的善意。參與者們在完成各種作業的同時,共同經歷原生、人工化和異質身體所帶來的改變和思考,也在來回的討論和辯證中,超越自身文化和語言的藩籬,理解不同社會結構下的酷兒文化。
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研習營期間,從個人提問、書寫乃至團體與分組討論,直到最後兩天個人及團體主題式即興實作,導師與參與者們在共同理解彼此的過程中,藉由同理、覺察需要和換位思考的練習,學習尊重生命的異質性。而創作者在個人與群體的對話裡,在每一個階段都將自己創作的維度更往前推進,不僅從傾聽和相互學習中獲得更多的勇氣,更確信作為身體表演的獨立創作者,自己的身體能作為與大眾溝通、表述藝術家思考與態度的最佳載體。
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以利他、共好,推動在地社群培力。
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這個以藝術創作者為主體的性別身體研習營,正式計畫名稱為Performing Gender - Dancing in Your Shoes「設身處地的性別展現(暫譯)」發起於2013年,每三年為一期階段性循環,為歐盟重點文化挹注項目-創意歐洲(Creative Europe)所支持。
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在歐洲的舞蹈推廣架構下,該計劃以性別議題為主軸,著重觀眾開發培育,鼓勵表演藝術及舞蹈類等文化從業人員與在地社群積極對話,並以下列四個核心價值維計畫核心:在地社群(local communities)、舞蹈創作者(Dance Makers)、研究(Research)及夥伴(Partners)。
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該計畫成員來自八個歐洲國家:匈牙利、斯洛維尼亞、義大利、西班牙、法國、荷蘭、瑞典及英國,共十一個機構包含舞蹈節、LGBTQI推動性別平權協會、大學、國際組織和劇場製作中心等。這些夥伴與在地社群深信,透過舞蹈身體作為創新的溝通工具,以開放、促進理解和同理心為方法,形成自主性社群進而凝聚共識,群策群力的規劃適合在地、跨文化社群的創作溝通及研發培力課程。
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讓表演和創作可以自由探索和成長的安心之所(safe space)
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作為上述計劃推手之一,為非官方主辦的西班牙馬德里編舞平台,由馬德里Paso a 2舞蹈文化教育機構於1987年創立,以培育、扶植西語系國家及地區之創作者為核心,並與馬德里康德杜克當代文化中心、卡納爾劇院之編舞中心(Teatros del CANAL - Centro Coreográfico)等展演場所夥伴合作。該平台創辦人暨總監蘿拉·庫敏為Aerowaves歐陸青年編舞網絡平台創辦成員,於美國成長受訓為舞者和舞蹈教師,定居馬德里後,曾任當地劇院舞蹈策展人並製作當代佛朗明哥系列舞蹈節目,以催生、推動新型態的當代舞蹈作品活躍於西班牙、西語及歐陸國家。
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該平台至今走過三十五個年頭,透過每年國際決審團的邀請、獎項頒發、創作陪伴研習營及駐村交流選薦等,發掘不少舞蹈新秀,其中大獎得主不乏與荷蘭舞蹈劇場(Nederlands Dans Theater)、臺灣舞蹈空間合作多年的西班牙編舞家瑪芮娜‧麥斯卡利(Marina Mascarell)。在蘿拉·庫敏個人跨文化的背景和善於傾聽的特質影響下,她所創立的馬德里編舞平台始終為發掘有潛力的創作者發聲,也持續的促成藝術家與在地社群(學校、社區中心)的交流,打開舞蹈直接與大眾溝通的各種可能性。
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不少參與平台的藝術家們提到蘿拉,不約而同表示:「在馬德里,只要有舞蹈發生的地方,你就會看到蘿拉的身影,哪怕只是在一個小排練室的閉門呈現,她都會排除萬難到現場看看他們的創作或研究發展。蘿拉的出現不只是了解他們的近況,更經常是詢問他們是否有需要幫忙的地方;如果有缺排練地點、需要駐村或者巡演的機會,她總是非常開放且樂於串連各種合作機會,盡可能的幫助他們的創作被大眾所理解和被更多的專業人士邀演。」
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我的身體,我的文化
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臺灣知名的工作人交流平台-Cheers快樂工作人在2018年1月號「人生課」系列文章裡,作者楊琮熙提到美國心理學家丹尼爾‧高曼(Daniel Goleman)在他的著作《EQ II:工作EQ》情緒智力(Emotional Intelligence)裡說明,處理人際關係的能力即是以同理心為基礎,可以試著從察覺他人需要、關心對方的看法與協助他人發展等原則為出發點,透過這些原則可有效的了解他人觀點,進而認知他人情緒與回應對方的感受,也同步提高個人的同理心。
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回應筆者在馬德里現場,觀察今年的性別身體研習營,經歷了最後兩天藝術家們最私密的閉門創作實驗過程:導師與十位藝術家從彼此素不相識,慢慢的從對話、思辨到共識凝聚,直到最後的團體即興呈現,相互傾聽、彼此交託和作為創作者最深處的信任,驗證了人與人之間彼此覺察需要、理解、相信,並且願意回應他人感受的同理心與尊重生命的與眾不同。
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於是,在這一處安心之所,我看見,一個自信又溫暖的群體展現出生命最純粹的美和撼動靈魂的力量。十個身體、十種文化、十個靈魂,在沒有語言只有呼吸的現場,自由、開放的探索無邊無際的界線,無所畏懼的打開自己的身體,謙卑的用心傾聽彼此的生命故事,相互學習、共同成長,珍視彼此的身體文化的不同。
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在人生道路上,Performing Gender 用生命辯證身體創作的可能。
\n\nAuthor|Gwen Hsin-Yi Chang
\n\nRecollections of the body movement series part II:
\n\nDuring the Covid-19 outbreak in 2020, the Dance South project initiated by three cities in Taiwan and Spain made a change of plans by turning to the Internet, where it conducted online exchanges on dance choreography creation and adopted a new model of learning to deepen the connection between artists and institutions from different countries.
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In the post-pandemic world, the efforts of countries around the globe in implementing vaccination plans and adjusting pandemic measures in real time effectively prevented the pandemic from spreading, and alongside the effects of pandemic prevention and vaccination, helped to get people's lives back on track. Under this new protective umbrella, Dance South was finally free from border restrictions, and in December 2021 Weiwuying and Chiayi Performing Arts Center together invited dance artist LIN Yen-Ching, a near 20-year resident of the UK, to fly out to Madrid from London to serve as the instructor of the 16-day "body tour" beginning on November 28th.
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Understanding, believing, accepting, and acknowledging the uniqueness of body culture
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Yen-Ching's body tour in Madrid started with a 5-day body seminar and ended with a solo exhibition/performance at the closing ceremony of Certamen Coreográfico de Madrid. Every December, Certamen Coreográfico de Madrid opens with the body seminar and the Writing About Dance Workshop, for which Artistic Director Laura Kumin invites indie artists whose performances/works touch on gender-related issues and topics to participate.
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The theme of the seminar this year was Dancing Queerness, which had Spanish dance artist Javier Vaquero (pronoun: she/her) as its mentor. Every day from 10 am to 3 pm, she would lead brainstorming and sharing sessions on artistic creation along with ten dance artists, including Gal Levinson, Andrea El Ameri, Félix A. Arjona, Sara Coelho, Diego Rosental, Lucía Montes, Mado Dallery, Sergio R. Suárez, M. J. Minguez, and Yen-Chin.
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Through a steady group life that ran uninhibited for 5 hours every day, combined with mentor Javier Vaquero's systematic mentoring, active listening, and self-less sharing of experiences, a comfortable learning environment was naturally created for the participants. The dance artists felt mutual acceptance and understanding and thus were willing to trust and support each other. As they went on to finish assignments, they experienced the changes and new ways of thinking engendered by original, artificial, and heterogeneous bodies, while during the back and forth discussions they were able to overcome the barriers of language and culture and gain a better understanding of the queer cultures that exist under different social structures.
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Throughout the duration of the seminar, from the individual questions and writings and group discussions to the individual and group thematic improvisation projects during the final two days, both mentor and participants learned how to respect the heterogeneity of life through engaging in practices on empathy, needs awareness, and perspective taking in the process of getting to know one another. These dance artists broadened the scope of their works through self and group conversations; they not only became more courageous, but made sure that, as indie artists that perform with their own bodies, their own bodies were the best vehicle for communicating with the public and expressing their ideas and attitudes.
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Empowering communities through altruism and the pursuit of common good
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With Performing Gender - Dancing in Your Shoes as its official name, this gender body seminar targeting creators was first held in 2013. The seminar is held once every three years and is sponsored by Creative Europe, a major cultural project of the EU.
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Under the framework of European dance promotion structures, the project focuses on gender issues, emphasizes audience cultivation and development, and encourages performing artists and dancers to actively converse with local communities. The project has the following four core values: local communities, dance makers, research, and partners.
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Members of the project are from eight different countries, including Hungary, Slovenia, Italy, Spain, France, the Netherlands, Sweden, and the UK, and eleven institutions, including dance festivals, LGBTQI gender equality associations, universities, international organizations, and theater production centers. These partners and local communities believe that through using dance as an innovative communication tool and the means of openness, empathy, and a willingness to understand, an autonomic community can be formed and a consensus can be reached in regards to the designing of courses on creation communication and research empowerment that are suitable for local communities and cross-cultural groups.
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A safe space for performers and creators to freely explore and grow
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One of the facilitators of the above project, the non-government organization Certamen Coreográfico de Madrid (Madrid Choreography Platform) was founded by private dance and cultural education institution Paso a 2 in 1987 for the purpose of cultivating and supporting artists in Spanish-speaking countries/regions and has collaborated with performance/exhibition venues such as Condeduquez Centre of Contemporary Culture and Teatros del CANAL - Centro Coreográfico over the years. The platform's founder and director Laura Kumin was a founding member of Aerowaves, a choreography network for young people in Europe, and was trained as a dancer and teacher in the United States, where she took on the role of curator for dance shows at a local theater and produced contemporary flamenco shows. Laura is actively facilitating and supporting new contemporary dance works in Spain, other Spanish-speaking countries, and other European countries.
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Throughout the past 35 years, through accepting invitations to participate in international panels, giving awards, and holding choreography accompanied workshops and residency programs, the platform has discovered many dance talents, with one of such award winners including Spanish choreographer Marina MASCARELL, a long-time collaborator of Nederlands Dans Theater and Dance Forum Taipei. Under the influence of Laura KUMIN's cross-cultural background and exceptional listening ability, Certamen Coreográfico de Madrid continues to develop the voices of up and coming choreographers, facilitate exchange between artists and local communities (school and community center), and explore the possibilities of directly communicating with the public through dance.
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When speaking of Laura, many participating artists had similar things to say, "In Madrid, wherever there's dance, there's Laura. She'd make every effort to attend even a private presentation in a small rehearsal room to see choreographers/dancers' works or research development. In addition to understanding how they are doing, Laura often offers to help; whenever someone needs a rehearsal space or residency/touring opportunity, she's always open about it and would try to arrange collaborations so that their works could be understood by the public and receive invitations from other dance professionals to give performances."
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My body, my culture
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On the famous Taiwanese working people's exchange platform Cheers, in the articles series Life Lessons, author Askats YANG spoke of American psychologist Daniel GOLEMAN's description in his book Working with Emotional Intelligence that in regard to emotional intelligence, the ability to handle relationships is based on empathy. By starting with being aware of the needs, paying attention to the viewpoints, and assisting in the personal development of others, one is able to more effectively understand the views, acknowledge the emotions, and respond to the feelings of others, all the while developing their own empathy.
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To apply the above to my time in Madrid, this is what I observed at the gender and body seminar this year: the mentor and ten artists that were originally unfamiliar with each other started off by having conversations and group thinkings/discussions. Then were then able to gradually gather a consensus, and in the end present group improvisations, listen to one another, and grant each other the deepest trust of a creator. This process taught them to respect the eccentricities of living beings and also demonstrated the existence of human empathy. Empathy—that which allows people to be aware of others' needs, understand and trust each other, and respond to each other's feelings.
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Therefore, I saw in this safe space how a confident and warm group demonstrated the purest beauty of life and soul-shaking power. In a space without language, where one could hear only the sound of breathing, ten bodies, ten cultures, and ten souls freely and open-mindedly explored the infinite, fearlessly opened their bodies, learned from each other, grew together, and valued the difference of each other's body.
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On the path of life, "performing gender" exemplifies the possibilities of artistic creation through life.
\n\n撰文|張欣怡
\n\n【身體移動系列筆記之一】
\n\n當飛機安全降落後,映入筆者眼簾的是西班牙首都馬德里最繁忙的國際交通樞紐 - 馬德里巴拉哈斯機場的第四航廈,即將跨入2022年的此刻,正是新的變種病毒(Omicron)於部分國家現蹤之際,雖引起各界升級警戒,但未減川流不息的航班起降,而航站內各地出入境的旅客仍是絡繹不絕。旅客們的面部特徵由各形各色的醫療口罩取而代之,現場隨處可見提供旅客免費使用的手部消毒液和乾洗手清潔站。
\n\n2021年12月初冬的馬德里,氣候乾冷,藍天暖陽伴著10度上下的溫度,思緒和五感在迎面而來的冬風吹拂之下變得更加敏銳。自機場航廈搭乘地鐵前往位於市中心的康德杜克當代文化中心(Condeduquez Centre of Contemporary Culture)約50分鐘的交通時間,該文化中心為西班牙馬德里編舞平台(Certamen Coreográfico de Madrid)舉辦多年來主要的展演活動場地。
\n\n康德杜克當代文化中心佔地近6萬平方公尺,為馬德里市政府轄下三個重要的文化機構其中之一,整體建築建於西元18世紀初國王菲利普五世時期,由當時知名的巴洛克風格建築師佩德羅·德·里貝拉(Pedro de Ribera)擔綱設計興建完成,為當時皇家護衛軍之軍營,爾後由馬德里市政府重新規劃成為複合式當代文化中心,包括馬德里當代藝術館、不同大小的多功能展演空間(鏡框式劇場、排練室)、馬德里城市檔案資料館以及5座圖書館等,該建物於1976年正式登錄為世界文化遺產。
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交流和移動的自由
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由衛武營國家藝術文化中心發起的臺灣與西班牙當代舞蹈創意國際交流計畫 -「舞蹈南方」(Dance South),與嘉義縣表演藝術中心、西班牙馬德里編舞平台自2017年開啟三方機構對話,歷經四年期間,每年自嘉義新舞風、臺灣舞蹈平台共同選送臺灣舞蹈創作者及藝評人:2017年為蘇品文、2018年簡晶瀅及林育世、2019年蘇品文《少女須知》及2020年田孝慈(因疫情延至2021/2022)前往西班牙參與性別身體研習營、女性舞蹈書寫工作坊及展演櫥窗系列。
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以推動兩國舞蹈人才共學共創為目標,三方機構於2020年11月第三屆臺灣舞蹈平台(Taiwan Dance Platform)期間,正式宣告「舞蹈南方」三方舞蹈編創人才之合作計畫;今年11月,於嘉義潮間帶舞蹈節期間,完成三方合作備忘錄簽署,積極推動未來兩國之間更密切的舞蹈創作人才交流。
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回顧2020年,當時各國封城且封鎖邊境,舞蹈南方交流計畫於抗疫期間,透過主題策劃線上講座及以「移動自由」(Freedom of Movement)- 超越亞洲與歐洲的舞蹈旅行為題,結合衛武營駐地藝術家周書毅與台灣數位藝術中心(Digital Art Center, Taiwan)於疫情爆發初期所創作的「一分鐘放映舞台」(Weiwuying ONE Minute VR Stage),邀請臺灣與西班牙共35位舞蹈影像創作者進行交流。同時,在臺灣駐西班牙代表處文化組的全力支持下,由西班牙馬德里編舞平台邀請、臺灣舞蹈
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\n平台選薦五支臺灣舞蹈影像,分別為林燕卿《斷》(Fragment)、蘇品文與看嘸舞蹈劇場《STOP》、周書毅與導演周延賢《等待》、導演林婉玉《天井的回憶》以及趙卓琳與田孝慈《灰的漂盪》創作,於馬德里康德杜克當代文化中心現場展出。
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在全球疫情蔓延的兩年後,人類出外旅行和身體的移動成為最奢侈的自由。而國際交流的目的也在此時出入不易、風險倍增又所費不貲的層層限制下,產生了新的提問而必須為其價值重新定錨,並在持續的嘗試中找到永續的方法。在不斷的變動中,場館與國內外合作夥伴透過持續對話,提出回應和具體的行動,如何突破限制和既定俗成的框架,成為當前跨文化合作及人類文明發展必須共同面對的挑戰。
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\n',picture:{key:"b697f071f5e66c3219dde7b8337df4ee",description:""},onShelf:!0,onShelfRange:{start:null,end:null}},english:{title:"Dance South: cross-country dance journey based in the south",introduction:"When landing at the airport, what appeared before my eyes was the busiest international transportation hub in Spain's capital Madrid – the fourth terminal of Madrid-Barajas Airport.",content:'
Author|Gwen Hsin-Yi CHANG
\n\nRecollections of the body movement series part I :
\n\nWhen landing at the airport, what appeared before my eyes was the busiest international transportation hub in Spain's capital Madrid – the fourth terminal of Madrid-Barajas Airport. Though this was at the end of 2021, when Omicron had just emerged in a number of countries, leading to a raising of the global epidemic alert level, flights continued to land and take off from the airport uninterrupted and the terminals were crowded with passengers checking in and out. The facial features of passengers everywhere were substituted with face masks of various shapes and colors, while free disinfectants and hand sanitizers could also be seen everywhere in the airport.
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The weather in Madrid in December 2021 featured a dry and cold climate, blue and sunny skies, and a temperature of around 10-degrees Celsius, while my thoughts and senses became keener as I made contact with the winter breeze. I left the air terminal and boarded the metro for Condeduquez Centre of Contemporary Culture downtown Madrid located 50 minutes away from the terminal. The venue had served as the main site for the events held by Certamen Coreográfico de Madrid throughout the course of many years.
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Occupying close to 60,000 square meters and one of the three important cultural institutions supervised by the City Council of Madrid, Condeduquez Centre of Contemporary Culture was built in the 18th century during Philip V's period and designed by renowned Baroque architect Pedro de Ribera. The Centre originally served as the military camp of the royal guard, but was later renovated into a multi-functional contemporary cultural center by the City Council of Madrid, and consists of Museo de Arte Contemporáneo, multi-functional performance/exhibition venues (proscenium stage and rehearsal rooms), Museum of History of Madrid, and five libraries. In 1976, the Centre was officially included in the World Heritage List.
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The freedom to communicate and move
\n\nDance South, a contemporary dance creative international exchange project of Taiwan and Spain held by National Kaohsiung Center for the Arts (Weiwuying), started a three-way communication with Chiayi Performing Arts Center and Certamen Coreográfico de Madrid in 2017. In the past four years, the project sent choreographers and art critics from Chiayi New Style Choreography and Taiwan Dance Platform every year to participate in gender and body seminars, Female Writing About Dance Workshop, and performance displays in Spain. Past participants include SU Pin-Wen in 2017, CHIEN Ching-Ying and LIN Yu-Shih in 2018, SU Pin-Wen's Girl's Notes in 2019, and TIEN Hsiao-Tzu in 2020 (postponed to 2021/2022 due to Covid-19).
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With a goal to facilitate the exchange and learning between dancers/choreographers between Taiwan and Spain, the three institutions announced Dane South, a project focusing on the collaboration between dancers/choreographers, at the third Taiwan Dance Platform in November 2020. In November 2021, the three institutions signed the collaboration memorandum at the Chiayi Intertidal Dance Festival to actively promote closer collaboration and exchange between choreographers in Taiwan and Spain.
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In 2020, while countries around the world implemented lockdown measures and closed borders, Dance South organized topical online speeches and the "Freedom of Movement – overcoming the boundary between Asia and Europe" event, which incorporated the Weiwuying ONE Minute VR Stage created by artist-in-residence at Weiwuying CHOU Shu-Yi and Digital Art Center during the initial outbreak of Covid-19 in Taiwan and invited 35 choreographers/film makers from Taiwan and Spain to exchange ideas. In the meantime, with full support from Taipei Economic and Cultural Office in Spain, five dance films of Taiwan were selected by Taiwan Dance Platform and invited by Certamen Coreográfico de Madrid to exhibit at Condeduquez Centre of Contemporary Culture: Fragment by LIN Yen-Chin, STOP by SU Pin-Win and Kua Bo Dance Theatre, Awaiting by CHOU Shu-Yi and director Bogi CHOU, Memories of the Tenjo by LIN Wan-Yu, and Drifting Dust by Adrianne CHIU and TIEN Hsiao-Tzu.
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It's been two years into the spread of Covid-19, and travelling and physically moving to other places have become a luxury too costly to afford. Faced with physical restrictions, high risks, and high expenses, we encountered new questions and must therefore redefine the value of international exchange and find a sustainable solution through continuous effort. In this ever-changing environment, how performance/exhibition venues should respond and take actions to break the limits and the norm through continuous communication with foreign and domestic partners is a collective challenge for cross-cultural collaboration and the development of human civilization.
\n\n文|劉純良
\n\n由WOW世界女性藝術節創辦人裘德.凱莉(Jude KELLY)主講的最後一場對談「平權路上缺你不可」,由凱莉於線上主講,由兩位即席口譯配合字幕與手語老師進行翻譯。因為家人疑似感染新冠肺炎,凱莉一開始是坐在車子上開講;這也是全球面臨新冠肺炎的真實,車子都能成為演講的地點。
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凱莉從二十歲開始劇場導演創作,其後成為南岸藝術中心總監,負責制定各種行政政策。事業成功的凱莉,不免也會面臨社會對職業女性的迷思與制約:事業與家庭兼顧。凱莉指出,無論一個國家進步程度為何,此時此刻並無真正性別平等的國家。就算在當代民主國家,社群網站的女性身體意象、 性侵害、家暴、性騷擾依舊無所不在。當然這並非專屬於女性的問題,但在此時此刻,女性在以上議題確實受到更多拘束與傷害。
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在藝術的領域與歷史中,女性若非隱形,便是需要奮力方能證明自己。女性的故事被認為專屬於女性,男性的故事卻往往被認為關乎全人類。凱莉說自己很幸運,她的父親非常愛女兒,也期待她的事業成功。當凱莉開始職業生涯,她曾以為性別平等會在二十年後發生,現在卻覺得或許到她身後也未必有真正的性別平等。正因如此,創辦女性藝術節變得至為重要,畢竟凱莉也仰賴著前人為性別平權鋪路,方能擁有成功的事業。
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由英國開始的女性藝術節,除了藝術節目,也邀請不同領域的女性工作者(例如舉重選手)進行分享。藝術節作為平台,相較於戲劇,可以讓精彩的節目同時發生,從而吸引更多人依據個別興趣前來。縱使是以女性為名的藝術節,凱莉期許不同性別共同參與。女性無需單打獨鬥或者困在二分法中,男性也很重要。在藝術節,多元的活動讓人不僅願意造訪,還能持續「再訪」;藝術節就像是個多元的商店,每個人都能買到喜歡的東西。為此,藝術節需要大量的資金與人力資源。
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女性藝術節最重要的特質是「誠實」與「勇氣」;女性藝術節要能創造讓彼此談論困難議題的空間,那其中或許包含了許多令人感到羞恥的內容,牽涉性別暴力、流產…等。藉由談論這些議題,我們能審視、批評社會,將不同的議題由點連成線、連成面。「想像力」是鬆動性別規範的核心,無論男女,凱莉邀請大家共同想像一個性別平權的世界;在那個世界,男人無需擔憂不能流淚、不必作做家庭經濟的核心,女性無需困於家庭事業兼顧的潛規則。而女性藝術節如何能邀請更多男性參與,以深入了解彼此的故事?凱莉表示,多多開口邀請他們,是開啟溝通的方式。
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在成長階段,有人喜歡凱莉的勇氣,也有人希望她停滯不前,無論是什麼態度,都只會更堅定她的決心。儘管前路依舊崎嶇,遇到平權議題倒退也會深感失望,凱莉並不曾想過放棄。原本只是作為服務當地社區,激發討論與分享故事的女性藝術節,至今已經有十七個國家(巴基斯坦、澳洲、巴西⋯等)創生參與。每個國家、城市都有特殊性,如何確保當地特質與文化得以彰顯?凱莉表示她們總是跟很棒的人一起工作,在合約中也確保要有長期的田野調查與工作坊。
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不同的國家有不同的議題,讓社會各角落的動人故事可以被分享,是凱莉創辦女性藝術節的初衷。對女性藝術節的未來,凱莉期許能夠前往小鎮,去到更多不容易討論困難議題的所在。共同創造得以多元想像、親密分享的平台,這正是藝術節的美好之處。
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\n\n【WOW高雄2021世界女性藝術節】對談時光 — 平權路上缺你不可
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1.觀眾問答時,凱莉透露她也舉辦了以男性為名的藝術節。
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\n',picture:{key:"60280cb77af0f64c7bfb3eaa82e9a7c5",description:""},onShelf:!0,onShelfRange:{start:null,end:null}},tags:["5af04bf0beda2e0005bbb3f6"],programs:[],top:!1,createdAt:1640573644,updatedAt:1640575466,updatedBy:"林蔚行"}},{from:"articles",key:"61c07374bf4bbf000b5942ba",title:"I see you: 以眼睛交流的手語藝術諮詢",data:{_id:"61c07374bf4bbf000b5942ba",chinese:{title:"I see you: 以眼睛交流的手語藝術諮詢",introduction:"我曾經到法國巴黎旅行兩次,而在這座城市步行總帶有第一次的新鮮感。",content:'
照片:©林峻永
\n\n文|林瑋萱(聽障藝術家、作家)
\n\n我曾經到法國巴黎旅行兩次,而在這座城市步行總帶有第一次的新鮮感。巴黎對我來說是具有魔法的城市,在任何公共的空間或者走路拐一個彎,街角的一段旋律、歌聲、塗鴉和舞蹈都會讓你駐足停留,並會心一笑。2021年九月有巨大的布包裹著凱旋門,實現著已逝Christo&Jeanne-Claude創作雙人組的作品,引領著我們對空間改造的想像。同時,「衛武營國家藝術文化中心」與「巴黎市立劇院」正同步接力展開藝術諮詢日。
\n\n9月19日是巴黎市立劇院主辦的國際諮詢日,有23種不同的語言包括手語,於巴黎市中心尼爾森曼德拉花園進行大規模的藝術諮詢活動,主辦方也邀請多國藝文相關場館進行同步串聯活動,而衛武營是唯一受邀參加的亞洲夥伴。在活動開始之前,衛武營安排並邀請居住在巴黎的演員/導演楊宜霖學姊,與我們個別一對一線上諮詢的課程,讓我對藝術諮詢日的流程與意義有了更具體的想法。
\n\n在衛武營充滿流動及有機線條的建築空間裡,不規則塊面及大片自然光灑落的玻璃空間裡,有九位藝術家穿上醫生白袍化身為「藝術諮詢師」,分佈在樹冠大廳的露臺、走道邊和櫥窗的空間裡。依著觀眾當下心情或想說的話,由藝術諮詢師為一對一參與的民眾挑選詩、詞,進行現場朗誦、樂曲彈奏及繪畫,甚至即興表演一段戲曲或舞蹈,讓開放式的現場轉化成專屬於個人的小宇宙,更是滋養心靈的一場交流饗宴。
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「你手語的名字是什麼?」
\n\n我有幸受邀參加《衛武營藝術諮詢日》當手語藝術諮詢師,在第一場時有點緊張,想起這活動的重點是要把對方當你的朋友,告訴自己要放輕鬆聊天。手勢尚未在凝結的空氣中揮動時,彼此的眼神就已經先交會了,接著,雙手便很自然地比著手語問候「你手語的名字」,僵硬的身體在比出來的當下時瞬間被帶有人情味的肢體語言融化,就沒有這麼緊張了。就如同國外擁抱的文化,以及親吻臉頰的問候一樣。雖在疫情期間,口罩遮住了我們細微的臉部表情和微笑,但眼神和手語仍溫暖地釋出善意的光芒,創造出讓對方「可以安心地表達的場域」。
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為你,畫一張屬於你的畫
\n\n我所諮商的四位聾人/聽障民眾們,年紀約落在60歲左右,最大的有69歲。其中,有一對夫妻一起參與諮詢,兩人皆有繪畫的背景,他們知道我是繪畫創作者也是作家,一開始就先問我是靠什麼樣的信念去繼續繪畫呢?簡單分享我的創作經驗後,接著,我把繪畫主題的球拋給對方,並邀請對方當我的主角,換我來傾聽他們的聲音。
\n\n參與的民眾分享著在疫情生活下的點滴,有苦有樂,因科技的發達帶來網路的普遍,以及手機視訊的便利,適時地排遣民眾苦悶的心情,所以一切都安好。十分鐘的對話的時間不長,但放鬆的氛圍像是好久不見的老朋友相聚般愉快,之後便邀請對方觀看我為他們「量身訂製」的繪畫。雖說是量身訂製的繪畫,但內容其實是由我和這位民眾的對話/手語共同創作出來的,只是藉由我的手將這幅圖畫展現出來。繪畫裡的點、線、面在對話過程中就已經展開,並連接著對方的談吐、氣息和感受,所傳遞出的力量有強弱、柔軟、剛硬等,皆成繪畫的靈感之處。為著相遇的這刻,開啟一段深刻的談話;也為你,畫一張屬於你的畫。
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祝福的處方簽
\n\n整個諮詢在最後離開時,有一個處方簽要給參與的民眾,如同去醫院或診所看完病要去領藥般,不同的是,這個處方簽是一個「祝福的處方簽」。我會邀請對方,依照我在處方簽寫的內容去做一件事。好比說,有位年紀稍長的民眾給我印象非常深刻,在與她對話中直覺她是個享受睡眠的人,因此我在處方簽上寫:「請在連續三天的任何時刻,把冰塊放在嘴裡含著,靜靜地感受它傳來冰涼的溫度。」對方看完馬上回應說,我有說到他心裡的感受,像是在睡覺時有清涼的微風吹過臉龐,會覺得很舒服。他對我說,雖然我們只是說著簡單的對話,但讓他內心有股湧上來想哭的感覺。這是溫暖的交流嗎?
\n\n在這次的藝術諮詢日中,我作為一名手語藝術諮詢師,在當天活動完之後回到我居住的城市,很神奇地,我也感受到滿滿的能量注入至我的生命裡。我想對當天所有參與的民眾說:當你們正在進行處方簽的時候,希望能夠想起我們的對話,成為彼此生命中最難忘的藝術連接旅程。
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\n\n\n',picture:{key:"5af51678dfc089d5888a14af5e9520f7",description:""},onShelf:!0,onShelfRange:{start:null,end:null}},english:{title:"I see you: Sign Language Art Consultation that Communicates with the Eyes",introduction:"I have visited Paris twice in the past. Walking in the city always brings new experiences, as if seeing it with fresh eyes. ",content:'Photo ©林峻永
\n\nWritten by LIN Wei-hsuan, hearing-impaired artist and writer
\n\nI have visited Paris twice in the past. Walking in the city always brings new experiences, as if seeing it with fresh eyes. For me, Paris is a magical city; enter any public space or take a turn during your walk, and you will be stopped in your tracks by music, singing, street art, or dance, bringing a smile to your face. In September 2021, our imaginations towards space were inspired by the large L'Arc de Triomphe, Wrapped, created by the late art duo Christo&Jeanne-Claude; also arranged in the same month, Weiwuying (National Kaohsiung Center for the Arts) collaborated with Théâtre de la Ville de Paris to present Art Consultation Day.
\n\nThe International Day of Consultations of France is on September 19, which was presented in 23 languages, including sign language. The large-scale event was organized at Jardin Nelson Mandela at the center of Paris. The organizer invited many art venues around the world to participate in the event, with Weiwuying being the only participating venue based in Asia. Before the event, Weiwuying asked Paris-based actress and director YANG Yi-lin to hold a one-on-one online consultation course with us, which gave me a more concrete grasp on the procedure and objective of art consultation day.
\n\nWithin Weiwuying's dynamic architectural setting and space illuminated by natural light falling through the irregular-shaped glass, nine artists wearing white robes and stationed in the terrace, corridor, and cased spaces of The Crown Hall were transformed into "art consultants."The art consultants selected works of poetry for each individual; the works were customized to the audience's mood or messages they wanted to convey, and were performed through reciting, musical instrument, painting, or even impromptu opera or dance, transforming the event into a bespoke universe for each individual and a nourishing feast for the mind.
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"What's Your Name in Sign Language?"
\n\nI am honored to have been invited to participate as a sign language consultant at Weiwuying Art Consultation Day. I was a bit nervous during the first session, but I remembered that the aim of this event was to view the other person as my friend, and I told myself to relax and engage in casual conversation. Before the hands started moving in the air, our eyes already met, and then the hands organically signaled greetings that enquired the other's name in sign language. The originally stiff, uneasy body is suddenly relaxed by warm body languages, and I was no longer nervous; it's like hugging in foreign cultures, and greeting others by kissing on the cheeks. Although the nuances of our facial expressions and our smiles are hidden behind face masks because of the pandemic, our eyes and sign language still convey friendliness and warmth, creating "a safe space to talk freely."
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A Painting Just for You
\n\nThe four consultees with hearing impairments that I conversed with were around 60 years old; the most senior one was 69. Among these four individuals were a couple who could both paint. They knew that I am a painter and writer and first asked what kind of mentality sustained my painting career? After briefly sharing my creative experience, I handed the theme of painting back to them and asked them to be my subjects: it was my turn to listen to them.
\n\nThe participants shared what their lives were like during the pandemic. There were moments of pain and moments of happiness. The advancement of technology, connectivity of the internet, as well as the convenience of video calls more or less alleviated the misery during the pandemic. A ten-minute conversation might not be a long time, but the lighthearted atmosphere allowed the experience to resemble a reunion between old friends. Afterward, I invited them to enjoy the paintings that I customized for them. Although I say the paintings are "customized,"the work is actually a collaboration based on the conversation/sign language between the person and myself; I merely translated it into painting. The painting's points, lines, and planes are inspired by the intensity or softness of the person's expressions, ambiance, and feelings. Extend our encounter into a deep conversation, and let me create a painting just for you.
\n\nThe Prescription Slip of Blessings
\n\nAt the end of art consultation day, I prepared a prescription slip for participants. The prescription slip is like the note that people receive after a doctor's appointment, but this is "a prescription slip of blessings."I invited the participants to engage in an activity that I wrote in the slip. For instance, an elderly participant left a deep impression. After our conversation, I had the feeling that she is someone who enjoys slumber. And so, in the prescription slip, I wrote: "Put an ice cube in your mouth and feel its coolness. Do this at any time of day for three consecutive days."After reading this, she immediately said that I articulated how she felt, just like a cool, comforting breeze stroking the cheeks during sleep. She said to me, although we only engaged in ordinary conversation, she felt like she was about to cry. Perhaps this counts as heart-warming interaction?
\n\nAfter the event ended, I returned to the city that I lived in. As a sign language art consultant for the event, I, too, felt a miraculous sense of refreshment and encouragement. I would like to say to everyone who participated that day: I hope you will remember our conversation when you are following the prescriptions, and allow the experience of connectivity through art to become an unforgettable experience in your life and mine.
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Théâtre de la Ville de Paris x Weiwuying Les Consultations poétiques et dansées
\n\n\n',picture:{key:"adebed81026379e3937e78185a54de9b",description:""},onShelf:!0,onShelfRange:{start:null,end:null}},tags:["5b10e3c9f295ec000672a6d4"],programs:[],top:!1,createdAt:1640002420,updatedAt:1653044950,updatedBy:"通泰系統管理員"}},{from:"articles",key:"60d2b186de66e700072de180",title:"為什麼我們需要女性藝術節",data:{_id:"60d2b186de66e700072de180",chinese:{title:"為什麼我們需要女性藝術節",introduction:"雖然世界上有50%的女性和50%的男性,但是,我們的社會,卻以男性作為人類的範本。一提到「人類」,往往自動預設是男性,唯有指明「女人」,腦中才會想到「喔,她在講女性」,明明女人和男人都是人類,不是嗎。",content:'
文|魏琬容 OISTAT國際劇場組織執行長
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有一隻年老的金魚,遇上了一隻年輕的金魚。
\n\n老金魚開口問「你好啊,今天的水游起來如何?」
\n\n年輕金魚說:「水?水是什麼?」
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我很愛這個故事,它精準捕捉了女性所面對的困境,雖然這故事的本意跟女性主義不見得有關聯。
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對於人類而言,我們的「水」是什麼呢?
\n\n水是我們每一天睜開眼睛,所碰到的一切:書、電影、文學、戲劇、法律、制度、飯桌上的談話、手機的尺寸....... 所有圍繞在我們身邊的一切。
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雖然世界上有50%的女性和50%的男性,但是,我們的社會,卻以男性作為人類的範本。一提到「人類」,往往自動預設是男性,唯有指明「女人」,腦中才會想到「喔,她在講女性」,明明女人和男人都是人類,不是嗎。
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男性是社會預設值,就像電腦預設字型是新細明體。
\n\n把男性當作人類的預設值,是一個歷史久遠的思考偏誤,這樣的思考偏誤,滲透到每一個面向,從車子到手機,眾多設計只考量男性的尺寸,就連看似中立的醫學也逃不過,某支新冠肺炎疫苗,受試者竟然八成是男性。(女性也會感染新冠肺炎啊)
\n\n人們所讀的所聽的內容,只有極少數是女性創作的。電影中,男性露臉的機會高於女性,男性角色的對白也遠遠超過女性。如果有女性角色,他們多半被描繪成被動、順從、環繞男性的存在。女性是服務者,男性是掌權者,男性的視角掌握了大多數的內容,然後這些內容再回過頭來,強化人們心中對於性別的錯誤期待。
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換言之,雖然女性人口占了總人口的一半,但我們所建構的社會,並非忠實反映「自然性別比」,而是一個嚴重失衡的曲解版世界。女性被認為是「小眾」、「少數」,儘管統計上並不如此。
\n\n任何一個制度設計如果排除了地表一半的人口,我們都不可能讓它通過,但是,如果被排除的是女性,人們就覺得沒關係。
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這就是我們的「水」,並不中立,也不透明。如果沒有覺察到我們的社會是建構在某種偏誤之上,那我們就會是那隻年輕金魚:一輩子都活在水裡,卻從來沒有見過水。
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身為女性,活在一個以男性為預設值的社會,像是穿了一件太小的衣服,並不是從小到大都穿同一件衣服,而是隨著身體成長,每一次換到的衣服鞋子總是小一號,然後,被迫穿著這小一號的鞋子去賽跑、去競爭。
\n\n穿著小一號的鞋子賽跑,並不是最難的。最難的是「穿著衣服改衣服,試圖把衣服改成合適尺寸」,從出生起,每個人的思考行為都受到社會影響,我們無法像做實驗一樣,按個鈕先清除所有的偏見,再來重新塑造一個新可能。我們無法離群索居去打造一個中立社會,也不需如此,而我們可以透過思辨,去梳理社會的缺口、我們可以透過討論,去想像社會可能的樣貌。
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這就是我們為何需要女性藝術節。
\n\n女性藝術節提供一個自在空間,讓我們去剖析女性所面對的障礙,深入看看究竟是何種阻礙,讓女性無法百分百的發揮潛能。
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是職場把男性設為主體,制定了對女性不利的規則?
\n\n是家庭丟了太多無薪照顧責任在女性身上?
\n\n是學校灌輸了不合時宜性別的期待?
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女性藝術節是不是排擠男性呢?不是的,長頸鹿藝術節(如果真的有這個藝術節的話)是給關心長頸鹿處境的生物,而不是只有長頸鹿才能參加。
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所以,故事開頭那兩隻金魚,在你腦中雌性、還是雄性呢?
\n\n如果你腦海中的金魚是雄性,沒關係,你不孤單,百分九十的人都是如此,連我也不例外。我讀到這個金魚故事時,腦中浮現的聲音是男性聲音,老金魚是摩根費里曼,年輕金魚是賽斯羅根,明明我知道那麼多優秀的演員,但直覺仍然跳出男性聲音,你看,社會灌輸的思考偏誤威力有多大。
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也許有些人會質疑「憑什麼沒有男性藝術節」,我的回答是,我也非常希望那一天來到,那表示女性聲音不再被視為少數、小眾。於是,男性與女性的的困境需要花同等篇幅來討論。如果真有那一天,應該是孩子讀到「人類」二字,也會想到女性,而不是只有理所當然的只想到男性。
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但我們還沒走到那裡。
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我們應該要停止假裝這社會已經很平等,好好認識我們所處的「水」,而女性藝術節,是一個很好的開始。
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\n\n\n\n\n',picture:{key:"8bd3e29e306e45a0a4f6d43905a7d81f",description:""},onShelf:!0,onShelfRange:{start:null,end:null}},english:{title:"Why We Need the Women of the World Festival",introduction:" ",content:'
PHOTO: ©WOW Bradford in the UK (Karol Wyszynski/The WOW Foundation)
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Written by WEI Wan-jung Executive Director of OISTAT
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An old goldfish came across a young one and said,
\n\n“Hello! How's the water today?”
\n\nThe young one replied, "Water? What's that?
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Even though the story was not really meant to be a comment on feminism, I love it because it hits the nail on the head in portraying the difficulties faced by women. What is the "water" for humans? It's everything we see each day, everything in our lives: the size of your smartphone, conversation at the dinner table, books, films, literature, theater, law, systems, etc. Though the global population is 50% female and 50% male, society holds the male as the representative of what a human is. Whenever someone mentions the word "human," the listener usually automatically thinks of men. The brain only realizes, "Oh, this person is talking about women," if such words as "women" are explicitly stated. But that's weird, because women and men are both human, right?
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Men are the "default" of society, just like your computer's default font might be Times New Roman. Holding men as the default of society is a cognitive bias that has endured for ages and has penetrated every aspect of our lives. From cars to phones, the grand majority of product designs only take the size of the male body into consideration. Even medicine, which one would think to be neutral, is no exception: 80% of trial subjects for one of the Covid vaccines were male! (Didn't the developers know that women get Covid too?)
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Of everything that people hear and read, only a small number come from women. In film, the amount of screen time and number of lines a male actor gets are far greater than those of his female counterpart. Moreover, female characters are usually portrayed as passive and obedient, and their lives usually revolve around those of the male characters. Women serve and men hold authority. Most of the content is delivered from the male perspective, reinforcing people's erroneous gender-based expectations. In other words, even though women account for half of the population, the society we have established does not faithfully reflect the natural sex ratio. Instead, the world has been twisted into a serious imbalance. Women are viewed as a minority even though statistics prove otherwise. If you disregarded half the people on the earth in the design of any system, it would by no means be approved—that is, unless those being disregarded were women, in which case people wouldn't really care. This is our "water," neither neutral nor transparent. If we can't see that our society is founded on a certain bias, then we are just like that young goldfish: Despite living in water our whole lives, we will have never seen it.
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Being a woman in a society with men as the default is like wearing clothes that are too small. You can't wear the same size your whole life; you have to get bigger clothes as you grow. But every time I get a new outfit and shoes, they're always a size too small, yet I'm forced to wear them. I'm forced to run races while wearing shoes that are too small. But racing in shoes that are too small is not the hardest thing. The hardest thing is trying to alter my clothes so they'll be the right size while wearing them. From birth, everyone's thoughts and behaviors are influenced by society. You can't just press a button and make all the bias go away to start over and create new possibilities. We can't leave this society to create a new, equal one. Nor do we need to. Through critically thinking, we can figure out where the breaches are in society, and through discussion, we can imagine what society can be like.
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This is why we need the Women of the World Festival.
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It provides a space where we can analyze the obstacles faced by women and look deep inside to find out just what is keeping women from reaching their full potential. Is it that the workplace default is men and thus sets rules that are unfavorable to women? Is it that too much of the responsibility of unpaid care work at home is placed on women's shoulders? Is it that schools are instilling inappropriate expectations for gender roles? Does the Women of the World Festival exclude men? No. The Giraffes of the World Festival (if such an event existed) would not only be for Giraffes to participate in—it would be open to any animal that cared about the plight of giraffes.
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How about those goldfish I mentioned, did you think of them as female or male? If you thought of them as male, that's fine, you're not the only one. You're with 90% of people who hear the story—even me. When I first read it, I imagined their voices were male voices, the old one sounding like Morgan Freeman and the young one like Seth Rogen. I know of so many great performers, but I unconsciously chose male voices. This shows just how strongly society has instilled a cognitive bias in me.
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Some people might think, "So why isn't there a Men of the World Festival?” My answer is that I really look forward to that day, because it would mean that women's voices would no longer be viewed as the minority. The plight of men would have to be discussed just as much as that of women. If such a day really comes, it means that when kids read the word "human," they will think of women just as readily as men instead of only thinking of the latter. But we’re not there yet. We should really stop pretending there's equality in society and need to truly get to know our "water." The Women of the World Festival is a good springboard for that.
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\n\n\n\n\n',picture:{key:"2ea1dc15a847484d3cc4a96b4664251d",description:""},onShelf:!0,onShelfRange:{start:null,end:null}},tags:["5b10e484f295ec000672a6e8"],programs:[],top:!1,createdAt:1624420742,updatedAt:1634031595,updatedBy:"林蔚行"}},{from:"articles",key:"5fd07115946984000607f180",title:"疫情緊張,藝術怎麼辦?2020 衛武營國際論壇 側記",data:{_id:"5fd07115946984000607f180",chinese:{title:"疫情緊張,藝術怎麼辦?2020 衛武營國際論壇 側記",introduction:"科技與藝術的結合,不僅僅提供了表演方式與內容的新可能,同時也為正規教育內的藝術學分注入養分...",content:'
受疫情影響,今年許多跨國活動都宣告暫延或改採線上方式進行;在臺灣的FACP亞洲文化推展聯盟年會,雖也配合調整,但幸運的是,完善的防疫措施下,在臺灣的會員及關心表演藝術的朋友,仍可親臨會場與世界各地的與談人一同探討『疫情緊張!藝術怎麼辦?』
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觀眾&科技 多變的藝術參與
\n\n今年由「公民論壇」揭開論壇的序幕,四位和衛武營有某些連結的公民,分享踏上衛武營舞台的經驗及與衛武營息息相關的日常。公民包括:身分是學校音樂老師而來參與《武營歐普拉》的素人歌手、參加讀劇活動的高中生、喜愛表演的聾人朋友、以及每天接觸最多觀眾的警衛大哥。這四位『半素人』,代表著衛武營與眾人的連結,不再只是「表演者」與「觀眾」的二分法,透過新的表演內容,衛武營提供了更多的參與方式,並創造了與舞台的各種距離。
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數位典藏 有趣的藝術教育
\n\n科技與藝術的結合,不僅僅提供了表演方式與內容的新可能,同時也為正規教育內的藝術學分注入養分。素人歌手鍾梓瑄老師分享,除了實際踏入表演廳,讓學生感受到課本上的音符跳動的魅力外,教學中導入各表演藝術中心的線上教材,等同用『趣味性』敲門,讓藝術的種子有了發芽的機會。
\n\n衛武營國家藝術文化中心藝術總監簡文彬的對談中也補充,今年與學校的合作專案很豐富,不管是讀劇課程、劇場禮儀講座,都受到各級學校的歡迎,甚至激發出超乎預期的學生回饋,也承諾這樣的互動將持續在衛武營發生。
\n\n數位典藏早在疫情爆發前就早早展開的故宮博物院,文創行銷處林國平處長提出,雖然今年博物館的到訪人數減少了八成,但他們同時也發現線上平台的點閱數呈現6到8倍的驚人成長,是文物與潛在觀光客持續接觸的方式。
\n\n創意激發 卻不可取代的藝術體驗
\n\n在觀眾無法進場的情況下,表演藝術紛紛走向線上,但這樣的趨勢是否會造成觀眾不再回歸現場?從幾位與談者的解答中,可以發現「疫情緊張!但藝術沒那麼緊張。」
\n\nFACP主席祖・席德克在專題演講中,回顧人類歷史上碰到的疾病大流行,每一次浩劫中,表演藝術都能找到新的方式,展現聚集的能量。如同今年的疫情影響下,反而激發了表演者無限的創意。此外,數位藝術基金會董事長黃文浩提出,「表演藝術在虛擬世界的可能性,是從思考方式開始改變的。」臺北藝術大學王連晟講師也強調,加入直播等數位科技,絕對不是表演的再現,而是創作能量相同的另一種詮釋,提供觀眾新的想像。
\n\n第二天的對談主持人耿一偉顧問則認為,數位化讓觀眾的選擇變多了,但這些選擇並非相互排斥的,且現場的演出仍是獨一無二的體驗。就像網路發明後,並沒有讓人們選擇待在家裡,而因為對世界多了想像,更樂於出國親身體驗。既然現場演出與數位作品是各自獨立的表演經驗,數位科技的加入當然不會影響觀眾進場的意願。
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沈澱、起步 藝術的在地省思
\n\n除了數位化,表演藝術在疫情期間的另一大趨勢,就是在地化。因為有了線上接觸國外觀眾的機會,作為表演者要端出什麼內容,成了另一項課題。菲律賓文化中心副主席克里斯・米拉朵表示,這次的疫情雖然嚴重影響當地文化產業發展,但他相信這也是一個重新商榷、思考的機會。
\n\n文化內容策進院丁曉菁董事長叩問,因為疫情,臺灣品牌受到全世界前所未有的關注時,我們最基本的挑戰,就是能做什麼樣的轉型與發展?臺灣在地故事的製作,讓臺灣人說臺灣人的故事;參考韓國大邱模式,以高雄作為音樂劇的發展基地,都會是我們加深文化厚度,躍上國際的有力支撐。
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結語
\n\n在2020年線上線下同時進行的國際論壇中,可以發現科技不僅能克服距離的障礙,更為表演藝術注入創新的力量。數位化不僅提供了跨越時空傳播的可能,更激發了全新的表演內容。『越在地,越國際』談的不只是內容的在地元素,也強調表演型態的改變,拉近了與眾人的距離。
\n\n《疫情緊張!藝術怎麼辦?》觀察兩天的專題演講與對談分享,在現階段表演藝術形態的轉變中,是越來越往『眾人的藝術』這個方向邁進。
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照片:2020 EUREKA!2.0 創意實驗自造所
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本文撰稿|黃鼎云 2018-2020 EUREKA!計畫參與者、明日和合製作所共同創作
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新的空間中未知探索
\n\n第一次走進衛武營場館是在2018年的5月,第一屆「Eureka!發現計畫」,當時的衛武營尚未開館,空蕩蕩的場館中許多玻璃帷幕的保護膜未撕,耐心地等待驗收啟用。當時許多空間尚未被定義確切用途,靜默地等待進一步開發。還記得基於公安考量,當時許多地方仍需要配戴安全帽進出。一戴上安全帽,我們彷彿是打拼已久,見證著自己滿心期待的預售屋慢慢建起,總忍不住天馬行空地羅織著自己未來的家一般興奮。所有的空間都充滿了潛力,無論是既有的劇場空間、畸零的、開闊的、空間與空間之間的空間們都等待著被指認、被活化。這一切是如此陌生又令人興喜。在接近一週的時間內,我們密集地嘗試著對於「未來的衛武營」的可能性。那時的它還沒「出生」,我們急切地命名並對它充滿了期待。
\n\n照片:2018 EUREKA!工作坊,參與者在空曠的樹冠大廳探索空間與可能性。
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在第一屆的「Eureka!發現計畫」中絕大部分的組成是臺灣的表演藝術創作者,相當一部分來自臺北,而也有一部分來自高雄在地的創作者,少部分由PQ 布拉格劇場設計四年展的夥伴單位引薦來的藝術家。然而和諧的時光總是短暫,事實上在場館導覽後沒多久,藝術家們仍是管不住自己的嘴,話題倏地來到批判性思考上,例如:「這場館實在太大了!不符合真實需求」、「這場館對高雄來說是龐然巨物的異質存在吧」、「高雄哪裡有這麼多觀眾?」等等。
\n\n照片:2018 EUREKA!工作坊,參與者戴著安全帽在未開館的衛武營各處探索。
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這孩子還沒真的降生,不僅有期待也有著更多批評與責難,我們此起彼落地應和,對這20年前的文化決策,對這20年前的文化想像充滿困惑。世界表演藝術環境與臺灣的表演藝術體質皆有所改變,對都市規劃、文化設施、劇場建築的想像也有所改變,創作者與觀眾對表演藝術想像也有所轉變。這樣巨大的場館究竟能夠乘載、運作多少我們對表演藝術的未來期待,我們都不可知。事實上,那也不可能是當下能解決的事情,無論我們如何激辯,這花費百億的經費興建而成的場館已經接近落成,一棟建築物穿越數代人的生活,從20年前的藍圖到今日的實體,它不偏不倚地座落於此,我們如何使用它、想像它並賦予它可能的意義,不正是接下來藝術家們的任務?
\n\n帶著這一連串的疑問、困惑卻同時深悉得面對的心情,在第一屆的「EUREKA!發現計畫」中成了最核心的討論焦點,也是普遍參與者有的心情。事實上,藝術家們有機會在場館尚未開放時,透過交流平台與場館深刻地討論,不僅僅只是討論作品的發展也討論場館的未來,是一個很特殊的經驗。我們既不是單純來學習參與工作坊,也不是單純被委託創作來討論實際規劃。這樣身份的混合與切換,讓藝術家能在硬體完全整備好前便投射自己的需求與想像,無論是批評是祝福,也變向地參與了衛武營的誕生。藝術家能夠參與場館運作機制多少,而場館又能聽見藝術家創作需求多少,過程中我們不斷地練習著。
\n\n當年秋天,諾大的場館終於開門見客了,縱使偶有機會能特地南下看演出,次數也是屈指可數。一年半後,2020年「EUREKA! 2.0發現衛武營」在艱困疫情下仍設法舉辦,遺憾國際夥伴們無法參與。今年的組成成員有一半第一屆的參與者,另一半為新邀請的參與者,雖仍有相當數量的臺北表演藝術工作者加入,但也增加了高雄在地與花東創作者的人次。從參與組成成員也能嗅聞到政策與資源調度下的歷史結果,表演藝術長期以來以臺北發展為中心,因為資源與機會,使許多人傾向待在臺北發展,政策發展上長期的不均衡的發展並無立竿見影之策,只能多管齊下慢慢培養,但明確感覺到這台巨大的機器已經悄悄開始動作,試著花更多的比例與精力去厚實南臺灣的表演藝術網絡。
\n\n照片:2020 EUREKA! 2.0創意實驗自造所在展覽廳交流。
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記憶從產生關係開始
\n由於這次我們不僅參加工作坊,也帶來去年(2019年)由衛武營製作在PQ的作品《抬轎 Lift Me Up》,兩週時間同時處理作品展演又參與工作坊,可說是相當疲累且充實。每每在經過衛武營的「時光迴廊」時,總忍不住想多看一眼。然而,我卻未曾真正駐足看看這些過去的歷史,我們總忙著當下的工作,匆匆而過。有限的時間並不允許我們停留,我們只能看著當下,而那些記憶似乎與我有關,卻仍未進駐身體裡。
這次工作坊的設計中,安排了四位各有所長的實踐者作為嚮導,主題也聚焦在「公共空間」上。由嚮導凌天所帶領的工作坊裡,帶領我們透過集體影像創作與回應去思考衛武營。練習甫進行沒多久,王菲的《開到荼蘼》就不斷迴盪在腦海,工作坊裡的多數學員應不曾見過,也未忘卻影像,只是不小心錯置了而已。然而記憶從來不曾真切無誤,它總是在每一次被回憶起時,無意識地被竄改了一些,對那音樂與當時的記憶多數屬於4:3映像管色溫(這想當然爾也是被虛構的)而我與衛武營的記憶仍脆弱,需悉心培養。
\n\n這回,我們有機會到鄰近的鳳山區走走繞繞,行經黃埔新村與鳳山無線電信所,透過實地走訪,慢慢地將這相鄰地理整合起來。衛武營看似從天而降,過去縱使有機會造訪也常常是點對點的移動。參觀過程中,它與鄰近周遭漸漸相連,逐漸變形成具有時空向度的有機體。這層體驗在嚮導周伶芝與貢幼穎的工作坊中延伸出了另一視野,她們帶領我們重新思考記憶與歷史所構成多樣時間與複合地理,立基在鳳山走訪與衛武營探索的實際觀察,進而創造出不同觀點的「想像地圖」,也觸發進一步思考在地與藝術生產間連結的契機。
\n\n嚮導陳彥斌則透過自身的部落經驗,帶領我們將衛武營空間重新透過原住民的領地概念重新想像。我們如何與一空間產生關聯,正是透過一次次的交往互動而生,我們如何與一地方創造情感,也正是透過一次次的想像的挪移與認同的再造。當然,它不是一週的工作坊就能完成的任務,四位嚮導展現了不同取逕,遂這些點點滴滴地在記憶中慢慢歸檔、停泊,在生活中的某些片刻再次憶起。兩年後再次參加「EUREKA! 2.0發現衛武營」,衛武營開始有了人味,它不再是那個等待被指認的繁複幾何形構。大大小小的空間(被規劃的、過渡的、閒置的、中介的)都漸漸地被指認出它的功能與意義並摩擦出使用的軌跡與慣習,使用衛武營公共空間民眾,並不一定是為了藝術而來,可能是來休憩、K書也可能是來運動,然而他們也正創造著與此的特殊記憶。
\n\n照片:2020 EUREKA! 2.0創意實驗自造所在樹冠大廳進行空間實驗。
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再思考公共性
\n\n這廣大的空間要如何涵括大部分人對藝術的想像呢?藝術的公共性格在衛武營又能創造出怎樣的風景呢?所謂民眾的劇場又是什麼意思呢?成了那兩週我不斷在思考的問題。在榕樹廣場賣命抬轎的我擦身而過沿著完美建物弧線席地躺下的民眾們,他們忽略我們賣力演出的汗水與假鬼假怪的藝術體驗邀請,正在享受著他們創造出來符合人體工學的暫時躺椅與假日的閒適。他們慵懶地望著神蹟發生時,我突然感覺到這正是他們對公共空間所生產的創造性奇蹟,或許根本無需說文解字,他們即使不到劇院裡看表演,他們也正在用自己的方法,與這空間交往、共享著經驗,而一切正因為這一來一往的慢慢累積而顯得豐富、難忘。當我再次想起時,那些曾經經歷的,在「我們」的衛武營。
\n\n照片:2018年至2020年衛武營持續與EUREKA創作者合作。2020年5月演出榕樹廣場和樹冠大廳連線同步演出的作品《抬轎》。
\n',picture:{key:"81609aa88ab5cee1c9d555803dfeb3b4",description:""},onShelf:!0,onShelfRange:{start:null,end:null}},tags:["5af04bf0beda2e0005bbb3f6"],programs:["5e96c605986c57000b74e983"],top:!1,createdAt:1599468819,updatedAt:1601109251,updatedBy:"林蔚行"}},{from:"articles",key:"5ed7d4ec58ad3900060948b7",title:"在藝術中賦權——2019衛武營國際論壇12月15日側記2",data:{_id:"5ed7d4ec58ad3900060948b7",chinese:{title:"在藝術中賦權——2019衛武營國際論壇12月15日側記2",introduction:"2019年12月15日,衛武營國家藝文中心以「平權」為題,進行了東西方的精彩交會,不只討論平權,更進一步賦權。",content:'圖1 義大利巴薩諾德爾格拉帕當代藝術中心舞蹈總監羅貝爾托・卡薩洛多(Roberto CASAROTTO)
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文|劉純良
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2019年12月15日,衛武營國家藝文中心以「平權」為題,進行了東西方的精彩交會,不只討論平權,更進一步賦權。
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在舞蹈中倡議的「舞動人生」
\n\n義大利巴薩諾德爾格拉帕當代藝術中心舞蹈總監羅貝爾托・卡薩洛多(Roberto CASAROTTO)分享「舞動人生」 (Dance Well)計畫,他定義自己為倡議者。他對現場環境、人員的組成與歧異相當敏感;一開場便為自己不說中文道歉,並感謝現場的手語翻譯員。
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他介紹自己的舞蹈節Operaestate Festival Veneto,十三年前才開始介紹當代舞蹈,從觀察在地舞蹈網絡開始,當舞團因相互競爭而難以成為社群,舞蹈教師和學生更能形成網絡。藝術節識別沒有資源的地點,向歐盟找資源,他強調歐盟幫助加速當代舞蹈的擴展、發展創意,透過國際合作創造知識。
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非法難民、移民衝擊、反移民的民粹主義,是當今歐洲核心,當國界瓦解、高牆倒下,規劃節目時更要找到藝術的動力。藝術節與藝術中心的職員知道他們身在公共機構,有公民行動的意識與責任。他們努力推動公務體系的人也有責任心,結合市民,舞蹈能改變社會與人的意識。
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沒有截止日期的「舞動人生」舞蹈計畫
\n\n2013年開始的「舞動人生」是以帕金森患者為核心的免費公民計畫,也開放給難民。透過委託當代舞蹈家,連結市民、舞蹈、藝術節,提供不同背景的人對話機會。帕金森患者、有特殊需求的市民在博物館內跳舞,造就藝術翻轉,挑戰我們對當代舞蹈的思維。
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他強調「舞動人生」沒有保存期限,「我們不能介紹這麼有力量的東西時有期限」,創造策略使計劃得以繼續至關重要。計畫幫助科學社群,尤其腦神經科學,他們甚至遇到參與者帶著處方籤來跳舞。過去幾年醫界很有動力跟藝術合作,也有經濟學家研究當代舞蹈家的軟技術,理解藝術家如何管理時間與發揮創造力。
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限制就是機會
\n\n卡薩洛多強調「限制就是機會」,這改變了舞蹈的原有哲學。就像他們所在的小鎮多為古蹟,無法有新建築,就佔領市政府不用的地方;學習使用有限制的場所,在城市產生流動。在平常不能跳舞的博物館跳舞,市民會覺得自己也是這個空間的主人。
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長時間與市民、藝術家培養關係並非易事,尤其許多補助著重短期框架。「舞動人生」創造了社群感;青少年與老年人交流,從未撫觸或被撫觸的人,計畫中彼此碰觸;將難民視為敵人的人,或許可以成為朋友;非法難民有更多機會在公共場合表演,慢慢卸下難民標籤,被視為藝術家。
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公民層次的舞蹈倡議
\n\n卡薩洛多更著重於公民而非觀眾層次,他強調舞蹈能帶來包容;他們在藝術節或表演中力求多元,確保邀請有色人種*、亞洲藝術家。這種努力在當地不一定受歡迎,藝術中心所在小鎮的市長現在是極右派,不管什麼事,只要有不同種族背景,倡議就會自動政治化。
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卡薩洛多邀請現場與會者雙人一組討論何謂社群,一時間討論欲罷不能。卡薩洛多強調舞蹈社群是資源,能發出新的提問,探索新的經驗與實踐、創造脈絡。當開始創新,人群聚探索新的公共性,就能為「美」帶來新的定義,改變藝術節的節目策劃。社群值得細心呵護,機構有責任連結眾人,這是共同的文化資本;藝術家分享他們的藝術,而不只是娛樂;市民有舞蹈的熱情、談論舞蹈的工具,與藝術家對談,會提出獨特的回饋。
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圖2 卡薩洛多邀請現場與會者雙人一組討論「何謂社群?」
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藝術中心/節的同儕認為「舞動人生」與相關公民活動,是倡議與行動的關鍵。「創作實踐與人連結的方式,影響了藝術形式本身」,組織創造民主化的藝術參與,過程中難免遇到波動、操縱與威脅,如何讓各方(包括政客)對話是關鍵。創造新的語言,讓這些實踐靈動可分享,是重要的練習。
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用身體表達愛
\n\n現場醫療工作者分享藝術介入如何幫助病患打開心房。卡薩洛多回應,與自己的身體重新連結,在任何文化都有幫助。例如在日本開課時,工作人員提醒不要介紹觸摸,但卻有一位男性參與者,握著卡薩洛多的手許久。
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圖3 中村胡桃老師在論壇中演示了一堂「舞動人生」工作坊
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人與人如何在舞蹈中連結?與會者透過舞者中村胡桃的帶領親身體驗。工作坊中運用身體部位打招呼、對話,扮演美術館雕像、用身體觀賞,用身體說愛。中村胡桃強調動作「沒有(價值)判斷」。在愛的表達裡,互動的陌生人流下眼淚,人與人的連結與開放感展露無遺。現場唯一的視覺障礙者與卡薩洛多共舞,觸覺豐富了以視覺訊息為主的引導。
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圖4 工作坊邀請參與者運用肢體表達。一位視覺障礙的參與者與卡薩洛多共舞
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放下評判的舞動人生:日本脈絡
\n\n中村胡桃在日本石川縣金澤市推動「舞動人生」,2019年四月正式開課,每月一次、無正式場所;2019年夏天受邀至東京都美術館,參與者包括帕金森症患者、高齡長者、藝術家、小學生、幼稚園生、與身心障礙者。
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中村在2013年參與許多帕金森氏症相關活動,想連結病症跟舞蹈,就不能滿足於現在的舞蹈觀念,她認為「舞動人生」能開發新的舞蹈方法論,患者與家人能藉此與社會連結;開放計劃給非病友參與,對彼此都是學習。「舞動人生」並非復健而是身體表達,是平台而非舞蹈方法。當人在醫院,會意識自己是患者,當在美術館被作品包圍時,能找到存在的自尊。
\n\n中村強調「舞動人生」不批判好壞、不區分對錯。在日本人大多用自己的價值觀批判,如果不做評斷,就能自然對日常的人事物產生興趣。
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不用手機的親子時光
\n\n衛武營學習推廣專員蘇炫綱分享藝術中心的藝文推廣;親子日強制父母拋開手機,由小孩教導父母如何運用感官,加強親子連結。「藝企學-美感教育」邀請當地學生來葡萄園式音樂廳,學習劇場禮儀、廳院特色、節目欣賞。他們開辦劇場藝術體驗教育,本次結合了十六個高中班級,此後也會有十二個小時的深度課程。年齡層上跨足樂齡族群,由藝術家杜思慧帶領,與長青中心、高雄大學合作,創造跨世代的交流。活動眾多,包含了與燦爛時光書店合作「閱讀窩聊聊」,以同志族群為主,現場意外溫馨的「彩虹大舞池」…等。
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以聾人為主體的「大耳朵計劃」
\n\n多項計劃中,「大耳朵計劃」別具意義。聾人翻譯員洪文廣以手語分享,並由聽人翻譯員現場口說翻譯。洪文廣區分「聾翻譯」與「聾導覽」的差異;前者是被動的,有人申請時才協助聾朋友;「聾導覽」為主動的行動,由聾人上台導覽。聾人是使用手語最多的人,手語是聾翻譯的母語,相對於聽人翻譯,聾翻譯的表情更豐富,不會比手語的聾人尤其需要聾翻譯。聾翻譯與聽人翻譯合作,溝通更順暢。
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圖5 聾人翻譯員洪文廣以手語分享參與衛武營「大耳朵計劃」的經驗
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2018年起,衛武營與手語翻譯協會合作為期六個月的導覽訓練,從2019年4月開始每月兩次導覽,有兩位聾導覽,一人拿圖卡,一人翻譯。過程相當辛苦,文字轉化視覺圖案跟艱深字彙需要創造力、資料搜集。導覽人數無法太多,否則會看不到手語。洪文廣最後特別對聾朋友說要努力、相信自己,也對在場的聽人說:「我們都一樣,只是擁有不同的語言」。
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東南亞移民工的藝術實踐與表達
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燦爛時光書店專案企劃人吳庭寬聚焦移民工的藝術表達。臺灣的移工超過70萬,新住民超過20萬,如何與不同文化語言對話?文學是面鏡子,能夠反映世界;移民工文學獎雖非第一個以移民為主的文學獎,卻是規模最大;近年亦開放香港、澳門、馬來西亞移工投稿。移民工文學獎很難進入臺灣文學的敘事,但其實很多人有能力寫出好的、有影響力的作品,例如Etik Purwani的作品Elegi Ambarwati。
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燦爛時光於2015年開始在臺北車站擺行動圖書館,思考移民工議題如何進入公共空間。開始研究了才知道,移工正在創造自己的藝文場景,租借里民中心辦演唱會…等,而我們很容易對這一切一無所知。
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新南向政策後,有許多東南亞的文化節跟文化活動,但活動未必能更了解東南亞移工或新住民。移民工文學獎的特性相對於此,是弱勢自己發聲,用自己的方式展演、書寫。移工的身體不只用來勞動,也用來抵抗與經歷創傷。文學獎是重新定位自己的機會,而燦爛時光也持續尋找著這樣的夥伴關係。
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圖6 燦爛時光書店專案企劃人吳庭寬在對談中分享移工的藝術表達
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賦權是雙向的過程
\n\n觀眾好奇於「舞動人生」是否是種治療,卡薩洛多強調他不視其為治療,而是透過身體連結到集合的/共同的身體*2,歐洲當下需要對其他聲音更有覺察,創造多元賦權。現場觀眾回應「舞動人生」,認為藝術家在這過程中也被賦權了。誠如這位觀眾所言,賦權是雙向的過程,如何突破經費框架,是重要的挑戰。一個下午的分享,是賦權的過程,也是起點。
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圖7 參與國際論壇12月15日場次的講者與參與者一同合照
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※原文說People of colour,這個形容稱不上理想,但是對於白人居多的義大利,這可能也是卡薩洛多暫時能找到的較好區隔。
\n\n※2他舉例工作坊中成員學習畢娜·鮑許(Pina Bausch)《康乃馨》中的〈四季舞〉,義大利的年輕人不相信患者跳得來,但事實上患者學得很開心,覺得高不可攀的當代舞蹈原來可以很接近。
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文|貢幼穎
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「左鄰右舍一起來!新時代的觀眾關係」是2019衛武營國際論壇的大標題,而網路文案「邀請厝邊朋友一起張開感官,想像走進劇院的百種理由」,則對這個大標題做了進一步的闡釋。 不過12月14日的論壇參與下來,我得到的心得卻正好與論壇標題相反,不是「邀請一起來」、「走進劇院」,而是「走出去」、「交朋友」。以下就講者們分享的數個方向,側記當日論壇內容。
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交朋友——場館成為「眾人的」
\n\n早上由「公民論壇」展開。根據節目部國際事務組組長張欣怡表示,衛武營國家藝術文化中心(以下簡稱「衛武營」)已持續舉辦四屆國際論壇,每一次皆由「公民論壇」開始,邀請的市民代表先發言,引導其他觀眾分享自己的想法。
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一個半小時的公民論壇中,四位市民代表:志工曹汝民先生、台灣大車隊柳殿英組長、前台工讀生吳昀舫小姐、週邊居民李三梅女士,以及之後舉手發言的三四位觀眾,紛紛提到近身觀察或親身參與衛武營活動的美好感受,尤其榕樹廣場已成為最佳親善空間,無論在其中運動嬉戲,或是欣賞露天表演。
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德國柏林喜歌劇院(以下簡稱「喜歌劇院」)的戲劇顧問烏爾利希・廉茲(Ulrich LENZ),則從場館經營方的角度,具體說明喜歌劇院如何執行「眾人的劇院」概念。
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面臨觀眾流失的壓力,喜歌劇院怎麼讓市民覺得「歌劇可親」呢?顧問介紹幾種培養觀眾的方案,包括讓兒童青少年和專業歌劇演員一起製作一齣戲,邀請家人進場觀賞;或是舉行中學學生的輕歌劇比賽等等。
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顧問強調劇院積極地走出以白人為主的中產階級同溫層。以硬體設施來說,每一個觀眾座椅椅背上,安裝了細長的字幕機,所有歌詞都有德文、英文、土耳其文三種字幕可以選擇。如果觀眾不想看字幕,也可以不打開前方的字幕機。廉茲顧問表示,多語的選項向員工及觀眾宣示劇院尊重每個人母語背景的態度。
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圖2 德國柏林喜歌劇院椅背上的字幕機,多語的選項宣示劇院尊重每個人母語背景的態度
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在多元文化的前提下, 喜歌劇院每年製作的親子劇碼,也會取材自中東的著名故事例如《阿里巴巴與四十大盜》,歌劇唱詞有土耳其文和德文兩種,並由土耳其作曲家編曲,加入例如曼達拉的傳統樂器。凡此種種,都反應了土耳其裔移民佔德國總人口百分之二十以上的事實。
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廉茲顧問強調,移民家庭往往沒有進劇院看表演的習慣,因此「別等他們走進來,我們主動出擊」。喜歌劇院花了很多時間,從各種管道進入柏林的土耳其社區,例如運用土耳其社群常聽的廣播節目。或是靈活的「歌劇小巴」(Opera Dolmus)計畫。
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圖3 德國柏林喜歌劇院戲劇顧問烏爾利希・廉茲(Ulrich LENZ)
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Dolmus是土耳其文,意思是「滿載」。在土耳其,這其實是一種招手就可以搭的民間小巴士。喜歌劇院利用土耳其社區熟悉的小巴形式,每次輕裝簡從,載三個樂手和兩個歌手去社區做小型演出。距離親近,所以觀眾易於和表演者互動。
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喜歌劇院以往招收兒童合唱團團員的條件是至少要會一樣樂器,但土耳其裔的家庭往往不像傳統德國家庭會讓小孩學樂器,所以為了不讓移民家庭無形中被拒於門外,喜歌劇院也放棄以往作法。只要孩子愛唱歌、會唱歌,都可以參與合唱團的徵選。
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在規劃這些舉動的過程中,歌劇院的工作人員其實花了更多時間和社區耆老只是喝杯茶聊聊天,讓彼此更認識。廉茲顧問驕傲的說,他們在土耳其社區中形象很好,大家對柏林喜歌劇院這個機構都不陌生。他強調,就算花了很多時間去接觸的族群最終還是對歌劇沒興趣,也沒關係,但是「他們會把我們看成和切身有關係的團體」。
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而以當代馬戲為經營核心的英國倫敦傑克遜巷藝術中心(以下簡稱「傑克遜巷」),藝術總監阿德里安・貝瑞(Adrian BERRY)也提到類似的做法。貝瑞總監表示,他們是全倫敦唯一聖誕節不休息的劇場,每年為兩百名長者和身心障礙者舉辦耶誕夜活動,把獨居老人接到劇場歡聚。總監投影展示的照片,令人想起臺灣的創世或華山基金會每年歲末年終舉辦的寒士尾牙。
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除了一般藝術中心的業務之外,傑克遜巷以「社會馬戲」(social circus)的概念,七年來推展支持邊緣青少年的計畫「JL Circus Haringey」。「社會馬戲」的實踐是讓邊緣青少年在學習馬戲技巧的過程中,掌握身體和情緒,發展自我和人際關係,進一步成為積極的公民。亞洲行之有年的國家是柬埔寨。
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2011年倫敦北部的托特罕(Tottenham)發生震驚全英國的暴亂事件,托特罕就在傑克遜巷附近,當地的住民極大比例是社經地位較低的移民社群。事件落幕後,英國政府意識到長期對這些社區的忽視,各種公私資源紛紛挹注,除興建更多公共建設外,也鼓勵藝文界提出針對該區的對話性、社會性計畫。
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圖4 英國倫敦傑克遜巷藝術中心藝術總監阿德里安・貝瑞(Adrian BERRY)
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傑克遜巷的社會馬戲計畫在這個前提下開始。專業的馬戲工作者深入社區,主動邀請青少年體驗馬戲活動,之後在各社區圖書館成立馬戲小組,持續提供免費的馬戲課程。論壇現場有觀眾詢問:怎麼吸引青少年來參與?貝瑞總監說:「我們前往他們喜歡去的地方,而不是期待他們來。」主動伸出觸角,向對方介紹自己。總監提醒,活動帶領者不要都是白人,讓其他族裔的青少年覺得看到一些可效法的榜樣,而帶領方式也不能把「培養你們的自信」這種有優越感的說法掛在嘴邊。傑克遜巷人員使用的方法無他,就是交朋友,慢慢培養信任、搏感情。長期下來,青少年開始固定參加馬戲課程,家長反映孩子嘗試新事物的信心增加了。而這群年輕人,也成為馬戲藝術的鐵粉。
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場館向眾人行銷節目
\n\n傑克遜巷每年都會進行一個兼具公益和行銷功能的特殊「促銷」活動:挑選兩到三週演出,讓觀眾在網路購票時就決定這張票付零英鎊或十五英鎊。演出時,劇院會在觀眾座椅上放信封,觀眾看完演出後決定是否放多少現金進去,把信封交給工作人員或留座位上。總監表示,的確很多觀眾購票時點選零英鎊,曾有觀眾留下超乎預期的一百五十英鎊,當然也有人甚麼不留。總監表示這個類似「打賞」的活動「是風險,但這是我們該做的。」因為就算票價只有十五英鎊(約臺幣六百元),依然有人負擔不起,或是因為不知道會看到什麼表演而不願意花錢。
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圖5 公民論壇主持人林喚玲
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一早的公民論壇裡,也有觀眾表示他不知道衛武營有什麼表演,因此論壇主持人林喚玲帶大家討論如何向不擅網路的族群做宣傳,也詢問大家認為免費演出會不會養成民眾「看免錢」的心理。現場討論甚為熱烈;台灣大車隊柳殿英組長建議可以做車體廣告,也有觀眾提醒不要忘了團購的力量,家長們很願意投資孩子高品質的藝術教育。不少人提到和學校合作的重要,藉由藝術傳達教科書難以教授的多元文化議題,前台點工昀舫覺得在這樣的前提下,免費的戶外演出仍有其不可或缺性。
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衛武營的戲劇顧問耿一偉接續熱烈的行銷討論,拋出七零年代臺灣電影院的「撿戲尾」作法,作為花式行銷的腦力激盪:在電影快要結束前,開門讓外面的人進來看最後十分鐘。就好像超市的「試吃」活動一樣。喜歌劇院廉茲顧問則說,他們也會邀請特定族群免費觀賞,如果想避免民眾養成「看免錢」的期待,可以考慮每次邀請不同對象。
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場館與眾人一起塑造形象
\n\n從節目的票房行銷,眾人聊到場館的品牌形象。衛武營的簡文彬總監提到衛武營不像德國劇院有專屬的全職劇團和設計,因此無法自己製作節目。另外,北中南三個國家級場館每年也需提供百分之六十至八十不等的時段,釋出給民間外租。因此衛武營的品牌形象,是靠所有外租和自製節目,一起塑造的。簡總監特別提及去年演出的歌劇《憨第德》中的一句話:「讓我們一起來灌溉這個花園」,代表了衛武營在品牌經營上的現況和策略。
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也因此,耿一偉顧問以「高雄」為主題策劃的一系列「高雄雄厲害」節目,對剛開館的衛武營來說,就顯得格外重要。耿顧問透露,策劃初期的概念是讓藝術家在高雄十個行政區駐村,一段時間後,再做創作。雖然之後執行的做法調整,但精神沒變。因此六組節目皆不是邀請既有的作品,而是讓創作團隊與在地對話後,做新的創作,以新鮮的角度展示高雄在地文化。
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簡總監表示,衛武營目前每年十一月舉辦馬戲平台活動,二O一九年四月開辦了當代音樂平台,他期許三至五年後,可以走出一條清楚的路,建立「衛武營出品」的形象。
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圖6 衛武營戲劇顧問耿一偉主持衛武營藝術總監簡文彬、柏林喜歌劇院戲劇顧問烏爾利希・廉茲及倫敦傑克遜巷藝術中心藝術總監阿德里安・貝瑞對談
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場館與藝術創作者——互為主體
\n\n藝術家的創意,形塑了場館機構的對外形象;藝術家和場館兩者相輔相成。嘉義縣表演藝術中心(以下簡稱「嘉表」)主任張世杰認為,創意發展和在地養分,也是「互為主體、不斷辯證」的關係。
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嘉表推行的諸多計畫中,對創作者來說,最有趣的或許是「任我行」專案:只要對嘉表園區任一空間、任一角落有興趣,都可提案利用該處做創作,規模大小、時間長短不拘。雖然補助七萬元不多,但得以把創意付諸一試,對團隊來說,是難得的機會,對場館來說,也是在累積現地(site-specific)的製作。
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張主任表示,藉由補助機制、和外縣市場館合作,嘉表希望將創意發想和人才培育兩件事系統化。例如跟臺北華山的烏梅劇院簽合作備忘錄,讓節目去演出,協助行銷嘉義的團隊。
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而場館如何協助創作者和觀眾交流?耿顧問提到,一個演出後可讓所有人留下來聊聊的小酒吧,讓觀眾覺得藝術家、節目規劃者沒有那麼遙遠,或是讓觀眾對不喜歡的演出「舒壓釋放」,都是劇場體驗中非常重要的儀式。簡總監表示時間許可時,他都盡量親自做導聆,並已規畫未來利用榕樹廣場,開闢藝術家和觀眾面對面的有機空間。
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藝術創作者與社區居民——互相牽引
\n\n論壇當日唯二的獨立藝文工作者代表,則分享珍貴的第一線社區經驗。他們不曾訂下「以藝術解決問題」的弘大志向,但因為自己的藝術理念,或為了讓生活環境更符合想像,從個人開始做起。而一旦齒輪開始轉動,大環境也慢慢被帶動轉變了。
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屏東的蒂摩爾古薪舞團團長暨藝術總監路之・瑪迪霖表示,他們的創作基礎是排灣族的傳統文化,在向部落長老學習古謠及樂舞的過程中,發生許多與傳統間的磨合和衝突。例如只限該部落男性可以唱跳的「勇士舞」,現在部落裡只剩兩位老人家會唱,路之・瑪迪霖總監先是因為身為女性率先學唱,被長老大罵,後又因為讓非部落的年輕人學唱,遭部落更多人指責。但她點出勇士舞的失傳危機後,反而很多人開始學習了。她說:「我不知道我們做了什麼,但現在每個鄉鎮每個部落都在比賽自己的勇士舞。」
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圖7 蒂摩爾古薪舞團團長暨藝術總監路之・瑪迪霖帶領舞團成員示範排灣族歌舞
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而這幾年臺南的正興街成為非典型社造的火紅範例,當初在街上開服飾店、揪集左鄰右舍的社造工作者高耀威說:「我想把我自己看見的東西,用一人之力分享出去。」但社區環境變好後,卻也無可避免地發生房租上漲、無力負擔者只好搬走的仕紳化(gentrification)問題。
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傑克遜巷的貝瑞總監提到倫敦的仕紳化程度令人髮指,而公民論壇中,住在衛武營附近的李三梅大姐也直率聊到,衛武營「建築有國際水準...。房價也飆了好幾倍。」雖然,仕紳化牽涉到國家土地政策以及都市規劃的複雜問題,不是場館經營者單方面可以解決的,但是,文化設施、藝術活動是否反而讓城市裡的弱勢變得更弱勢?是否無意間排除了某些人的參與?(無論這個弱勢是居民、動植物,或是藝術家自己。)相信這是所有機構藝文工作者都想避免的事,是需要持續自覺放在心上的事。
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而高耀威自己找到的對抗仕紳化對策,是利用無利可圖的「縫隙」空間。例如房東的一樓租給別人賣蘿蔔糕,他則跟房東談使用三樓閒置的天臺空間。盪鞦韆、乒乓球桌等交誼設施,非常素人開發、素人導向的趣味社區設計,在天臺於焉出現,重要的情感交流依舊可以發生。
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結論
\n\n公民論壇中,幾位市民觀眾類似的發言,例如「衛武營讓高雄不再是文化沙漠」、「這邊的文化水準好像提升了,我們與有榮焉」;我感到正好作為給藝術工作者的提醒:為什麼「缺乏藝術的薰陶」好像令人焦慮?喜歌劇院廉茲顧問提到,進行所有帶教育意味的活動時,重點不是教導觀眾「對」或「錯」,而是提供每個人自己詮釋的空間。兩位外國講者異口同聲認為,藝術性高的節目仍然可以被非重度藝文愛好者接受,「降低的是親近作品的門檻而不是作品的水準」。
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如果我們對所處的社會有所想像,我們擅長且能做的,或許也就是帶著專業當工具,去交朋友,往想像靠近。當看演出不再潛伏著「接受藝術薰陶、提升文化水平」的壓力時,場館的節目行銷和品牌營造,一定也會連帶進入一個輕鬆的新天地。
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跨領域的創意實驗室 │ 創意實驗自造所側記 │ 公開呈現名單
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2018年五月,衛武營第一次舉辦以「公共空間展演」為主題的「EUREKA——創意實驗自造所」工作坊,當時參加者有二十餘位臺灣劇場工作者,以及七位國外和臺灣的業師。2020年五月,衛武營開館一年半,第二屆自造所的籌辦因新冠肺炎一度喊停,但隨著臺灣疫情逐漸穩定且控制得宜,此活動得以照常舉行。(註1)
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(註1. 本屆「EUREKA!2.0——創意實驗自造所」與PQ布拉格設計四年展合作,原本規劃歐洲藝術家來臺與本地創作者共同參與工作坊,然因新冠肺炎的防疫措施及各國旅遊警示,外籍藝術家們無法成行,活動一度暫停。衛武營遵照中央疫情指揮中心的各項防疫指示,並完成所需之風險評估後,決定可為臺灣本地的創作者們,重啟辦理今年的EUREKA相關活動。)
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今年共有三十二位創作者參加,來自臺灣北中南東,涵括音樂、戲劇、舞蹈、馬戲、設計、影像、聲音、繪畫等背景,絕大多數擁有劇場實務經驗,約一半參加過2018年的工作坊。衛武營團隊策劃整體活動架構,全程提供令人有幸福感的行政及技術支援,邀請包括我在內共四位外師擔任「嚮導」,以各自的角度帶領實作活動。
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工作坊第一天上午,副總監郭遠仙替所有人導覽場館內外,時不忘以簡單手法展現廳內細緻的聲學工程設計。下午,兩位高雄長大的藝文工作者:日青創藝負責人洪榆橙,以及本次學員之一南熠樂集團長林喚玲,帶領所有人走進衛武營所在地鳳山區,探訪原日本海軍無線電信所、黃埔新村、大東文化藝術中心,以及城隍廟和公有零售市場一帶,讓學員初步認識鳳山的文史脈絡、常民生活,希望接下來幾天閉門工作時,依然記得比鄰而居的城市真實脈動。
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第一天的上萬步行程後,接下來兩日工作坊內容由四位嚮導安排。我在第二天早上先發,分享了我在「原型樂園」策展製作或發想概念的幾個公共空間展演計畫。由於這幾個計畫的前提是「與非藝術背景人合作」,無論其為觀眾或協作者,因此我在工作坊的實作練習中,請大家先和身旁的陌生成員分享和其他陌生人互動的經驗,再以涵構三種以上「人」的鳳山或旅館至衛武營沿線空間,作為分組依據,討論哪些事物連結了不同的人,嘗試繪製出可供他人再訪該空間時使用的地圖。
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短短十數分鐘的討論,有的組別選定鳳山城隍廟和市場一帶,以「願望清單」連結彼此;有的組別設定以覓食小狗作為地圖的使用者。大家牛刀小試,已展現了創意交織的有趣成果。
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另一位嚮導交通大學建築所的助理教授凌天,邀請東海大學建築系的講師李舲,共同擔任下午「空間自造」時段的規劃帶領人。凌天先藉之前策展的展覽作品,以及去年在臺中國家歌劇院公共空間的影像裝置,展示都市量繪的解構和重新建構。接下來他請學員們用手機,即興拍出十秒鐘與一分鐘的影像接龍。兩位帶領人選定衛武營內外四個地點,在牆面或物件上投影事前拍好的一分鐘高雄市景,各組學員觀看投影後,一起拍攝新的一分鐘作為回應,拍完在原地點投影出來後,前進至下一地點,相同流程再來一次。凌天設定的規則是:每次新拍攝的一分鐘畫面中,必須包括引發回應的上一分鐘投影。
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這個一層層後設的影像傳遞作業,讓靜態的風景產生有趣的融合和變形。而各組成員接招拍攝出來的影片小品,幾乎都從毫無情緒的原始影像,發展出有情節感的畫面敘事,甚至人的身體成為新的媒介。凌天表示這也是他在建築系學生身上很少看到的演繹方式。
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第三天上午的嚮導是戲劇構作暨策展人周伶芝。她以「時間驛站的敘事」為切入主題,帶大家探討不同文化脈絡裡,人們感知時間和空間的方式、創造相遇的方式。伶芝以班雅明的「漫遊者」概念,介紹了幾個曾在臺灣日常空間發生過的遊走式表演。《路上觀察學》書裡日本七〇年代藝術家以半戲謔意味取名為「湯馬森」的無用之物,也讓許多學員興味十足,成為未來兩天呈現的想法起點。
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分組練習時,伶芝請大家想像一個虛擬或真實事件重新剪接了衛武營的樣貌和意義,再將身體感置入詮釋這個空間,設計一張新的衛武營圖。幾組不約而同畫出帶「穿越」色彩的未來地圖;也有組別從時間尺度想像一個小孩從衛武營拍板興建到完工,已長大成人,因此設計了抽象的小行旅之圖,像時鐘般轉動海報紙,象徵從任一刻度都可進入的路徑。
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下午時段的嚮導是「軟硬倍事」共同藝術總監陳彥斌Fangas Nayaw。彥斌將自己從小在阿美族部落長大的各種日常經驗,轉化成一套方法,引導學員經歷分家、領域劃分、階級晉升,回到藝術框架下體驗「活著都會被看」的「生活展演」;是非常獨特的個人化方法論。分組的學員們依實際年齡分為malitengay/ isfiay長者和pakarongay青年,青年傳承耆老的口述,在衛武營畫出家的疆界,並向耆老獻上娛樂活動。大家在這個名為「共同繼承」的時段,共創生活祭儀。
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學員們腦力激盪中快速挪用從各閱聽媒體接收過的文化意象和符碼,認真起來,倒也言之鑿鑿、渾然天成;例如歌劇院一樓前廳的九根大柱子是九株神木,三樓的施工區成了傳統領地居民抗爭的財團工程,而彩色筆一根根接起「如彩虹般的夢幻之橋」,組員還得綁上小辮子以示同一家族等等。大家迅速將自己代入因地制宜的遊戲裡,熱烈的程度或許是因為這些祭儀與自己的經驗只有一線之隔,或是已經疊合。
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前三天就在各種好玩的活動裡充實度過。接下來的一天半,工作坊成員們配對找組,發想展演企劃,準備十分鐘的呈現;十分鐘的形式可以是口述簡報,也可實際試作。
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週五下午兩點,工作坊成員加上館方人員、聞訊而至的觀眾,一行大約五、六十人在音樂廳地面層入口集結,開始本次工作坊的呈現。
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第一組以口頭講解,呈現他們的「任你行一卡通」企劃:創作者選定一民眾,提供他一張前後台門禁卡;限定的30分鐘內,卡的持有者可以自由在衛武營空間裡遊蕩,唯一的義務是結束後撰寫日誌。這個概念來自該組成員跟偌大場館的接觸經驗,包括工作坊期間我們因身上的識別證得以暢行無阻,也包括藝術家身份在公共空間享有特權,對創作到底是助力還是阻力的種種討論。
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創作者建議這個計畫持續至少三個月,偕同場館在滾動式協商討論過程中,共同探索權力、界限等議題。組員們花了很多時間討論和核心概念息息相關的執行機制,包括誰可以拿到卡,遊走的經驗如何在離開後持續發酵,個人的參與如何形成集體的話語等,這些是與遊走當下同樣重要的作品內容。
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第二組的呈現名為《衛武山海經》。觀眾分為兩組,一組蒙上眼睛,被帶領從歌劇院一樓走上三樓前廳平台,沿途有表演者在耳邊低語開館以來的名不見經傳傳說。到了三樓平台後,又聽到另一名表演者的聲音,說似曾相識的另一版本故事。此時另一組觀眾被隔開在平台的玻璃門外,觀看蒙眼觀眾聆聽故事的模樣。
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《衛武山海經》利用玻璃門的隔音效果,讓外面的觀眾只能等開門後,上前詢問另一方觀眾聽到了什麼。而後,在離開的途中,觀眾發現場館角落多了些和傳說若有似無關的小物;這十個有植物身體的眾神小妖,經由口耳相傳,在本次觀眾的記憶中找到了立足之地。第二組成員想藉由聽覺與心智的交互活動,辯證「存在」和「證明」之間曖昧的關係。
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第三組《set武營free》,選擇了一個人人都有權進入,也都需要進入的地方——公廁。這個發想來自成員對衛武營民眾行為的觀察。大多數在公共桌椅區K書的高中生,或是來公園散步的民眾,對衛武營的公廁或去公廁的動線,已非常熟悉。這一組創作者在討論時發想了許多可設置在廁所裡的互動遊戲,例如關上隔間門後,眼前出現旗津落日的影像,或是按下沖水鈕後,空間釋放出海港的油漬氣味,或是響起沖水交響曲;好像啟動了五感的任意門。
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該組簡單製作道具,拍了一段模擬影片。呈現時在廁所外播放影片,並向觀眾解說他們想在這個兼具私密與公開雙重性格的空間裡,利用30至40秒(該組實測女生上廁所時間),為自己或彼時同處一廁的陌生人們,創造幽默的互動機會。
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第四組《Walking Talking》的發想也來自一個30秒鐘的介入——這次是電梯。觀眾從戲劇院地面層通往三樓的入口出發,在此分流選擇坐升降梯或手扶梯上三樓。升降梯的角落和手扶梯的中段,各黏了一支walkie-talkie對講機。觀眾坐電梯時,突然聽到對講機傳出一個年輕的聲音請教「宇文哥」關於人生或做劇場的各種疑問,而後一個成熟年長的聲音,則以「年輕人」為開頭,簡單回覆發問的劇場同袍。
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觀眾到了三樓後,看見兩個黑衣人身處兩地拿著walkie機說話。聽到他們一問一答的句型,我們發現這兩位就是剛剛聲音的主人。最後他們逐漸靠近,坐在沙發兩端持續用walkie機對談人生。至此觀眾的經驗從聽覺上的尋覓過渡到視覺的聚焦。「宇文哥」和「年輕人」正好是本次工作坊年齡光譜兩端的成員,他們在表演中揭露真實的自己,讓同為EUREKA一員的我看來特別有意思。
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第五組《空間規劃中》使用音樂廳三樓的藝術迴廊。場勘時,成員發現單純講話的聲音在迴廊的前中後段聽起來都不一樣,因此決定使用這個有趣的聲學空間,拉一道新的表演向度。呈現時觀眾約十人一組,閉上眼在光線微弱的彎曲長廊裡小步往前走。一位表演者在長廊中段重複製造金屬碰撞聲,另一位表演者在長廊尾端,撥弄簡單的吉他旋律。長廊的盡頭是自然光豐沛的三樓交誼廳,閉著眼的觀眾進入後放鬆躺在地上,感受被衛武營人員形容會引發耳鳴感的「真空」狀態。
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之後表演者喚醒觀眾,請大家安靜地沿著來時長廊走回出發地;回程中,我們看見下一組觀眾正閉著眼重複自己剛剛的歷程,也看見貼在長廊兩側牆上的大量小紙人——原來一直就不只我們「一個人」。
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第五組的呈現正好替大約兩個小時的呈現,做了一個完美的收尾,讓人安靜下來,用最純粹的方式重新感知。
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在工作坊結束之後,我和一些成員聊到這趟經驗不必顧慮KPI,短時間內可與不同創作者大量有機討論,令人非常珍惜。參加過上一屆的成員有人覺得自己這次更清楚時間的運用及選擇,也有首次參加的成員期待日後延伸到場館外例如公車站牌的生活空間。還有成員好奇衛武營作為南部最大的藝術機構,看到了什麼大家沒看到的?
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衛武營節目部國際組長張欣怡表示,這兩屆EUREKA活動帶給內部很多靈感和新想法,例如可發展針對親子民眾的「小小Eureka」或是給館員的「教育訓練自造所」;畢竟公共空間裡的默會制度和行為,是所有部門人員和民眾一起形塑出來的。衛武營也計畫藉由臺灣舞蹈平台和馬戲平台,讓一些作品在公共空間萌芽生長,持續提供創作者、民眾、場館經營團隊,三者相遇的場域,然後一起期待第三屆的「EUREKA創意實驗自造所」,去挑動尚未被挑逗的,或是抵抗已經固著的,無論是人心還是建築的空間界線。
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\n\t\t\t 嚮導名單 \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t 貢幼穎 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 表演團體「原型樂園」負責人 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 凌天 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 交通大學建築研究所助理教授 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 李舲 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 建築師、東海大學建築系、交通大學建築所講師 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 周伶芝 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 策展、藝評、構作顧問 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 陳彥斌 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 軟硬倍事共同藝術總監 \n\t\t\t | \n\t\t
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\n\t\t\t 公開呈現藝術家名單 \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t 第一組 \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t 溫思妮 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 洄遊式創作集 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 葉百心(貓肆) \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 獨立創作者 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 蘇品文 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 看嘸舞蹈劇場 獨立藝術家 ∕ 藝術總監 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 林正宗 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 圓劇團導演 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 第二組 \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t 謝杰樺 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 安娜琪舞蹈劇場 藝術總監 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 林喚玲 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 南熠樂集 團長 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 駱若瑀 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 融聲創意 ∕ 創意工程師 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 王瀅絜 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 二胡藝術家 ∕ 雲樹雅集創辦人暨團長 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 楊元慶 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 臺灣街頭藝術文化發展協會 副理事長 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 楊世豪 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 馬戲之門團長 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 紀柏豪 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 融聲創意 負責人 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 第三組 \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t 左涵潔 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 両両製造聚團 藝術總監 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 林昭安 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 二律悖反協作體 空間舞台設計 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 范立穎 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 表演藝術創作者 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 徐開炫 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 獨立街頭藝術家 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 廖昱傑 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 助理指揮 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 第四組 \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t 楊悅 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 二律悖反協作體 ∕ 編舞 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 邱娉勻 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 服裝設計師 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 黎宇文 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 影像導演 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 賴唯翔 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 舞臺及戲服美術設計 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 第五組 \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t 陳信達 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 紅鼻子馬戲團 團長 ∕ 臺灣街頭藝術文化發展協會 理事長 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 李勻 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 「二律悖反協作體」負責人 ∕ 導演 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 許瀚中 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 導演 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 蔡沐橙 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 自由藝術工作者 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 陳煜典 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 進港浪製作駐團導演 \n\t\t\t | \n\t\t
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以下藝術家皆為創意實驗自造所參與者,因參與《抬轎》演出,故無法參與公開呈現之項目。
\n\n\n\t\t\t 演出《抬轎》藝術家名單 \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t EUREKA創作群 \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t 余彥芳 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 舞蹈工作者 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 林凱裕 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 舞台設計 (深夜放電所) \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 洪千涵 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 明日和合製作所核心創作者 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 張剛華 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 明日和合製作所 共同創作者 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 黃鼎云 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 明日和合製作所 共同創作者 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 廖海廷 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 輔仁大學專案助理教授、Ableton Live認證講師、音樂 ∕ 聲音工作者 \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t 蔡佳礽 \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t 梅林鬍子實驗室 | 副技術總監 \n\t\t\t | \n\t\t
Written by the Director of Prototype Paradise KUNG Yu-ying (Yoyo)
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An Interdisciplinary Experimental Lab for Artists │ Side Note on “EUREKA—Creative and Experimental Lab” │ Artists of Experimental Lab
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An Interdisciplinary Experimental Lab for Artists
\n\nIn May 2018, the National Kaohsiung Center for the Arts (Weiwuying) first hosted the workshop “EUREKA—Creative and Experimental Lab” that took “Public Space Performance” as a theme, with more than twenty Taiwanese theater-makers and seven international and local industry instructors participating in the event. In May 2020, one and a half years after Weiwuying was opened to the public, the second Lab event was thought to be cancelled due to the outbreak of COVID-19. However, since the outbreak in Taiwan has been well under control and the situation has stabilized, this event was able to be held as planned.
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(Remark 1: The “EUREKA—Creative and Experimental Lab” was part of a four-year collaborative project agreement signed with the Prague Quadrennial of Performance Design and Space (PQ). The project planned to have European artists participating along with local artists, however, due to the outbreak of Covid-19 and the travel restrictions of each country, foreign artists had to cancel their flights and the event was suspended. Weiwuying followed the guidelines of the Taiwan Centers for Disease Control and complied with various epidemic prevention instructions including all necessary risk assessments and decided to restart the EUREKA event for local Taiwanese art creators.)
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Side Note on “EUREKA—Creative and Experimental Lab”
\n\nA total of 32 creators from all corners of Taiwan participated in the event this year, with their professional backgrounds ranging from music, theatre, dance, circus, design, graphic, sound, to painting and others. Most of them have theater experiences and about half of them have participated in the 2018 workshop. The Weiwuying staff team laid out the structure of the overall event and offered reliable administrative and technical support during the whole process. Four teachers, including me, were invited to be the “Guide”, each leading the experimental practices in our own way.
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In the morning when the workshop began, Executive Office Production Director of Weiwuying, Jack KUO (郭遠仙), gave us a tour of the venue in and out, using simple techniques from time to time to show us the delicate acoustical engineering design of the theater halls. In the afternoon, two local artists from Kaohsiung : founder of Kelio Art Studio, Clio HUNG(洪榆橙), and one of the participants, Leader of Nan-Yi Musical Theater, LIN Huan-ling (林喚玲), gave us a tour of Fengshan District, where Weiwuying is located. We visited the Imperial Japanese Navy Fengshan Wireless Communications Station, Huangpu New Village, Dadong Arts Center, Cheng Huang Taoist (City God) Temple and the Public Retail Market. All participants got to familiarize themselves with the historical and cultural lines of Fengshan and the daily lives of the citizens, so that in the following days, although we worked indoors, we can still remember the real vibe of the surrounding city.
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After walking up to ten thousand steps for the first day, the following two days’ workshops were arranged by four guides. I was the first guide for the morning of the second day. I shared my experience in curating, producing or envisioning public space performance projects for “Prototype Paradise”. Since the basic premise of all the projects was “to work with people with no background in art”, including audiences or cooperators, therefore, I asked the participants to first share with each other their experience of interacting with total strangers. They were then teamed up based on chosen spaces composed of three or more types of “people” in Fengshan or areas along the way from the Hotel to Weiwuying. Each team talked about the things within that area that connects different types of people, and each drew a map of that certain area for others to use when revisiting the place.
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During the approximately ten-minute brief discussion, there were teams that chose Cheng Huang Taoist (City God) Temple and the Public Retail Market area and used a “wish list” to connect with each other; others picked foraging dogs as main map users. Just in this try-out practice, everyone demonstrated the fun results of interweaving creativity
\n\nAnother guide is the Assistant Professor of NCTU Graduate Institute of Architecture, LING Tien (凌天), he who invited the instructor of THU Department of Architecture, LEE Ling (李舲), to co-lead the afternoon session “Self-Made Space”. Tien Ling started with his prior curated exhibition works and the visual devices installed in National Taichung Theater last year to demonstrate the deconstruction and reconstruction of city portrays. Followed by the demonstration, he asked the participants to use their cellphones and make some impromptu chained video stories of ten seconds and one minutes long. It went like this: two guides have chosen four locations in and out of Weiwuying to project a one-minute video of Kaohsiung’s cityscape on the wall or an object. After watching the projected videos, each team needs to make a new one-minute video as a response, and after showing the responding video, the team will go to the next location and repeat the same process. Tien Ling also made it a rule that each new responding video must include the original projected image which triggered the response.
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This relay of layers and layers of meta-images made an interesting fusion and transformation of the static view. Almost all videos made by the participants developed storylines out of the originally bland images; some even used human bodies as a new medium. Tien Ling said that this is also a rendition he rarely sees among architecture students.
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The guide for the morning of the third day was CHOW Ling-chih, a curator and dramaturg. She used “the narratives of time hubs” as an opening theme to lead us to dig deeper and discuss how people perceive time and space and come up with ways to create encounters under different cultural threads. Ling-chih uses the concept of “flâneur” by Walter Benjamin to illustrate several immersive performances that took places in Taiwan’s daily living spaces. The sharing of the book “Introduction to Observations on the Road” which points out the artists of the 70s jokingly naming useless objects as “Thomasson” also inspired the participants and became the starting point of their ideas for the following two days.
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When experimenting in teams, Ling-chih invited all teams to first imagine a fictional or true story that re-edits the appearance and meaning of Weiwuying, then by involving the bodily sensations to interpret the space, a new map of Weiwuying is designed. Few teams by coincidence designed a map of the future with the touch of “transcending”, some used the time ruler to demonstrate a child growing up gradually while Weiwuying started constructing. When the construction finished, the child became a fully grown adult. So they designed an abstract travelling map, turning the poster like turning the hour hands of a clock, symbolizing each hour mark as a route for entrance.
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The guide in the afternoon was Co-Artistic Director of Fist and Cake Production, Fangas Nayaw. Fangas Nayaw turned his childhood experience living in the indigenous Amis tribe into a set of techniques to guide participants through the process of household separation, territory division, social class promotion, and back to the artistic structure of “life performance” and the experience that “even if you’re simply living your life, you are publicly observed”. It was a very unique and personalized theory. Participants teamed up according to their actual age and were assigned as malitengay/ isfiay (elders) or pakarongay (young adults). The young adults inherited the oral dictations from the elders, drew the home boundaries in Weiwuying, and presented recreational activities as offerings to the elders. In this session named “Co-inherits”, everyone co-created a life ritual.
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All participants quickly appropriated the cultural images and symbols previously perceived by media during the brainstorming session, and when getting serious, everyone turned up to be eloquent and a natural; for example, the nine pillars in front of the opera house became the nine sacred trees, and the construction area on the third floor became where the residents on their traditional territory protested against the consortium construction project. Colored pens being assembled one by one symbolized “rainbow – the dream bridge”, and team members braided their hair to show that they are from the same family.
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Everyone immersed themselves in the role plays immediately. The scale of the enthusiasm was so high, probably because these rituals were only a step away from or even overlapping their own experiences.
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The first three days had been packed with all sorts of fun activities, while in the rest of the one and a half days, participants teamed up to come up with performance projects to be presented in a ten minute show-and-tell. The form of the presentation can be oral or by actual performance.
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At 2 pm on Friday, participants, Weiwuying staff, and audiences attracted by the event, totaling 50 to 60 people gathered at the entrance of the concert hall and started the final presentation of the workshop.
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The first team gave an oral presentation and displayed their “All You Can Access Pass” project: the creators picked an audience and offered him the access card to the front and back stages. Within the limited 30 minutes, the cardholder can freely access all spaces in Weiwuying while the only condition is that he/she has to write a log afterwards. The concept came from the experiences of team members as they interacted with this massive venue space. Various discussions arose including that during workshops we are allowed to access all areas because of the badges we hold; discussions also included that since artists are privileged in public areas, are there any pros or cons to our own creativity?
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The creators suggested that the project would last for at least three months. During the rolling negotiation and discussions with venue staff, all parties can mutually explore the issues of authority and boundaries. Team members spent a lot of time coming up with the execution mechanisms that are practical and correlated to the core concept, including who is qualified for the Pass? How may the experience of accessing all areas continue to grow afterwards? How to transform an individual participating experience into the voice of the mass? These are contents that are as important as the fact of “receiving access” itself.
\n\nThe second team demonstrated their project named “Classics of Weiwuying Mountains and Seas”. The audiences were separated into two groups, one being blind-folded and guided from the ground floor to the opera house platform at the third floor while performers whispered the legends of Weiwuying along the way. When reaching the platform on the third floor, they will hear other similar versions of the stories being told by another performer. The other group of the audience will be observing from outside of the glass doors to see the reaction of the blind-folded audience listening to the stories.
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“Classics of Weiwuying Mountains and Seas” took good use of the sound insulation effect of the glass doors, so that the audience outside of the opera house can only wait until the doors are opened and ask the other group of audience what they heard. However, on the way out, the audience discovered some seemingly related objects: these ten deities or fairies within bodies of plants, through the spread of words, have found their ways inside the memories of the audience. The members of the second team wanted to discuss the ambiguous relationship between “existence” and “proof” through the interaction between listening and the activity of the mind.
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The third team chose a place that everyone has the right to access, and has the necessity to access – the public restrooms. This idea originated when the team members observed the public in Weiwuying. Most of the senior high school students studying in the public seating area and the people that came for a walk are all familiar with the restrooms and the way to them. The creators of this team came up with several interactive games that can be installed inside the restrooms, such as when the door is closed, an image of the sunset in Qijin, Kaohsiung will appear, or when the flush button is pressed, there will be the smell of petrol simulating air in the harbor, or symphonic music will be played along the flushing sound. All these seem to open up the door to our five senses.
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This team made some simple props and a stimulating video for the presentation outside of the restrooms, showing audiences that within this space of both private and public features, they wanted to create for themselves and the strangers who are at the same time and space a humorous interacting opportunity for 30 to 40 seconds (the team members actually tested the time females needed for using the restrooms).
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The fourth team “Walking Talking” also developed their idea from a 30 second intervention – this time it took place in the elevators. The audience started out from the entrance to the third floor, which is on the ground floor of the playhouse. Here they chose from taking the elevator or the escalator to the third floor. The corner of the elevator and the midsection of the escalator were each equipped with a walkie-talkie. During the ride, a youthful voice suddenly appears from the walkie-talkie and asks “Yu-man brother” questions about life or theater making, then a mature elderly voice uses “young man” as an opening, briefly answering the previously asked questions.
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When the audience reached the third floor, they saw two men in black at different locations, using walkie-talkies. Judging by the questions and answers between them, we realized that they were producing the voices we just heard. At the end, the two drew closer and closer, eventually sitting at the two ends of the couch and continuing their life conversation with the walkie-talkies. At this moment, the audience’s experience shifted from searching for the sound to focusing on the sight. “Yu-man brother” and “young man” are actually two participants at the two ends of the age spectrum of this workshop. They have revealed their true selves during this performance and as a member of Eureka, I found it to be extra fascinating.
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The fifth team “Space Under Planning” used the art gallery corridor on the third floor of the concert hall. During the site survey, the members found that even the speaking voice sounded different when heard from the entrance, the mid-way, or at the end of the gallery; therefore they decided to use this interesting acoustic space and explore a new dimension in performance. The audience teamed up roughly in groups of ten, closed their eyes and strolled along the dimmed, curved corridor while one of the performers at the mid-way kept making a repeating sound of metal clashing. At the end of the corridor was another performer gracefully playing a guitar with a simple rhythm. The corridor leads to a lounge area with lots of natural light. The audience relaxingly lay down on the floor with their eyes still closed, experiencing what the staff described as “a state of void” which may cause a humming sound in the ears.
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Afterwards, the performers woke the audience up, and everyone quietly tracked back along the corridor to where they started. On the way back, we saw the next group of audience with their eyes closed, experiencing the same process we have been through. We also saw that there were numerous origami paper dolls glued to the walls along the corridor – turned out we were never “alone”.
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The presentation of the fifth team created the perfect ending for this approximately two hour long final presentation. It calmed us down and enabled us to use our senses in the purest way.
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After the workshop, I’ve expressed to some participants that to have this experience without having KPI concerns, and to be able to generate numerous organic discussions with various creators/designers in such a short period of time, was of great value. Participants who joined the Lab in 2018 felt that they have now a better grasp of their options and the use of time. For the participants who joined for the first time, they were excited to see if in the near future, the space might be extended beyond the venue, such as to the bus stops. Some are curious about Weiwuying being the biggest art institution in southern Taiwan, what is it that is hidden from the public but noticed by them?
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Gwen H.Y. CHANG, Head of International Partnerships of Weiwuying, has stated that these two EUREKA events have brought lots of inspirations and new ideas to them, such as creating “little Eureka” events that are especially for parents and children, or “educational training lab” for staff members. After all, the self-developed system and activities within the public space is formed by all staff members and the public. Weiwuying is also planning to utilize Taiwanese dance platforms and circus platforms to enable artworks to flourish and grow in the public space, and to continuously offer the space for the interaction between three parties: creators, the public and venue operators. Let’s look forward to the third “EUREKA—Creative and Experimental Lab” to lure the not yet tempted, or confront the already stagnated, whether it’s crossing the boundaries of the human heart or of the architecture.
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\n\t\t\t Guide \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t KUNG Yu-ying (Yoyo) \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Director of Prototype Paradise \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t LING Tien \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Associate Professor, Graduate Institute of \n\n\t\t\tArchitecture, National Chiao Tung University \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t LEE Ling \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Architect, Lecturer at the Department of Architecture, Tunghai University and the Graduate Institute of Architecture, National Chiao Tung University \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t CHOW Ling-chih \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Writer, curator, art critic, dramaturg \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t Fangas Nayaw \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Co-Artistic Director of Fist & Cake Production \n\t\t\t | \n\t\t
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\n\t\t\t Presentation Artists \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t First Group \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t WEN Szu-ni \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t C-turtle tactic \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t YEH Pai-shin (Civmirus) \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Independent Artist \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t SU Pin-wen \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Artistic Director of KuaBo Dance Theatre \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t LIN Cheng-tsung \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Director of Thunar Circus \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t Second Group \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t HSIEH Chieh-hua \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Artistic Director of Anarchy Dance Theatre \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t LIN Huan-ling \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Director of Nan-Yi Musical Theater \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t Joyu LO \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Creative Technologist \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t WANG Ying-chieh \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Erhu Virtuoso / Artistic Director of the \n\n\t\t\tYunshuyachi Ensemble \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t YANG Yuan-ching \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Vice President of Taiwan Street Arts and Culture Development Association \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t YANG Shih-hao \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Director of Taiwan Circus Gate \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t CHI Po-hao \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t ZONE SOUND CREATIVE Founder \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t Third Group \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t TSO Han-chieh \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Artistic Director of Double & Cross Theater Group \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t LIN Jhao-an \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Scenographer of Antinomy Company \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t Fan Li-ying \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Performing Artist \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t HSU Kai-hsuan \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Street Artist \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t LIAO Yu-chieh \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Assistant Conductor \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t Fourth Group \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t YANG Yue \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Choreographer of Antinomy Company \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t Juby CHIU \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Costume Designer \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t LAI Yu-man \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Filmmaker \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t LAI Wei-hsiang \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Set & Costume Designer \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t Fifth Group \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t CHEN Sin-da \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t On.P.Young - Director / Str.ACD - President \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t LI Yun \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Director of Antinomy Company \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t Hank HSU \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Director \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t TSAI Mu-Cheng \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Freelance Artist \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t CHEN Yu-dien \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Director of KING KONE WAVE Production \n\t\t\t | \n\t\t
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The following artists also participated in Creative and Experimental Lab, but without the presentation.
\n\n\n\t\t\t Performance Lift Me Up Artists \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t EUREKA Artists \n\t\t\t | \n\t\t|
\n\t\t\t YU Yen-fang \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Choreographer \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t LIN Kai-yu \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Scenographer / Set Designer \n\n\t\t\t(A Tempting Night) \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t HUNG Chien-han \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Co-founder of Co-Coism \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t CHANG Kang-hua \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Co-founder of Co-Coism \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t HUANG Ding-yun \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Co-founder of Co-Coism \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t LIAO Hai-ting \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Associate Professor / Ableton Live certified trainer \n\t\t\t | \n\t\t
\n\t\t\t Reng TSAI \n\t\t\t | \n\t\t\t\n\t\t\t Merlin's Mustache Lab Associate Technical Director \n\t\t\t | \n\t\t
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衛武營國際論壇,為衛武營年度不容錯過的藝術論壇。2017年於11/18.19 舉行,以「眾人參與的藝術基地創生」為主軸,邀請臺、法、德、英、澳藝術基地及藝術節的重量級推手,共同分享藝術創生的過程,激發想像的可能。衛武營期待透過討論。群聚每一個可能的力量,共同建築成眾人嚮往的藝術之地!以下為觀察員的活動紀錄。
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「藝術是透過社會過程創造與協調出來的,有充分的溝通,就不用再替藝術辯護了。」
\n-柏林國際舞蹈藝術節藝術總監 Virve Sutinen 談藝術節策展
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Virve Sutinen於2014年開始擔任柏林國際舞蹈節的藝術總監,舞蹈節的節目主要是當代舞蹈為主。當地藝術家與當地居民常常是藝術節的成功的重要因素,這些人不只是守門員、更是最大的支持者。因此柏林國際舞蹈節特別支持在地藝術家,每年都邀請一位來自柏林的「焦點藝術家」,在舞蹈節中呈現他過去的作品以及全球首演的新創作,並且為他辦理回顧展,用靜態展示與動態的作品的方為其舞蹈作紀錄。
\n\n做舞蹈家的回顧展是寫歷史,也是重寫經典的做法。從藝術家過去的作品,看出他舞蹈演進的過程,探討其與當代、現代、芭蕾舞等形式的相關性,以及與其他美術的連結是什麼,透過展覽去創造當代舞蹈的歷史感,藉此讓大家了解這樣的表演(舞蹈)與其他歷史文化社會的相關性和淵源。相對於只看到舞蹈本身,這是更有趣的。
\n\n逐漸累積策劃的經驗後,Virve Sutinen建議節目的安排在美學與展現形式上應多元化發展,並且用自己的角度和自信,建立一套自己的做法。Virve Sutinen提到,基於九零年代的某種教條,過去二十年的當代舞蹈中幾乎都是男性被尊為大師舞蹈家,在此當中,女性好像消失了。因此Virve Sutinen反思性別的不平衡的議題,在舞蹈節中呈現。性別之外,地域性的多元,也是舞蹈節希望突破的地方,因此除了重要的文化中心城市的舞蹈以外,柏林國際舞蹈節也會透過邀請,提供其他的城市舞蹈家表演的機會。
\n\n小結策劃節目的指南,Virve Sutinen歸納以下幾個重點:
\n一、讓節目多元化。
\n二、平衡地理位置、性別、年齡。
\n三、為在地藝術家做典範的轉移。
\n四、讓家庭觀眾可以一起來。
藝術家與觀眾是藝術節的兩隻腳。在藝術家的部分,藝術節要盡力用各種方式支持藝術家,他們是夥伴,也會為藝術節團隊帶來挑戰。而藝術總監就像是一座橋樑或中介者,Virve Sutinen認為她自己的角色,是協助藝術家與觀眾的相遇,也是為服務觀眾的藝術家服務。
\n\n在觀眾那一端,策劃藝術節時,首先要認識你的觀眾,第二個原則則是要讓觀眾參與、成為親善大使、願意回來與期待活動。最重要的是,策劃什麼樣的節目就是吸引什麼樣的觀眾,在策展的過程就要跟觀眾連結,透過各種方式取得觀眾的回饋,即使需要花費部分預算去瞭解觀眾,也是一種值得的投資。
\n\n因為舞蹈是一種以身體為主、有點難以理解的藝術形式,因此柏林國際舞蹈節嘗試利用多元的方式讓觀眾能更理解這項藝術,包括舉辦肢體工作坊,藉由身體上的親身嘗試,更理解編舞家怎麼思考;在表演結束之後辦理「舞蹈圈」活動,像讀書會一樣,觀眾可討論彼此的觀舞感受;由藝術家提供書單成立的圖書館,既是知識的集合體,也是一種使觀眾認識藝術家的方式;藝術節也辦理論壇、出版雜誌,讓藝術家、策展人可以與觀眾見面、對話。
\n\n把藝術節做好,必須善用機構組織能提供與運用的權力資源,同時不斷的回到核心的精神面反思、給自己更大的期許,自己的價值與願景是什麼(例如推廣舞蹈文化)?是否已把藝術家的作品做最好的呈現?即使在過程中,會有很多不同的聲音出現,但藝術是透過社會過程創造與協調出來的,因此其中一個方式就是溝通,有充分的溝通,就不用再替藝術辯護了。
\n\n【2017國際論壇】
\n專題演講三:全球藝術進行式與在地群眾溝通
\nVirve Sutinen(柏林國際舞蹈藝術節藝術總監)
\n從2014年起擔任藝術總監,從事藝術與文化領域的工作,身兼管理總監、藝術總監、統籌者、製作人、記者和總編輯,於Tanz im August藝術節之前,曾擔任過丹麥斯德哥爾摩Dansens博物館表演藝術策展人兼劇院主席。在赫爾辛基期間也曾擔任11月舞蹈藝術總監,並與Mika Taanila一起創立了旋轉舞蹈、音樂電影及視頻節,於斯德哥爾摩期間她創辦了斯德哥爾摩節、城市串連節與舞蹈邊界。
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衛武營國際論壇,為衛武營年度不容錯過的藝術論壇。2017年於11/18.19 舉行,以「眾人參與的藝術基地創生」為主軸,邀請臺、法、德、英、澳藝術基地及藝術節的重量級推手,共同分享藝術創生的過程,激發想像的可能。衛武營期待透過討論。群聚每一個可能的力量,共同建築成眾人嚮往的藝術之地!以下為觀察員的活動紀錄。
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「人的流動與流體力學理論一樣,平常並非從事藝術創造的人,在這個空間裡也會被感染,像熱的傳導一樣。」
\n- 巴黎104藝術中心總監José-Manuel Gonçalvès
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創造空間的前提是,先知道自己要航向的方向、要創造的是什麼。在演講的一開場,José-Manuel Gonçalvès就提綱挈領的點出空間創造的核心。
\n\n位於巴黎18區與19區交界的104藝術中心(the CENTQUATRE-PARIS),佔地約一千平方米,在18世紀原本是座公共殯儀館,後來隨著此服務的民營化而廢棄。在九零年代,這附近是巴黎貧窮、治安不良、各國移民與失業者聚集的弱勢地區。
\n\n法國於二戰後,開始增加地區性的文化設施館舍,加上八零到九零年代,許多工業設施被廢棄,空間被居民或藝術家佔據使用,也迫使都市規劃開始思考如何利用閒置空間作為公共使用。在此趨勢之下,104曾在2008-2010被建置為一個非傳統的博物館,意圖讓弱勢族群接觸文化,但是結果卻遭遇挫敗,當地民眾並不樂意使用,與在地連結也不深,一年僅吸引四萬人到訪。
\n\nJosé-Manuel Gonçalvès團隊在接手經營之後,重新思考怎麼改變這個空間,將空間目的設定為「希望讓大家知道藝術不是高高在上,而是有療癒效果、變得更有活力」。核心價值是「因為參與,讓藝術與每個人有所改變」。地點的營造要有一個清楚的目標、企劃、想望,運用藝術與地方居民產生連結,共同創造場域的想法才有可能。第一步從界定自己的品牌特色開始,藉由節目內容的安排,讓大家知道其風格。
\n\nJosé-Manuel Gonçalvès進一步說明,與居民連結有兩個工具來實踐。首先,策劃展覽或劇場時,觀察、想像觀眾會怎麼反應,再調整供給的東西。此外活動彼此之間要是連結的,並且簡化讓所有人可以解讀。第二個,放下專家的理所當然,要向民眾解說,讓民眾直接體驗感受並被說服。先努力了解附近居民,讓民眾感受到這個公共空間、接待所邀請他們來,並且彼此一起決定怎麼使用。很重要的態度就是「館舍並不是高高在上的」。例如閉館時間到時,104並不是用廣播,而是工作人員一一走向民眾通知他們,與其接觸、這就是連結產生的方式。
\n\n104空間設計在入口處有一個「開放式的牆壁」作品,意即邀請民眾走進來這個場域。在這裡,民眾可以租借空間,有育成中心、書店、餐廳、親子空間,也有多功能的空間,滿足所有民眾的、藝術家各種需求。
\n\n空間要讓人覺得舒服,營造自由的氛圍並鼓勵創新,不需指定他人要做什麼。讓他們在這裡想要創作,做平常不會做的事情,就能讓他們來善用與界定這個空間的意向、激發更多創新,傳達不是只有買票進場才是藝術家的訊息。舉例來說,不同於法國一般公共空間的椅子都是固定的,104可被移動式的椅子,讓民眾可以自行決定怎麼使用、設定、擺置,並改變使用的方式。再如舞者可以自由使用開放廣場的大面鏡子排練、更衣,但民眾也可以自由穿梭、圍觀參觀。這裡幾乎所有的事情都是被允許的,使藝術跟生活融合在一起。
\n\n在經費上,104的補助與營業收入(付費表演等)各佔50%。表演收費部分,104採取的策略是,以便宜票價薄利多銷。並且根據節目風格邀請藝術家,有高價的國際藝術家,也有低票價的節目。進駐團體必須能創造文化內容與意涵,並符合空間經營的企圖心,不是單純的商業運作。104每年也會回饋二十到一百萬歐元的收入給弱勢民眾。
\n\nJosé-Manuel Gonçalvès總結將104場域的特點歸納出以下幾點:
\n1.場域可靈活使用,由內容界定場域,而不是場域界定內容。可以改變、隨時調整。
\n2.104是美學的接待所,而不是單純的藝術中心,任何想要參與藝術的民眾或藝術家,就到這個舒服的窩。
\n3.玩「公眾與私人空間」的概念,例如舞蹈、走秀,民眾可以穿梭看到幕後準備或排練過程。
\n4.民眾自己自主性活化、而不是由上而下的設定這個空間。
最後,José-Manuel Gonçalvès也分享他的理念,他說,人的流動與流體力學理論一樣,平常並非從事藝術創造的人,在這個空間裡也會被感染,像熱的傳導一樣。對他來說,這就是實踐所相信藝術最重要的事:重新改造與美化每一個人的人生。
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【2017國際論壇】
\n專題演講二:百變的空間
\n演講者:José-Manuel Gonçalvès(巴黎104藝術中心總監)
\n現為巴黎104中心總監,長期關注並提出多項大型社會實踐計畫,是引領並形塑巴黎當代文化的先鋒人物之一。José-Manuel Gonçalvès在藝術活動領域極其活耀,曾主導多項國際矚目的大型藝術活動,並擔任藝術統籌或總監一職,包括連續兩年受邀策畫巴黎白晝之夜(2014-2015)、大巴黎藝文快遞(Grand Paris Express),與2017年波爾多地景藝術祭(Paysages Bordeaux)等活動;他認為「創新」是種匯聚累積的結果,而非一個時間上的斷面,所以他對當代藝術的各個領域都保有強烈的好奇心,此外,他也觀察到:「讓不同專業學科的人員彼此互動,更容易發現創新的可能性。例如,我們可以媒合音樂家與研究人員、或是生物學家與造型藝術家進行合作,讓不同元素相互碰撞產生關係,創意通常由此而生」。
衛武營自開館以來持續與國際夥伴合作,拓展國際網絡連結與促進藝文交流。其中包含旗艦節目跨國製作、藝術家駐地交流、國際展演計畫合作、跨域創作連結,舉辦衛武營國際論壇、FACP亞洲文化推展聯盟線上年會及WOW高雄世界女性藝術節等多元形式,深化國際夥伴結盟關係並搭建臺灣藝術家與國際舞台之橋樑。
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近期計畫:
\n\n\n\n►衛武營X國際工房(英國曼徹斯特) 2023國際創意製作人工作坊暨公開講座
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\n',tabs:[{programs:[],seq:2,name:"夥伴結盟",content:'
\n',color:{a:1,r:130,g:130,b:130},type:"content"},{programs:[],seq:3,name:"合作計畫",content:'\n\n\n\n
「Rollo- 臺灣.以色列合作線上藝術創作交流展演計畫」為一疫情期間、國際旅行及文化交流限制下,突破地理和疫情的囿限,由文化部、駐台北以色列經濟文化辦事處、衛武營國家藝術中心、以及Rollo藝術計畫團隊共同支持進行的國際藝術交流合作計畫,多年來已與土耳其、英國、俄羅斯等國藝術機構及組織合作,創造出各式各樣豐富多樣的線上作品成果。今年計畫來到臺灣,並由衛武營國家藝術中心以及Rollo藝術計畫團隊共同主辦,希冀透過臺灣及以色列雙邊策展人協力,攜手串聯新生代藝術家,在限定的時間和主題下激盪出跨國交流的作品。
\n\n合作夥伴
\n\n以色列藝術家
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2021年9月19日為法國的國際諮詢日(International Day of Consultations),衛武營的國際合作夥伴—巴黎市立劇院—將在巴黎市中心尼爾森曼德拉花園進行大規模的藝術諮詢活動。衛武營相信「藝術療癒」的力量,也積極響應,成為本活動唯一的亞洲夥伴場館。當天同步舉辦《藝術諮詢日》,邀請表演者擔任「藝術諮詢師」,將衛武營三樓樹冠大廳及西側樹冠露臺轉化成花草系療癒空間,在表演者與觀眾的簡短問候對話後,由表演者來為觀眾挑選詩詞為之朗誦,或樂曲彈奏,甚至即興表演一段戲曲或舞蹈;又或進入樹冠露臺聆聽由臺灣詩人與巴黎市立劇院演員帶來的中文、臺語、法文詩詞朗誦。歡迎報名參與,讓藝術滋養心靈。
\n\n合作夥伴
\n\n法國|巴黎市立劇院
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2017年衛武營與歐陸青年編舞者網絡Aerowaves展開合作,與義大利巴薩諾戴格拉帕當代表演藝術中心、法國馬恩河谷省國家編舞發展中心,和日本捷森基金會等合作夥伴機構,因創意歐洲專案支持之「跳舞博物館」計畫,開展了2019年橫跨歐、亞兩大洲的「四國駐地交流計畫」。
\n\n合作夥伴
\n\n法國|馬恩河谷省國家編舞發展中心
\n\n香港|西九文化區自由空間
\n\n義大利|巴薩諾戴格拉帕當代表演藝術中心
\n\n日本|捷森基金會
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舞蹈影片結合了舞蹈和影像,讓舞蹈和電影工作者通過肢體和影像的對話,探索藝術表達的更多可能與火花。從2021年起,透過平臺《舞蹈風景》,由新加坡濱海藝術中心倡議,攜手香港大館-古蹟及藝術館、臺中國家歌劇院,以及衛武營國家藝術文化中心推出一系列舞蹈影片,邀請藝術家們在不同場域、從不同主題汲取靈感,讓舞蹈和影像相互交織,也讓觀眾欣賞各地華人藝術家的多元文化面貌。
\n\n合作夥伴
\n\n香港|香港大館 ─ 古蹟及藝術館
\n\n新加坡|濱海藝術中心
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衛武營國家藝術文化中心目標成為「亞洲劇場自造者的新創基地」,2017年與「PQ布拉格劇場設計四年展」(Prague Quadrennial of Performance Design and Space, PQ)簽署四年合作計劃,本計劃共有八個合作夥伴機構,分別來自捷克、英國、挪威、賽普勒斯、烏克蘭、波蘭、拉脫維亞及臺灣,作為臺灣代表的衛武營亦是此計畫唯一的亞洲夥伴。
\n\n透過此計畫,開啟亞洲與歐洲間持續的合作契機,包括新銳設計/創作者交流、實習生培訓與展演作品交流計畫等實驗與合作的機會,發展亞洲和歐洲青年劇場自造者(theater-makers)間的交流網絡。
\n\n2020年的整個5月,《EUREKA!2.0發現衛武營》以展覽、創意實驗自造所及演出三個子計畫,串起不同國家的夥伴藝術計畫,在衛武營的公共空間中,創造和藝術的不期而遇。
\n\n合作夥伴
\n\n捷克|PQ布拉格劇場設計四年展/ATI捷克藝術與劇場研究中心
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以音樂藝術為主軸,求索歷史、書寫當代、探索未來,期盼透過實驗與實踐,以展演、當代音樂學院、國際鏈結等三個面向,緊密連結創作者、演繹者與聽眾,發揮國家場館能量,推動與催生當代作品,為下一個世代承續臺灣音樂發展。
\n\n合作夥伴
\n\n韓國|全州國際音樂節
\n\n匈牙利|于特福許基金會
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建構當代舞蹈從業人員於在地、區域和國際產業發展上鏈結的永續型支持系統 - 展演(共製/委製)、中/英書寫(評論/賞析)、工作坊、講座、主題影像展及國際專業人士聚會等,給予青年創作世代不同階段的創作陪伴,以及實驗精神的發展空間。
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自2016年起,衛武營每年11月策劃推出馬戲平台,為目前全臺灣唯一聯結產、官、學界,深度推動馬戲藝術發展及育成的平台,同時連結了民眾生活、衛武營建築本體和室內外通透的空間及公園腹地,傳達了馬戲具有總體藝術的開放性及包容度,讓生活可以談論很嚴肅的議題,亦可以用詼諧、幽默和很動感的方式,讓觀眾進入馬戲的創意裡。
\n\n合作夥伴
\n\n亞洲馬戲網絡
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\n',color:{a:1,r:0,g:0,b:0},type:"content"},{programs:[],seq:4,name:"國際連結",content:'
2023
\n\n2023 FACP亞洲文化推展聯盟高雄年會-下一站,綠世代—續航表演藝術生活
\n\n\n\n2023年11月23日至26日,衛武營與FACP亞洲文化推展聯盟攜手以「下一站,綠世代—續航表演藝術生活」為年會主題,扣合衛武營五週年慶場館永續的核心,回應後疫情時代表演藝術面臨的重要經濟和環境挑戰。這是FACP在後疫情時代的首個聚會活動,也是藝術文化交流的絕佳機會。
\n\n時間
\n\n2023/11/23-11/26
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2022
\n\n2022德國杜塞道夫國際舞蹈博覽會
\n\n\n\n兩年一度全球最具規模的專業現代舞蹈交流平台-德國杜塞道夫國際舞蹈博覽會(Internationale Tanzmesse NRW),2020年因疫情於全球蔓延之影響下暫停實體交流活動,於2022年8月31日至9月3日重啟,在為期四天的展會期間中,籌辦包含劇場演出、交流工作坊、新作提案、主題講座、展覽等多元活動,今年舉辦預計將有來自歐洲、美洲、亞洲及非洲等超過45個國家以及約2000名的專業舞蹈相關人士齊聚,互相交流以及建立國際合作的網絡。
\n\n2022年,由文化部支持,衛武營國家藝術文化中心攜手駐地藝術家藝術家周書毅共同籌劃,參加2022德國杜塞道夫國際舞蹈博覽會,以「TAIWAN ONLINE」為主軸,並連結衛武營三大平台之一的臺灣舞蹈平台策展脈絡,一同回應及回顧表演藝術幾度停擺又重啟的虛實時代,臺灣是位處於亞洲的一座島國,疫情著實讓這一座島嶼重新去思索「連結」的意義及「邊境」所代表的含義,藉由藝術家們厚植議題深度,反觀生命處境之間的連結與呼應,探尋不同距離的創作方法,對照本土到國際的連結、在虛擬世界中的肢體移動等議題,「TAIWAN ONLINE」將以交叉呼應的策展概念呼應現況,並期待能帶出在疫情期間,這片土地上最真實的生活樣貌。
\n\n最新消息
\n\n►2022德國杜塞道夫國際舞蹈博覽會 衛武營攜手駐地藝術家周書毅共同策劃TAIWAN ONLINE
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2021
\n\n2021年,衛武營首次將WOW世界女性藝術節引進臺灣,串連藝文、學術、社群、教育、企業、非營利組織等領域,收集各年齡層、不同背景的在地民眾聲音,整合出以 #連結對話 、#換位同理 、#歡慶共創 為核心精神的「WOW高雄2021世界女性藝術節」,內容包括講座、參與式演出、對談、身體工作坊及放映櫥窗等超過數十場精彩活動與節目,希望在聆聽、分享與重新學習的過程中,共同探討實踐平權的方向。期許以藝術節來讓每一位女人、女孩更有力量,營造性別友善的世界。
\n\n時間
\n\n2021/11/5-11/14
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2020
\n\n2020年,全球各行業均受疫情重創,國際合作甚至在地工作都變得舉步維艱。藝術機構苦思調整方法,同時面臨社會經濟條件大幅轉變,藝術產業如何打破現況,建立創意的溝通載體?
\n\n衛武營自2015年起每年開辦國際論壇,持續創造「藝術、生活、公民社會」的對話機會。今年適逢衛武營承辦FACP亞洲文化推展聯盟(Federation for Asian Cultural Promotion)第38屆年會,因此結合兩項活動,以《疫情緊張!藝術怎麼辦?》作為主題,進一步反思藝術產業對疫情的影響與挑戰的回應,探討藝術與文化在當代社會數位時代下可能的變革,以及如何在風險社會中保持快速回應的彈性。
\n\n時間
\n\n2021/11/13-11/15
\n\n\n\n\n',color:{a:1,r:130,g:130,b:130},type:"content"},{programs:[],seq:5,name:"共製節目",content:'
2022
\n\n時間
\n\n2022/10/27(四) - 2022/10/30(日)
\n\n合作夥伴
\n\n比利時列日皇家歌劇院
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2021
\n\n時間
\n\n2021/9/17(五) - 2021/9/19(日)
\n\n合作夥伴
\n\n香港城市當代舞蹈團
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2020
\n\n時間
\n\n2020/12/4(五) - 2020/12/5(六)
\n\n合作夥伴
\n\n德國里米尼紀錄劇團
\n\n\n\n\n\n\n\n
時間
\n\n2020/2/28(五) - 2020/3/1(日)
\n\n合作夥伴
\n\n英國國家歌劇院
\n\n\n\n
2019-2020
\n\n時間
\n\n2019/4/4(四) - 2019/4/7(日)
\n2020/8/28(五)、2020/8/30(日)
合作夥伴
\n\n德國萊茵歌劇院
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2018
\n\n時間
\n\n2018/12/8(六) - 2018/12/9(日)
\n\n合作夥伴
\n\n林肯表演藝術中心
\n\n美國斯波萊多藝術節
\n\n新加坡藝術節
\n\n\n',color:{a:1,r:0,g:0,b:0},type:"content"},{programs:[{title:"身體會說話! 擁抱自己和他人的與眾不同,成為更自由而完整的人。",introduction:"由臺灣與西班牙兩國、三城合作開展的舞蹈南方計畫,2020年在遇見國際疫情的當下,即改變策略轉為線上舞蹈影像創作交流,從新的經驗裡學習轉型、深化藝術家、機構間國際交流(新)的模式。",image:"2274941594c52fd4c5896b2c0acd23d1",link:"/blogs/625cd6487406e30007ca93e0",catalogs:[],date:"",sliderImage:""},{title:"舞蹈南方 - 立足南方的跨國舞蹈旅行",introduction:" 當飛機安全降落後,映入筆者眼簾的是西班牙首都馬德里最繁忙的國際交通樞紐 - 馬德里巴拉哈斯機場的第四航廈...",image:"b697f071f5e66c3219dde7b8337df4ee",link:"/blogs/625a9efc02b8ab0007c2c8cf",catalogs:[],date:"",sliderImage:""},{title:"共同想像一個性別平權的未來世界",introduction:"由WOW世界女性藝術節創辦人裘德.凱莉(Jude KELLY)主講的最後一場對談「平權路上缺你不可」,由凱莉於線上主講,由兩位即席口譯配合字幕與手語老師進行翻譯。",image:"60280cb77af0f64c7bfb3eaa82e9a7c5",link:"/blogs/61c92accbf4bbf000b5bde86",catalogs:[],date:"",sliderImage:""},{title:"I see you: 以眼睛交流的手語藝術諮詢",introduction:"我曾經到法國巴黎旅行兩次,而在這座城市步行總帶有第一次的新鮮感。",image:"5af51678dfc089d5888a14af5e9520f7",link:"/blogs/61c07374bf4bbf000b5942ba",catalogs:[],date:"",sliderImage:""},{title:"為什麼我們需要女性藝術節",introduction:"雖然世界上有50%的女性和50%的男性,但是,我們的社會,卻以男性作為人類的範本。一提到「人類」,往往自動預設是男性,唯有指明「女人」,腦中才會想到「喔,她在講女性」,明明女人和男人都是人類,不是嗎。",image:"8bd3e29e306e45a0a4f6d43905a7d81f",link:"/blogs/60d2b186de66e700072de180",catalogs:[],date:"",sliderImage:""},{title:"疫情緊張,藝術怎麼辦?2020 衛武營國際論壇 側記",introduction:"科技與藝術的結合,不僅僅提供了表演方式與內容的新可能,同時也為正規教育內的藝術學分注入養分...",image:"80d6cbc88c3390718a52e0656da8e112",link:"/blogs/5fd07115946984000607f180",catalogs:[],date:"",sliderImage:""},{title:"再發現衛武營建築空間—記2018至2020 EUREKA!系列計畫",introduction:"第一次走進衛武營場館是在2018年的5月,第一屆「Eureka!發現計畫」,當時的衛武營尚未開館,空蕩蕩的場館中許多玻璃帷幕的保護膜未撕,耐心地等待驗收啟用...",image:"81609aa88ab5cee1c9d555803dfeb3b4",link:"/blogs/5f55f513f8c7db00067c5187",catalogs:[],date:"",sliderImage:""},{title:"在藝術中賦權——2019衛武營國際論壇12月15日側記2",introduction:"2019年12月15日,衛武營國家藝文中心以「平權」為題,進行了東西方的精彩交會,不只討論平權,更進一步賦權。",image:"86d48b46961d9429b203be4f03f08fdd",link:"/blogs/5ed7d4ec58ad3900060948b7",catalogs:[],date:"",sliderImage:""},{title:"我們與劇院的距離——2019衛武營國際論壇12月14日側記",introduction:"「左鄰右舍一起來!新時代的觀眾關係」是2019衛武營國際論壇的大標題,而網路文案「邀請厝邊朋友一起張開感官,想像走進劇院的百種理由」,則對這個大標題做了進一步的闡釋。",image:"d40a38a16ae87b9a1e689741bc218b04",link:"/blogs/5ed7d10958ad39000609486d",catalogs:[],date:"",sliderImage:""},{title:"一窺《EUREKA!2.0 發現衛武營》創意實驗自造所全貌",introduction:"2018年五月,衛武營第一次舉辦以「公共空間展演」為主題的「EUREKA——創意實驗自造所」工作坊,當時參加者有二十餘位台灣劇場工作者,以及七位國外和臺灣的業師。2020年五月,衛武營開館一年半,第二屆自造所的籌辦因新冠肺炎一度喊停,但隨著臺灣疫情逐漸穩定且控制得宜,此活動得以照常舉行。",image:"fa85b003fb618cc2e69916f7268d2729",link:"/blogs/5ed0d45558ad390006079c81",catalogs:[],date:"",sliderImage:""},{title:"柏林國際舞蹈藝術節藝術總監 Virve Sutinen 談藝術節策展",introduction:"Virve Sutinen於2014年開始擔任柏林國際舞蹈節的藝術總監,舞蹈節的節目主要是當代舞蹈為主。當地藝術家與當地居民常常是藝術節的成功的重要因素,這些人不只是守門員、更是最大的支持者。因此柏林國際舞蹈節特別支持在地藝術家,每年都邀請一位來自柏林的「焦點藝術家」,在舞蹈節中呈現他過去的作品以及全球首演的新創作,並且為他辦理回顧展,用靜態展示與動態的作品的方為其舞蹈作紀錄。\n\n\n",image:"8210b4f639271e7b153d95129042aab7",link:"/blogs/5afd13d51f0e9d000729f9c5",catalogs:[],date:"",sliderImage:""},{title:"巴黎104藝術中心總監José-Manuel Gonçalvès 談空間創造",introduction:"「人的流動與流體力學理論一樣,平常並非從事藝術創造的人,在這個空間裡也會被感染,像熱的傳導一樣。」\n- 巴黎104藝術中心總監José-Manuel Gonçalvès\n\n\n",image:"d47f8834d46b1cf6088239baf9edbda6",link:"/blogs/5afd137f1f0e9d000729f9bf",catalogs:[],date:"",sliderImage:""}],seq:6,name:"專文與影音",content:"",color:{a:1,r:130,g:130,b:130},type:"reference"}],onShelf:!0,onShelfRange:{start:null,end:null},sliders:[{title:"國際夥伴",introduction:"",type:"image",pc:"5d5e240cf732c47797272c1ae123c10e",mobile:"5d5e240cf732c47797272c1ae123c10e",film:{key:"5d5e240cf732c47797272c1ae123c10e",from:"image"},link:""}],albums:[],albumsColor:{a:.8,r:255,g:255,b:255},albumsSeq:0,writings:[],writingsColor:{a:.8,r:255,g:255,b:255},writingsSeq:0,hasIntroduction:!0,hasWritings:!1,hasAlbums:!1}}},fetched:!0},shippingAreas:{rows:[],loaded:!1},userAuth:{logined:!1,status:"NORMAL",inited:!1,data:null,showNsoOverlay:!1},announce:{show:!0},youthOverlay:{show:!1,showed:!1},featureCategories:{rows:[],loaded:!1,loading:!1},features:{rows:[],loaded:!1,loading:!1},newsCatalogs:{rows:[],loaded:!1,loading:!1},chronologies:{rows:[],loaded:!1,loading:!1}},routing:{locationBeforeTransitions:null}}